Chiara Manganelli - Scrittrice, Critica d'Arte e Art Promoter

“DESERTI DI PIETRA” DI SILVIO ZANGARINI

2010-09-18T16:55:00.000-07:00

“Deserti di pietra” è un viaggio attraverso una Torino magica, esoterica e selenitica.

Silvio Zangarini ci conduce in un universo onirico fatto di luci e ombre, di ciottoli e strade, di suggestioni emblematiche e misteri seducenti.

Il sorprendente equilibrio compositivo delle sue opere non è mai statico, bensì estremamente dinamico; è frutto di una doviziosa ricerca stilistica e di un raffinato gusto estetico, e sgorga da un fermento vibrante e vitale, accompagnato da un'armonia primordiale e perfetta che sa svelare la bellezza contenuta in nuce in tutte le cose, carpita dall'occhio dell'artista nel momento in cui essa si palesa.

Le sue fotografie, se guardate in modo frettoloso e superficiale, potrebbero apparire come mere riproduzioni tout court di alcune piazze di Torino, e invece racchiudono un livello di lettura molto più sottile e profondo: si addentrano nelle viscere di questa città ambivalente e affascinante riuscendo a cogliere la sua essenza nascosta.

Zangarini usa il linguaggio apparentemente ortodosso delle immagini e lo rimpasta, lo plasma con la materia impalpabile di cui sono fatti i sogni, facendosi aedo di una semiologia del tutto personale e originale, che parte dal mondo fenomenologico per raccontare i misteri affondati nei territori segreti dell'anima umana. Un viaggio duplice, quindi, non solo urbano e tangibile ma anche individuale e trascendente, che si snoda alla ricerca di se stessi nel mondo, in virtù di un rapporto inscindibile con lo spazio fisico che la nostra anima abita, ma che oltrepassa la realtà transeunte per avventurarsi altrove, dove non esistono né spazio né tempo, in un luogo sospeso e surreale.

Lo scatto della sua macchina fotografica, fermando l'attimo, ne sottolinea sia la sua intensità unica, eterna e irripetibile, sia il suo inesorabile fluire verso uno spazio temporale e mentale che ancora deve compiersi, e che attende altri attimi affinché l'ordito sfaccettato di una storia possa essere tessuto.

“Deserti di pietra” è dunque uno splendido encomio alla bellezza elegante e notturna di Torino, ma anche e soprattutto alla bellezza che appartiene a ognuno di noi, alla vitalità e alla curiosità che ci permettono di ritrovare l'Ulisse che dimora dentro la nostra anima. Il viaggio è un istinto ineludibile e ontologico, così come è ineludibile l'intrinseca dicotomia tra movimento e stasi, che ci spinge, da una parte, a dispiegare le vele per andare alla ricerca di ciò che è ignoto e anagogico, e, dall'altra, a custodire e preservare un porto a cui poter attraccare, un'Itaca a cui poter fare ritorno in caso di burrasche e tempeste, perché il senso della nostra identità è sempre indissolubilmente ancorato a tempi e a luoghi, e si può partire solo sapendo che si può tornare da qualche parte per ritrovare qualcosa.

UN OSSIMORO PITTORICO: IL VERISMO INTIMISTA DI ANTONIO SGARBOSSA

2010-09-18T16:51:00.000-07:00

Non c'è via più sicura per evadere dal mondo che l'arte, ma non c'è legame più sicuro con esso che l'arte

J.W Goethe

La produzione pittorica di Antonio Sgarbossa si colloca in un territorio ambivalente, al confine tra un'oggettività naturalista, che ricalca una logica inferenziale e positivista, e una soggettività estremamente moderna, polifonica e “fotografica”. Mescolando sapientemente elementi “veristi” con scorci e sguardi squisitamente unici e personali, i dipinti dell'arista veneto fluttuano tra sogno e realtà, elargendo allo spettatore un punto di vista cangiante e originale, mai banale e scontato. E se è vero, come asserì Gilbert Keith Chesterton, che “la dignità dell'artista sta nel suo dovere di tenere vivo il senso di meraviglia nel mondo”, Sgarbossa adempie a questo compito in maniera esemplare.

A una prima analisi i suoi quadri sembrano raffigurare la realtà, ma, pur essendo evidente che nella sua poetica echeggiano risonanze di matrice realista e naturalista, è altresì innegabile che la sua ricerca artistica non si limita a una mera riproduzione sic et simpliciter del mondo fenomenico.

Osservando i paesaggi urbani di Sgarbossa si ha la sensazione di assistere a un ossimoro concettuale e percettivo: ciò che viene rappresentato, infatti, è incontrovertibilmente reale e tangibile, apparentemente oggettivo e inequivocabile, ma lo sguardo profondo e acuto di questo artista riesce a cogliere l'inconsueto racchiuso e raggomitolato dentro il consueto, l'eccezionale avviluppato nelle pieghe riottose della normalità, svelando e mostrando, attraverso tagli prospettici arditi e inesplorati, la bellezza tacita e latente delle cose, che quasi mai percepiamo, perché nascosta dinnanzi a noi. James Hillman affermò che il modo migliore per occultare qualcosa è proprio questo: metterla in evidenza, sotto gli occhi di tutti, cosicché, paradossalmente, essa scompaia, diventi invisibile per i più. Ma non per tutti, non per chi possiede il dono di una rara sensibilità capace di guardare oltre la coltre ingannevole dell'apparenza.

Sgarbossa si fa dunque esegeta e araldo di questa invisibilità per dissotterrarla e renderla visibile e decifrabile, restituendole vita, dignità e splendore, inficiando così il sillogismo, spesso in auge, secondo il quale quello che non si vede non esiste. Ma ci sono innumerevoli modi di percepire la realtà. Qual è, dunque, quello giusto? Diatriba filosofico-epistemologica che logora gli intelletti dalla notte dei tempi. Verrebbe da dire che l'unico modo giusto, o meglio, l'unico modo rilevante, sia il proprio, eppure anche questa tesi risulta farraginosa e insoddisfacente. E dove alberga la realtà? In quale degli infiniti sguardi possibili? In tutti e in nessuno. Ma in questa sede, più che considerare ciò che è giusto o sbagliato, ci interessa esplorare la portata estetica, creativa e simbolica che l'espressione artistica sottende. E nel caso di Antonio Sgarbossa la capacità di attribuire un senso sorgivo al mondo immanente si coniuga con una maestria tecnica e cromatica che suscita stupefacente appagamento estetico. L'uso delle luci e delle ombre ci ricorda i prodigiosi virtuosismi caravaggeschi, e l'impiego di colori soffusi e sfumati, che digradano dolcemente uno nell'altro senza mai dar luogo a violente fratture percettive, palesa un intimismo profondo e pregnante, potente ma discreto, e dona risalto e significanza ai particolari; è proprio qui che emerge maggiormente l'impronta verista di Sgarbossa, ma il suo è un verismo soggettivo, quasi onirico, perché la sua è una pittura interiore, che si esprime attraverso due processi embricati e interdipendenti: da un lato l'interiorità del soggetto è proiettata sul mondo e dall'altro il soggetto introietta la realtà per trasformarla incessantemente in rappresentazioni peculiari e personali. Il risultato è un'alchimia raffinata e sorprendente.

Merita di essere menzionato anche l'altro grande filone della produzione di Sgarbossa: le figure femminili.

Le donne rappresentate dall'artista posseggono un quid che le rende creature al contempo eteree e carnali, sensuali e anagogiche, senza che tali parossismi risultino mai surrettizi. Le pose e le posture dei loro corpi rimandano a qualcosa che sta per accadere o è già accaduto, creando un dinamismo pulsante e palpitante. Queste donne, catturate nella sospensione fugace di un attimo, stanno intessendo la propria storia, calcano il palcoscenico della propria esistenza, e non possono e non devono fermarsi, perché l'immobilità è annichilimento e morte. Sgarbossa riesce a cogliere e a rendere magistralmente questo flusso vitale in eterno divenire, sottolineando l'unicità irripetibile di ogni essere vivente e perlustrando l'intrinseca bellezza e la suadente armonia proprie di ogni corpo e di ogni anima.

L'erotismo che talvolta permea i suoi quadri non è mai ingombrante e pleonastico; è pacato, lieve, velato, ed è un modo per celebrare la bellezza ontologica racchiusa in ogni donna, la sua sensualità atavica e ancestrale, che a volte si evince da un dettaglio impercettibile: un gesto, uno sguardo, un movimento. Tutto sta nel saperlo individuare e comprendere, per poi dargli voce.

L'arte vuol sempre irrealtà visibili

J.L. Borges

Chiara Manganelli

IL NATURALISMO INFORMALE DI RODOLFO TONIN: LA SILENZIOSA PRESENZA DELL'INEFFABILE

2010-08-27T00:51:00.000-07:00

“Sono costretto a continue trasformazioni, perché tutto cresce e rinverdisce. Insomma, a forza di trasformazioni, io seguo la natura senza poterla afferrare, e poi questo fiume che scende, risale, un giorno verde, poi giallo, oggi pomeriggio asciutto e domani sarà un torrente.”
Claude Monet

Rodolfo Tonin, promosso da Falpa Promozione Arte, possiede un ricco e prestigioso curriculum, annoverando al proprio attivo numerose mostre personali e collettive, in Italia e all'estero.
La sua è una pittura squisita, peculiare e poliedrica, densa di spunti e risonanze, che attinge da modelli e correnti artistiche del passato per arrivare a rielaborare uno stile personale unico e in continua evoluzione, ma che richiede diversi e variegati livelli di lettura.
Egli eredita dal naturalismo lombardo del XIX secolo il respiro ampio e grandioso di una natura esplorata “en plein air”, insieme all'uso magistrale della luce e a un cromatismo scompigliato, impastato e sfumato, in grado di suscitare balzi sinestesici sorprendenti e suggestivi.
Se è vero, come affermò Friedrich Schelling, che “la natura è vita che dorme”, la pittura di Tonin, in cui domina una sensibilità di tradizione romantica, è in grado di cogliere e restituire appieno il senso di questa sottile e affascinante ambivalenza, riuscendo a trasmettere sia la sensazione di quiete maestosa e dormiente, sia l'intrinseca e vibrante vitalità che essa racchiude “in nuce” .
L'arte può divenire “natura concentrata”, come asserì Honorè de Balzac, solo nel momento in cui sia capace di rinunciare a un virtuosismo vuoto e imparaticcio, finalizzato a una mera emulazione del reale che risulta inevitabilmente micragnosa e al contempo pleonastica, poiché nulla aggiunge e nulla rivela, e, anzi, banalizza e depaupera qualsiasi tipo di ermeneutica e di teleologia “de rerum natura”.
E Rodolfo Tonin, con la sua pittura, riesce brillantemente a compiere questo processo che permette all'arte di trasformarsi, appunto, in natura concentrata.
Nelle trame delle sue tele è intessuta la quintessenza della Natura, che, come in un gioco di scatole cinesi, racchiude correlazioni inaspettate tra significanti e significati, stimolando lo spettatore a forgiare nessi nuovi e inesplorati che conducano a un senso “altro”, adottando modalità d'interpretazione analogiche ed emotive, e oltrepassando i confini dell'ortodossia semantica per approdare, come meta ultima, a carpire e percepire l'ineffabile. E proprio qui sta la valenza profondamente autentica del suo nucleo “impressionista”, che emerge, sul piano estetico, attraverso l'impiego di colori forti e incisivi, di contrasti cromatici, di sapienti alternanze di luci e ombre, e, sul piano concettuale, viene reso con uno stile del tutto singolare, in virtù del quale il mondo reale viene rappresentato non in quanto entità fenomenologica sovraordinata, ma come fosse lo specchio di un mondo interiore di immensa portata e dotato di sfaccettature dinamiche, temerarie e visionarie.
Nei quadri di Rodolfo Tonin la figura umana quasi non appare, ma, anche se ciò può sembrare un paradosso, essa è invece poderosamente presente, seppure in modo silente e implicito. L'uomo è parte integrante della natura e dei suoi cicli; la sua appartenenza al mondo naturale è radicata e atavica, ed emerge grazie alla soggettività imprescindibile dello sguardo sulle cose, che proietta su questa natura una compagine incommensurabilmente assortita di sentimenti e sensazioni.
La potenza espressiva di questo raffinato artista si esprime mediante una tecnica che utilizza campiture ampie e spaziose, e che talvolta “de-forma” prospettive e rapporti volumetrici per costruire sembianze inconsuete, cangianti e impetuose, adoperando il colore in maniera materica, come fosse sostanza viva e pulsante da far gocciolare, da distendere con la spatola, da comprimere, raggrumare, graffiare o declinare in illimitate possibilità tonali. Tonin ricalca così le suggestioni espressionistiche dell'astrazione informale per creare un impatto emotivo immediato e “violento”, quasi drammaturgico, dove l'effetto cromatico prevale sulla forma, pur senza mai sacrificare l'equilibrio estetico e compositivo. E la forma viene trascesa per addentrarsi in dimensioni semiologiche più complesse e articolate, che si esplicano per mezzo di traslitterazioni da un universo di segni a un altro.
Altre volte, invece, i suoi dipinti trasmettono un senso di freschezza giocosa e gioiosa, dove gli elementi naturali si intersecano e si incontrano per plasmare contrappunti delicati e armoniosi, corollari di polifonie cromatiche dense di dolcezza, e dove la forma non viene “de-formata”, ma esaltata nella sua essenzialità, come se contenesse nella sua foggia una perfezione ontologica che non ha bisogno di ulteriori specificazioni e manipolazioni. In queste opere viene sottolineata la vis raffigurativa dell'eidos (dal greco: forma), intesa secondo l'accezione che possedeva nella filosofia platonica, e dunque concepita come sembianza non solo esteriore, ma come entità che include l'essenza profonda delle cose.
Qui la natura viene spesso rappresentata in tutta la sua eleganza discreta e silenziosa, che ne risalta la dimensione assoluta e quasi atemporale, e il ritmo delle stagioni è scandito in modo lieve e soffuso, talora con velata e mesta malinconia.
Nel complesso lo stile compositivo di Tonin sembra dunque incarnare l'irrisolvibile tensione delle pulsioni umane, che connota l'intero avvicendarsi dell'esistenza, perennemente in bilico tra dicotomie che fondano i presupposti della vita stessa.
Così l'uomo, nel suo viaggio incessante verso di sé, attraversa buio e luce, dolcezza e violenza, dinamismo e stasi, e, soprattutto, può ritrovare il senso profondo della propria “fusis” (dal greco: natura) nel digradare dolce di una collina, nell'inquietudine brumosa di un cielo, nel serpeggiare di un greto, nelle fronde lussureggianti di un albero, nel bianco opalescente di un paesaggio innevato. Il susseguirsi ciclico degli eventi naturali rispecchia quindi la circolarità ineludibile dell'esistenza umana: sempre uguale ma sempre diversa.

"Un prodotto organizzato dalla natura è un prodotto dove tutto è reciprocamente fine e mezzo; in esso, nulla d'inutile, privo di scopo, o dovuto ad un cieco meccanismo naturale."
Immanuel Kant

Chiara Manganelli

MANUELA MARUSSI, I FIORI ALCHEMICI DEL GIARDINO DELL'ANIMA

2010-05-27T16:14:00.000-07:00

Dal 5 al 22 maggio, presso lo Studio Laboratorio di Anna Virando, in Corso Lanza 105 a Torino, la pittrice triestina Manuela Marussi presenta la propria mostra personale “Il giardino incantato” (orario 16.30-20.00).
Manuela Marussi esordisce come pittrice nel 2000, e in questi dieci anni il suo curriculum si è arricchito di numerose e prestigiose esposizioni personali e collettive.
Questa mostra trae ispirazione da un laboratorio che l'artista ha gestito per un anno con alcuni bambini di una scuola materna. Tale esperienza ha permesso al “giardino incantato” della pittrice di sbocciare e fiorire, portando alla luce il nucleo profondo della sua “Bambina magica”, solare, divina e in armonia con il Tutto, e liberando la sua forza femminile, pregna di potenza creativa e generatrice. In quest'ottica la pittura diventa mezzo espressivo e taumaturgico per far risuonare nell'osservatore emozioni profonde e sottili, e per condurlo alla scoperta della propria essenza autentica e nascosta, che, una volta riconosciuta e accolta, vivifica e rivela i misteri arcani e stupefacenti dell'esistenza.
Il bambino rappresenta un ponte tra la terra e il cielo, tra l'immanente e il divino. Quando ci specchiamo nella purezza intonsa, incantata e giocosa dei bambini, possiamo ritrovare il nostro giardino interiore, in cui sono conservati i frammenti della nostra fanciullezza, troppo spesso assopita o dimenticata.
I quadri di Manuela Marussi sono ricchi di simbolismi e di riferimenti alchemici e spirituali, e in essi predomina sempre una dolcezza estrema, che si manifesta anche attraverso l'uso di delicati colori pastello e di raffinate sfumature cromatiche.
Osservando alcuni suoi dipinti, come “Abbandono” (olio su tela, 90x30, 2009), “Il dono di sé” (olio su tela, 50x70, 2010) e “Semi” (olio su tela, 30x60, 2010), si ha la sensazione di essere trasportati in una dimensione rarefatta e assoluta, in cui la danza della Vita esplode, si espande e risuona, e si viene guidati in un universo onirico fatto di percezioni dolci, ineffabili e vibranti, dove l'armonia diviene musa ammiccante e seducente del nostro Io, in virtù di un processo graduale di autoconsapevolezza che ci porta oltre la realtà apparente, per giungere a sentire e com-prendere ciò che ci circonda. La chiave di svolta è la fusione con l'alterità, che si ottiene attraverso l'Amore incondizionato, unica forza che può farci ritrovare noi stessi e gli altri, in quella terra sconfinata e piena di energia vitale che è sepolta dentro di noi, e di cui a volte perdiamo le tracce, perché ci ostiniamo a cercarla altrove, in luoghi impervi e scoscesi, mentre basterebbe semplicemente scavare, perlustrare e scendere giù, fino in fondo, immergendoci nei nostri abissi interiori senza paure, remore e menzogne.

SI PUO' - IL DILEMMA DI UN UOMO E UNA DONNA - OMAGGIO A GIORGIO GABER

2010-04-01T19:02:00.000-07:00

Sabato 20 marzo 2010, presso il Teatro Espace di Torino, Giampiero Alloisio e Federico Sirianni hanno portato in scena un intenso spettacolo dedicato al Teatro Canzone di Giorgio Gaber, insieme al bravissimo Gianni Martini, chitarrista storico del Signor G., a Claudio Andolfi alle percussioni e al giovane Piji, cantautore romano vincitore del premio Bindi 2009.
La canzone “Il dilemma”, emblema romantico di un amore struggente, tragico e impossibile, fu affidata nel 1981 all'interpretazione di Alloisio, e proprio da qui nasce l'idea di questo spettacolo, che si snoda, appunto, sul filo degli amori impossibili: l'amore per una donna, per un ideale, per un sogno, per una politica che si occupi davvero della “res pubblica”, per una giustizia sociale fondata su basi morali e filantropiche, per la propria interezza di uomo.
Gaber fu un artista unico, perché affrontò sia tematiche inerenti la dimensione sociale, politica e collettiva, sia questioni riguardanti la sfera ontologica, emotiva e individuale, con la stessa eccezionale capacità di analisi, sviscerando questi temi con un'intelligenza, una sensibilità e un acume rari, e riuscendo a coniugare insieme sarcasmo, autoironia, umorismo, sdegno, invettiva e solennità, attraverso uno sguardo sempre estremamente lucido e penetrante sull'universo umano in tutte le sue sfaccettature. Sapeva strappare incontenibili risate, talvolta amare, e allo stesso tempo sapeva far riflettere in modo profondo, mai banale, svelando l'essenza delle cose, al di là della superficialità e del trito e vuoto buon senso comune, oltre ogni etichetta, ogni moda e ogni faziosità.
La magnifica serata è stata orchestrata in modo da alternare canzoni meno note al grande pubblico, come, ad esempio, “ I reduci”, “Ora che non son più innamorato” “Le elezioni” e “L'odore”, a brani celeberrimi, come “La libertà”, “Lo shampoo” e “Barbera e champagne”, mescolando sapientemente pezzi commoventi e densi di pathos, come “L'amico” e “Quando sarò capace di amare”, a pezzi esilaranti e dissacranti, come “La strana famiglia” e “Madonnina dei dolori”, fino a giungere all'epilogo del percorso artistico del Signor G., con “Non insegnate ai bambini”, meraviglioso testamento pedagogico che Gaber scrisse e interpretò poco prima della sua scomparsa.
E ad appassionare ancor più, i gustosi aneddoti di vita vissuta, raccontati da Giampiero Alloisio, che lavorò al fianco del Signor G. per ben sedici anni.
Gli artisti si sono dimostrati all'altezza di una prova per nulla semplice: far rivivere l'eclettico e geniale Giorgio Gaber. E sono stati davvero impeccabili, poliedrici e versatili, intensissimi nell'interpretazione, in grado di emozionare e coinvolgere gli spettatori, e di ricreare quasi la stessa atmosfera potente, incisiva e pregnante che Gaber sapeva elargire al proprio pubblico.
Un omaggio, dunque, ben congegnato e perfettamente riuscito, che ha reso onore a uno dei più grandi artisti del nostro tempo.

Chiara Manganelli

L'ESPRESSIONISMO METAFISICO DEL SENTIMENTO DI MONICA MAFFEI: SGOCCIOLATURE DI POLIFONIE EMOZIONALI

2010-04-01T18:52:00.000-07:00

“Non si vede bene che con il cuore, l'essenziale è invisibile agli occhi.”
Il Piccolo Principe, A. de Saint-Exupéry

Monica Maffei, distribuita in esclusiva da “Falpa Promozione Arte”, è una pittrice dotata di rara sensibilità, che attinge la propria ricchezza espressiva da varie esperienze umane e artistiche, per giungere a un percorso personale originale ed estremamente interessante, in continua evoluzione.
L'arte di Monica Maffei è un luogo evanescente e potente, a tratti diafano e a tratti acceso, dove risuona l'eco accattivante dell'ineffabilità; è, come disse Charles Baudelaire “una magia suggestiva che accoglie insieme l'oggetto e il soggetto”, e che innesca una profonda e irreversibile trasformazione della realtà, schernendo sottilmente l'illusione positivista che per secoli ci ha fatto credere che possa esistere un “oggetto in sé”, indipendentemente da colui che lo osserva e lo percepisce. Le opere della pittrice varesina sono cariche di intuizione, di pathos, di slancio, e interpretano il mondo attraverso un vivido ed “epidermico” processo di identificazione empatica, che, attraverso tele dense di striature e chiazze, concrezioni materiche stratificate, alternanze di vuoti e pieni, viluppi di colori a volte opachi e sfumati, a volte brillanti e sgargianti, ci restituisce una gustosa sintesi ermeneutica e semiologica dei recessi più nascosti dell'Io, resa mediante un simbolismo penetrante che sconfina nell'espressionismo astratto. La sua arte è un crocevia dove si intersecano sinfonie di sentimenti cangianti e sfuggenti che rimbalzano dentro dedali di storie di vita quotidiana, creando affabulazioni ambivalenti, imprevedibili, giocose o malinconiche, generate dall'intimità sfaccettata, misteriosa e caleidoscopica dell'anima umana.
E' necessario soffermarsi e indugiare sulle opere di Monica Maffei affinché esse svelino i loro significati più intensi e profondi. A un' analisi superficiale, infatti, i soggetti rappresentati dalla pittrice possono apparire avvolti da un'atmosfera di impenetrabilità ermetica, come se custodissero un segreto inviolabile e difficilmente comprensibile a una lettura negligente e frettolosa. Ed è proprio così: le figure umane impresse sulle sue tele devono essere decifrate con cura e solerzia; sono latori di enigmi e di scorci di esistenza squisiti e arcani, che si manifestano e si rivelano solo a chi abbia l'audacia e il desiderio di guardare con gli occhi del cuore, e di entrare in risonanza emotiva con essi. Nei volti della Maffei le pupille sono bandoli scintillanti e iridescenti che si dipanano verso l'immensità del cielo, che roteano avanti e indietro tra gli anfratti emblematici del tempo, e traboccano di energia vitale anche quando vi serpeggiano i marchi a fuoco del dolore e dell'inquietudine.
Clement Greenberg affermò che la vera arte deve basarsi sul sentimento, e Monica Maffei incarna perfettamente questa concezione dell'arte, lambendo le emozioni che si nascondono dentro le emozioni, in un gioco di scatole cinesi che si schiudono come boccioli alla luce. La luce è lo sguardo della pittrice, di donna, prima ancora che di artista, che sa scorgere oltre le maschere dell'apparenza, che sa sfogliare con delicatezza e acume le pagine dei libri scritti tra le pieghe della pelle delle persone che incontra, e sa farne opera d'arte, trasponendo sulla tela la passionalità sommessa di coloro che si muovono nel mondo in modo compito e discreto. La sua è un'azione di “archeologia umana” finalizzata a recuperare il magma che pulsa sotto la cenere, per ritrovare ciò che giace sepolto dal tempo e dalla frenesia convulsa della vita moderna, dando voce, attraverso il segno pittorico, al fragore del silenzio, ed esprimendo con le immagini quello che la parola riesce appena a sfiorare e abbozzare.
Nei suoi quadri c'è il profumo di uno stile informale che ricorda alcuni artisti del Color Field Painting come Jules Olitski, Kennet Noland e Mark Rothko, e in molte delle sue tele l'uso del dripping richiama l'importanza dell'atto inconscio nella creazione artistica, rimandando ai fondamenti concettuali dell'Action Art di Jackson Pollok. L'impiego di spatolate verticali crea suggestive texture di diversi colori o dello stesso colore declinato in differenti intensità e sfumature, che elargiscono un peculiare effetto di distorsione della profondità prospettica, e che hanno come conseguenza l'amplificazione della dimensione emotiva del soggetto rappresentato.
Ma Monica Maffei non è un'artista informale pura: i suoi dipinti sono quasi sempre popolati da esseri umani, spesso donne, immersi in un'atmosfera rarefatta, sensuale e trasognante. Dunque il suo espressionismo è in parte astratto, in parte figurativo, ha origine dalla sua anima per poi immergersi nell'anima dell'oggetto/soggetto osservato, ed è metafisico (sia in senso pittorico, sia in senso filosofico) perché oltrepassa i limiti della realtà transeunte allo scopo di scandagliare il nucleo arcano ed esoterico dei sentimenti, custodito nell'inconscio individuale e collettivo, che traspare da un guizzo negli occhi, da un gesto, da un'espressione del viso, da una posa del corpo.
Nella pittura della Maffei pare sanarsi l'annoso dualismo tra realtà noumenica e realtà fenomenica: il noumeno qui non è l'idea platonica, intelligibile nella sua purezza solo dall'intelletto capace di trascendere il mondo tangibile, e non è neppure ciò che Kant definiva un tentativo da parte del pensiero di rappresentare ciò che è inconoscibile. Il noumeno della poetica dell'artista non è un attributo della mente razionale, bensì un'essenza primordiale, una struttura fondamentale ed eterna degli esseri che però prende vita dall'emozione, e che supera questa antica dicotomia perché la realtà noumenica non si colloca al di fuori della realtà fenomenica, ma dentro di essa, ad un livello diverso e maggiore di profondità. Il “noumeno”, dunque, è un principio “sentimentale” e non mentale, e non sussiste su un piano differente rispetto al fenomeno. Per Platone solo le idee (noumena) erano conoscibili, mentre per Kant solo i fenomeni, ma in entrambi i casi il dualismo appariva insanabile e insolubile. La metafisica intesa come “scienza della cosa in sé” è sempre stata fonte di accese diatribe filosofiche, poiché si è sempre posto come assunto il pensiero, che, in quanto tale, non può divincolarsi da se stesso e dalla propria autoreferenzialità, e proprio da ciò scaturiva il sillogismo che conduceva all'antinomia. E se ciò che esula la conoscenza non è neppure concepibile, la sua stessa esistenza risulta del tutto indifferente e irrilevante.
Ma Monica Maffei pare dirci che il paradigma che dobbiamo assumere per conoscere e comprendere sia i fenomeni, sia i noumena (cioè la natura essenziale delle cose), non è la ragione, incapace, appunto, di valicare i propri confini, ma l'emozione empatica e intuitiva, che non ha bisogno di capire il mondo in maniera dialettica e dialogica, perché sente in virtù di processi analogici, e così può travalicare se stessa e può portare alla “com-passione”(intesa secondo l'accezione adottata nei poemi omerici). E la pittrice pare dirci anche che non dobbiamo cercare questa essenza fuori di noi e fuori dalla realtà percepibile, ma dentro di noi e dentro il mondo in cui viviamo, imparando a guardare al di là dell'apparenza, negli abissi incommensurabili del cuore.

La natura è spesso nascosta, qualche volta sopraffatta, molto raramente estinta.
Francis Bacon

Chiara Manganelli

ANTONIO SGARBOSSA TRA SOSPENSIONE ONIRICA E “REALISMO SOGGETTIVO”

2010-04-01T18:50:00.000-07:00

“L'unica vera sorgente dell'arte è il nostro cuore, il linguaggio di un animo infallibilmente puro. Un'opera che non sia sgorgata da questa sorgente può essere soltanto artificio”

Caspar David Friedrich

"Una piccola ala di muro gialla, di cui non si ricordava,
era dipinta così bene da apparire, a guardarla isolatamente,
simile ad una preziosa opera d'arte cinese,
di una bellezza che basta a se stessa.”

Marcel Proust, À la recherce du temps perdu, La prisonnière

“Falpa Promozione Arte” viene fondata negli anni '50 da Guido Gori, e nasce come azienda produttrice di oggetti sacri e cornici. A partire dagli anni '60 inizia a valorizzare il lavoro di alcuni artisti locali, per poi espandere ed ampliare sempre più il proprio interesse per il mercato dell'arte.

L'azienda, attraverso canali divulgativi quali pubblicazioni editoriali, programmi televisivi, partecipazione a fiere e organizzazione di mostre, promuove numerosi artisti contemporanei di prestigio, tra cui: Rodolfo Tonin, Ciro Palumbo, Alfio Presotto, Luca Guizzardi, Antonio Sgarbossa, Claudio Rolfi e Monica Maffei.

L'obiettivo è quello di sensibilizzare il grande pubblico e di sviluppare in Italia e all'estero un mercato teso a sostenere una capillare diffusione di opere d'arte che rappresentino e rispecchino le tendenze della pittura contemporanea.

Un ambizioso progetto di moderno “mecenatismo”, dunque, che viene realizzato in virtù di uno sguardo critico e attento all'evoluzione del panorama artistico dei nostri giorni, e che deve a Sergio Gori la propria linfa vitale.

Tra i vari connubi che “Falpa Promozione Arte” ha intrapreso in questi anni, uno dei più fertili e proficui è senz'altro quello con Antonio Sgarbossa.

Nelle opere dell'artista veneto si assiste a un'analisi minuziosa della realtà, a una solerte e doviziosa celebrazione del dettaglio in quanto simbolo di una dimensione psicologica soggettiva, sospesa in una temporalità squisitamente intima ed evocativa. Il dettaglio, oltre ad essere un significante, e dunque una forma dotata di una propria estetica, è anche significato e rimanda a un contenuto, a una semantica che si articola attraverso l'occhio di chi guarda e vive la realtà. E grazie a un rapporto inscindibile e costante di presupposizione reciproca tra l'aspetto formale e l'aspetto contenutistico racchiuso nei particolari del reale, si definisce e si delinea una delle peculiarità del segno pittorico di Antonio Sgarbossa: l'universo soggettivo.

Le sue opere si fondano su una rara e precisa padronanza della tecnica, e su un “realismo” che, ad un'analisi superficiale, può apparire una mera, seppur ineccepibile, riproduzione della realtà tout court. Invece, a un'indagine più attenta, ci si accorge della portata del linguaggio espressivo dell'artista, che mira a dare risalto non all'oggetto in sé, ma all'oggetto in quanto specchio versatile del mondo interiore dell'osservatore. Così la realtà acquista pregnanza, vita, senso e pulsazione.

Sgarbossa è fedele ad un uso della prospettiva che si rifà agli studi dei grandi maestri dei sec. XV e XVI, perchè, come affermò Leonardo da Vinci,“sempre la pratica dev’essere edificata sopra la buona teorica, della quale la prospettiva è guida e porta, e senza questa nulla si fa bene”. Ma il punto di vista presente nei dipinti dell'artista veneto è originale e inconsueto, quasi “fotografico”, e i tagli prospettici non sono quelli “canonici”, bensì risultano arricchiti da innumerevoli ventagli di sguardi possibili, che scompaginano le visuali consuete e carpiscono le infinite sfaccettature dell'universo immanente.

Nelle opere di Sgarbossa vengono spesso raffigurati ambienti urbani in cui la ricerca volumetrica appare impeccabile e armoniosa, e in cui la composizione delle forme e degli spazi crea atmosfere evanescenti ma nitide, silenziose ma eloquenti, surreali ma tangibili, dense di un'eleganza compita e discreta, e immerse in un tempo onirico e irreale, dove la presenza umana non sempre è evidente: talvolta è quasi nascosta, eppure ineludibile.

Nell'uso di luci soffuse, di colori tenui, sfumati e umbratili, e in talune scelte stilistiche e compositive, i suoi paesaggi e i suoi ambienti urbani possono rievocare l'opera di alcuni esponenti della pittura olandese del '600, come Jan Vermeer, e della pittura romantica inglese e tedesca (William Turner, John Constable, Caspar David Friedrich).

Un altro filone estremamente interessante della ricerca artistica di Antonio Sgarbossa è quello della rappresentazione di figure umane, in particolare femminili, in cui la dimensione “intimista” acquista ancor più rilevanza. Qui l'uso raffinato di giochi di luci e ombre e l'impiego di posture ammiccanti e sensuali, che ricordano Edgar Degas, permettono di dare enorme risalto alla sfera emotiva, conferendo ai soggetti una sorta di estraniato e diafano lirismo, che a volte assume i contorni di un'elegia struggente e malinconica, dispiegata nello spazio fugace di un attimo impalpabile e caduco eppure eterno, avviluppato a rapsodiche e misteriose attese. Le donne di Sgarbossa, affondate in un'incertezza mesta e trasognata, somigliano alle donne ritratte dal celebre Edward Hopper, ma appaiono più risolute e dinamiche rispetto a quelle che popolano le tele dell'artista americano. Nei dipinti di Sgarbossa non si percepiscono né rassegnazione, né dolorosa solitudine; al contrario: vi pulsa e vi pullula la vita. L'apparente immobilismo, in realtà, sottende l'idea del movimento: è un preludio, non una condizione inderogabile, e rassomiglia più a un raccoglimento che precede un'azione e ne suggella l'inizio o la continuazione, che a uno stato di rinuncia e abbandono. E l'erotismo velato di cui sono permeate queste opere sottolinea un fermento in nuce, che traspare dalle pose e dai gesti dei corpi, e che comunica la tensione alla vita generata dal tempo infinito di un attimo.

Chiara Maganelli

CLAUDIA GIRAUDO, IL DAIMON, MENTORE DEL FUOCO DELL'ANIMA

2009-11-25T16:04:00.000-08:00

“Quando tutte le anime si furon scelte le vite, nell'ordine del sorteggio si avviarono a Lachesi; e questa a ciascuno dava a compagno il demone che si era scelto, quale custode della vita e adempitore della sorte prescelta. Il quale, innanzitutto, conduceva l'anima da Cloto, a far confermare, sotto la mano di lei e il volgersi del giro del fuso, il destino che nel sorteggio quegli si era prescelto; e toccata questa, lo conduceva poi al filo di Atropo per fare immutabile il destino una volta filato; di qui, senza voltarsi, andava ai piedi del trono di Ananke, e passato attraverso quello e passati anche gli altri, tutti insieme si erano avviati alla pianura del Lete, attraverso una terribile calura e arsura, chè quel piano era privo di alberi e di vegetazione della terra. Fatta già sera, essi si erano attendati presso il fiume Amelete, la cui acqua nessun recipiente è buono a contenere. Tutti dovevan per forza bere una certa misura di quell'acqua, ma quelli non preservati da prudenza ne bevevano più della misura, e chi man mano vi beveva si scordava tutto. Messisi a dormire e fatta mezzanotte, scoppiò un tuono e un terremoto, e di là d'un tratto furon, chi qua e chi là, trascinati su alla nascita, filando veloci come stelle cadenti. Lui, Er, era stato impedito dal bere dell'acqua; e in che modo e come fosse giunto al corpo non sapeva, ma d'un tratto, riaperti gli occhi, si era visto al mattino giacente sopra la pira.
E così, o Glaucone, questo mito si è salvato e non è perito, e potrà salvare anche noi, se gli crediamo; e noi passeremo felicemente il Lete e non saremo contaminati nell'anima. Ma se a me vorremo dar retta, ritenendo l'anima immortale e capace di reggere a tutti i mali e a tutti i beni, ci atterremo sempre alla via che va in alto e praticheremo in ogni modo giustizia con saggezza, sì da esser cari a noi stessi e agli Dei finchè restiamo qui in terra, e dopo, che ne avrem riportato i premi che i vincitori raccolgono, e da trovarci bene sia qui, sia nel viaggio millenario di cui abbiamo discorso.”

Platone, La Repubblica, X, 620-621

Nelle opere di Claudia Giraudo crepita, tra bianchi spazi siderali, un fuoco primitivo e primordiale che, attraverso incessanti metamorfosi e intrepide combinazioni di materia e colore, si trasforma in eidos (forma) raffinata, potente, preziosa, ammiccante e pregnante. Questa forma suggella e custodisce segreti ancestrali, incarna l'idea di se stessi, è “la causa per cui un ente possiede una certa proprietà” (Aristotele), e rappresenta un principio attivo di distinzione dell'essenza con forti attributi ermeneutici oltre che estetici. Essa è un'immagine fondamentale, perfetta (cioè compiuta, secondo l'etimologia latina del termine), che va al di là della precarietà e della dimensione spaziotemporale, perché è.
“Io non mi evolvo, io sono” affermò Pablo Picasso. Ed è proprio questo concetto che si percepisce osservando i dipinti della pittrice torinese: le figure trasognanti e impalpabili che popolano e abitano le sue tele sono latori eterei, diafani ed evanescenti, dotati di una potenza incisiva e comunicativa sorprendente, proprio perché sono, perché dimorano in una dimensione fluttuante, irreale e onirica, in uno spazio sospeso, dove non esiste il doloroso e tumultuoso fluire della vita terrena, ma tutto è, e nulla, dunque, (si) succede e si attende.
I volti raffigurati nelle tele della Giraudo sono “stelle di neutroni” dense all'ennesima potenza, carichi di incommensurabile energia; in essi tempo e spazio collassano e implodono, e sfuma la tagliente, ineluttabile e inesorabile linearità dell'esistenza.
Accanto a questi volti appaiono, come alter ego, piccoli animali che fungono da spirito guida: sono i daimon, manifestazioni dell'anima nell'universo fisico, che accompagnano l'individuo nelle sue peregrinazioni terrene, proteggendolo e guidandolo alla ricerca della sua essenza più intima e profonda, della sua vis ontologica, restituendo un costrutto semantico all'apparente casualità caotica della vita umana.
Il daimon incarna ciò che in noi è ineludibile e ineffabile, è un emblema teleologico che elargisce significanza, identità, unicità e potere all'individuo. E' un principio vitale che compare in molte antiche culture del nostro passato. E' un essere che appartiene alla sfera del mito, che scompagina la sistematicità della nostra esistenza e graffia la superficie delle cose per svelarne il senso recondito.
L'albero della Cabala della tradizione mistica ebraica affonda le proprie radici nel cielo: così la nostra anima, che, restia a calarsi e immergersi nel mondo contingente, viene aiutata, in questo difficile processo, dal suo daimon.
Ogni essere, per ananke (necessità), ha un percorso da compiere dove “tutti gli eventi formano un'unità e sono per così dire intessuti insieme” (Plotino), e sceglie un paradeigma, cioè un modello, un'immagine di vita. A ogni anima, secondo il mito platonico, Lachesi affiancava un daimon, “perché le facesse da guardiano durante la vita e adempisse il destino da lei scelto”.
Nelle sue tele la pittrice torinese non intende compiere un'indagine sul volto umano rifacendosi alla tradizione della Fisiognomica classica, che vede i primi albori in Leonardo da Vinci, per poi giungere alle distorsioni aberranti della frenologia del XIX secolo. Non vi è, dunque, l'intenzione di perlustrare i tratti somatici di un individuo per sottolinearne le peculiarità psicologiche e sociali, ma, invece, si vuole elevare l'essere umano a simbolo di perfezione e Bellezza, decontestualizzandolo dal mondo fenomenico a cui appartiene.
Le sue opere, ricche di elementi che rimandano al Realismo magico, non raffigurano delle persone immerse nel loro scenario contingente, ma dei messaggeri - spesso bambini - che, con la loro purezza di esseri divini, stabiliscono una connessione tra il mondo dello spirito e il mondo della materia.
Qui l'immagine si trasforma in icona, e il ritratto diviene simbolo di significati nascosti che vanno oltre l'immanenza. Perché solo superando la propria dimensione soggettiva l'individuo può esperire forme di sé più segrete, alte, imprevedibili e stupefacenti.
Il travestimento assume, quindi, una funzione di nobilitazione, è uno stratagemma per impreziosire l'essere umano e al contempo spogliarlo dei propri abiti consueti, affinché possa scardinare le categorizzazioni soffocanti e spezzare gli schemi limitanti del proprio Io, e accedere così al proprio nucleo essenziale originario. E' importante comprendere che, nel momento in cui viene spogliato o abbigliato con vesti di diversa foggia, l'individuo trascende se stesso, e in questo modo varca i propri confini materiali, supera le dicotomie, i conflitti, la separatezza tra sé e l'Universo, per giungere a una dimensione superiore, ritrovando nell'Unità e nella Totalità la propria natura più profonda.
Claudia Giraudo porta questi concetti sulla tela attraverso un uso poderoso del colore bianco e di toni chiari, di giochi di luci soffuse e ombre delicate, e mediante sfondi materici e informali, che richiamano l'idea dell'indifferenziazione primordiale. Su questi sfondi talvolta appaiono collage di lettere, che sono delle tracce, dei segni del nostro passaggio nel mondo tangibile, per ricordarci che è possibile trascendere noi stessi solo riconoscendoci, partendo dal nostro “destino” e dalla nostra storia, orma indelebile che lasciamo in eredità ai posteri. E srotolando e dipanando la linea temporale delle altrui esistenze, possiamo trovare il bandolo della nostra, sciogliere i nodi interiori che ci intralciano, comprendere chi siamo e da dove veniamo, e sentire l'appartenenza atavica e profonda a un unico percorso universale, che è quello dell'Uomo.

“Nell'evoluzione di tutti gli artisti, il germe delle opere successive è sempre contenuto nelle prime. Il nucleo intorno al quale l'intelletto dell'artista costruisce la propria opera è il suo Io. L'unica influenza che io abbia mai avuto sono io stesso.”

E. Hopper

“Prima ancora della ragione vi è il movimento vòlto all'interno che tende verso ciò che è proprio.”

Plotino, Enneadi, III, 4.6

MOSTRA DELLA PITTRICE CLAUDIA GIRAUDO

2009-11-15T17:27:00.000-08:00

Sabato 28 novembre 2009, a Torino, presso la libreria “Linea 451”, in Via Santa Giulia 40/A , inaugurerà la mostra personale della pittrice Claudia Giraudo “Il sole e la cometa”. In esposizione, fino al 6 gennaio 2010, alcune delle opere più recenti dell'artista torinese.
Alle ore 21.00 verrà presentata una performance teatrale e musicale ideata, scritta, diretta e interpretata da Chiara Manganelli e Luisa Dante. Le musiche sono tratte dalla Suite num 2 per violoncello di J.S. Bach, e verranno eseguite dal violoncellista Alex. Infine sarà offerto al pubblico un piccolo buffet.
Questa mostra rappresenta un ulteriore sviluppo del percorso artistico di Claudia Giraudo. La sua indagine stilistica e concettuale indossa vesti nuove, per giungere a un uso dell'immagine intesa come icona e non come ritratto connotato da precise caratteristiche psicologiche. Nella sua ricerca artistica, dunque, Claudia Giraudo intende elevare la figura umana a simbolo universale e atemporale, per creare un “atto poetico” che trasformi e plasmi una realtà altra, come direbbe Alejandro Jodorowsky.

PROGRAMMA DELLA SERATA

Performance teatrale e musicale ideata per la serata inaugurale della mostra “Il sole e la cometa” della pittrice Claudia Giraudo.

Ideazione e organizzazione evento, testi, sceneggiatura, interpretazione: Chiara Manganelli

Ideazione, regia, interpretazione: Luisa Dante

Costumi e oggetti di scena: La Bottega dell'Attore in Viola
Direzione artistica: Marzia Scarteddu
Interpreti: Chiara Manganelli e Luisa Dante
Musiche tratte dalla Suite num 2 per violoncello di J.S.Bach
Violoncellista: Alex

“Tenebra vi era, tutto avvolto da tenebra,
e tutto era Acqua indifferenziata. Allora
quello che era nascosto dal Vuoto, quell'Uno, emergendo,
agitandosi, mediante il potere dell'Ardore, venne in essere.”

Tratto dai Veda, Nasadiya Sukta (Inno delle Origini), RV X, 129

Da dove abbia origine la creazione dell'universo come lo conosciamo e lo concepiamo, è un controverso mistero su cui l'umanità si interroga da sempre.
Anche l'arte, intesa come atto creativo (oltre che interpretativo) della realtà, è un insoluto enigma seducente.
Questa performance teatrale fornisce allo spettatore alcuni spunti per riflettere e interrogarsi sul potere della creazione, non di un fantomatico dio, ma dell'essere umano.
Il prologo di questo spettacolo è l'Inno alle Origini, tratto dai Veda, antichi testi sacri induisti, che intende descrivere, per analogia, la fase embrionale della genesi artistica. Questo splendido incipit ci porta nell'indifferenziazione, nell'Unità totale, da cui ogni cosa ha origine, ma in cui nulla possiede ancora consistenza e sembianza. Eppure, in questo luogo non-luogo, tutto già esiste in nuce. Come la forma, secondo quanto affermò Michelangelo Buonarroti, è già contenuta nel blocco di marmo, e compito dello scultore è liberarla, togliendo la materia in eccesso, così l'opera d'arte è già presente nell'anima dell'artista, ed egli deve scavare e scandagliare dentro di sé per farla emergere dal Nulla.
Dal Vuoto, dal Nonessere (concetti che non hanno affatto una connotazione dispregiativa e negativa, ma incarnano semplicemente il “preludio” assoluto di ogni cosa), mediante l'Amore, suprema forza creativa primordiale, prende vita il movimento cosmico.
La musica rappresenta questa forza creativa originaria, è l'Armonia che dà al Nonessere l'impulso per divenire Essere, è l'energia palpitante che muta la materia in opera d'arte e l'uomo in artista.
A questo punto la metamorfosi è in atto: le attrici si trasformano, l'una incarnando l'aspetto giocoso, irriverente e irrazionale dell'esperienza artistica, e l'altra la parte ordinatrice e razionale che permette all'arte di diventare intelligibile, e di essere, quindi, non solo urgenza catartica e azione autoreferenziale, ma anche e soprattutto mezzo comunicativo. Questi due aspetti, apparentemente dicotomici, arrivano infine a integrarsi e amalgamarsi attraverso un processo dialogico.
L'artista, dunque, in estrema sintesi, altro non è che un demiurgo, secondo l'accezione platonica del termine: egli è una sorta di artefice divino, una forza cosmogonica che dà forma e ordine alla materia, creando un ponte tra il mondo delle idee e il mondo fenomenico.
E lo spettatore, a sua volta, deve trasformarsi in “attore” affinché l'opera d'arte possa ritenersi compiuta: colui che osserva la creazione artistica non si deve limitare a contemplarla in modo distaccato e distante, ma è chiamato a entrarvi dentro, a specchiarvisi, per scoprire in essa qualcosa di sé e farla propria.

Chiara Manganelli

Per informazioni e contatti:
clodgiraudo@gmail.com
ch.saudade@gmail.com

www.claudiagiraudo.carbonmade.com

BAMBINA DI IERI, BAMBINA DI DOMANI

2009-08-01T06:09:00.000-07:00

Guardo, da finestre affacciate sull’ambiguità sottile del tempo, due occhi blu che si immergono nel mare, che vi si specchiano fino a confondersi con esso. Sgranano filigrane di lontananza inquieta; si rifrangono in baluginii che divengono dardi di dolcezza scagliati contro nuvole di panna montata, così gustose e allettanti da inebriare le labbra vermiglie dei pensieri. Giocano a inseguire pesci scalpitanti e a inventare collane di alghe e bracciali di conchiglie.
Le risate sono candide ragnatele di salsedine che imprigionano l’eternità della notte, per suggellare speranze future che sono già reali in quello spazio recondito e magico che giace sotto la pelle del mondo consueto e conosciuto .
Dedali di languore solcano la sabbia che odora d’oro, e il pulviscolo dei sogni di domani, come stella che dipinga di sfavillanti colori l’oscurità ammaliante della galassia, sparge pioggia di luce iridescente lungo i sentieri del buio immobile.
Nelle mani piccole e goffe stringo tutto ciò che sarà, tutto ciò che ho già vissuto e che vivrò.
La perfezione esoterica del cerchio si compie tra pupille che parlano con il fiato dell’imperscrutabilità apparente. Oracoli di carne e sangue bruciano l’eresia dei dogmi senza bisogno di arroganti sentenze né di pubblici roghi.
Scolpisco, dentro la sostanza lattiginosa e languida della mia anima, frammenti di un tempo invisibile, di speranze silenziose e tremanti. E la linea che generava eventi asincroni e cacofonici, dove io ero sempre in un luogo e in un tempo diversi da quelli desiderati e immaginati, si trasforma ora in un punto, dove tutto è. Senza distanze, senza incongruenze, senza dicotomie, senza convulse corse e logoranti attese.
Gli elfi, con i loro cappelli obliqui e tintinii di fragorose facezie, escono dalle pagine aride e consunte delle fiabe per diventare scintille di sogni che scherniscono la realtà, avviluppandola con seducenti profumi di meravigliosi paradossi.
Il limite stabilito viene superato. Basta scegliere la temerarietà. Basta scegliere di sciogliere il nodo scorsoio che ci lega all’àncora di paure che spezzano il respiro e la fantasia.
Il nostro veliero può rimanere per sempre attraccato a un porto conosciuto che non cangia mai.
Facciamoci invece pirati intrepidi e impudenti; percorriamo l’oceano della vita a caccia di scorribande palpitanti e tumulti travolgenti.
Buttiamoci, come tuffatori pazzi e sconsiderati, a capofitto giù dalla rupe, per volare altrove, oltre ciò che viene considerato possibile. Le nostre ali non sono di cera: il sole ne è la quintessenza, non le brucia, anzi, ne alimenta la consistenza.
Ogni sguardo ci porta sempre più in alto.
Credevo di essermi affacciata a contemplare i ricordi di un tempo che fu. E invece ciò che sto guardando deve ancora avvenire, eppure è già accaduto.
E’ un gioco sublime e ambivalente di specchi e di audaci e rocamboleschi balzi, avanti e indietro, nell’anima e nel tempo. E percorro viaggi emozionanti e imprevedibili, accovacciata dentro un pallone aerostatico indaco che mi avvolge e mi protegge come un ventre materno.
Attingo a quello sconfinato serbatoio di bellezza che scioglie i grovigli degli Io caparbi e accartocciati dentro grumi di stoltezza, e raccolgo la linfa segreta che dona acqua al fiume, aria ai polmoni, sangue alle vene, luce agli occhi, inesauribile e fantasmagorica fonte di vita.

L'ARTE COME ESPRESSIONE DELLA SPIRITUALITA'

2009-07-12T05:30:00.001-07:00

“I filosofi sono in qualche modo pittori e poeti, i poeti sono pittori e filosofi, i pittori sono filosofi e poeti.”
Giordano Bruno, “Explicatio triginta sigillorum”
“La nostra anima si sta risvegliando da un lungo periodo di materialismo, e racchiude in sè i germi di quella disperazione che nasce dalla mancanza di una fede, di uno scopo, di una meta. Non è ancora svanito l'incubo delle concezioni materialiste, che consideravano la vita dell'universo come un gioco perverso e senza peso. L'anima si sta svegliando, ma si sente ancora in preda all'incubo. Intravede solo una debole luce, come un punto in un immenso cerchio nero.”

Wassily Kandinsky, “Lo spirituale nell'arte”
L'arte è da sempre espressione dell'ineffabile, è un insieme di simboli e archetipi universali, è il principale mezzo ermeneutico per decifrare la realtà che ci circonda in chiave metafisica. Essa attinge i suoi codici dal mondo fenomenico e tangibile, ma poi li trasforma e li arricchisce, operando un processo di ridefinizione semantica che conduce a scoprire significati nuovi racchiusi dietro significanti noti.
La valenza esoterica dell'arte (nel senso greco del termine, cioè come rivelazione del significato nascosto delle cose) è nota fin dall'antichità. E spesso sacralità e arte viaggiano di pari passo.
Il legame indissolubile tra misticismo, simbolismo e immagine è largamente presente nelle filosofie gnostiche e teosofiche.
Nella Cabala ebraica, ad esempio, l'unità di Dio si manifesta nelle sue Sefirot, espresse mediante l'uso di immagini simboliche ricorrenti, spesso attinte dalla tradizione del mito. Nella loro totalità le Sefirot formano “l'albero dell'emanazione”, che cresce verso il basso dalla radice, e che, a partire dal XIV secolo, veniva raffigurato come un diagramma contenente i simboli fondamentali di ogni Sefirah (basati su immagini matematiche e organiche). In alcune interpretazioni le Sefirot venivano rappresentate come sfere concentriche, mutuando la concezione cosmologica medievale di un universo composto da dieci sfere.
Altrettanto affascinante è lo studio della gematria (o permutazione numerica), che permette di scoprire correlazioni, analogie e nessi nascosti, poiché ogni parola ha un valore numerico equivalente alla somma dei valori numerici delle lettere che la compongono, e dunque una parola può essere sostituita da un'altra con lo stesso valore numerico. L'artista compie un processo molto simile a questo, svelando così i significati occulti che si celano dietro la superficie delle cose.
D'altronde una realtà interiore che trascende la nostra percezione immediata può essere espressa solo attraverso un insieme complesso di allegorie e simboli; e il modo più immediato e pregnante per rendere fruibili tali simboli è quello di rappresentarli visivamente.
In molte culture antiche, come ad esempio nell'Egitto dei Faraoni, la realtà percepibile non era altro che il riflesso di una realtà più profonda, nascosta e invisibile, e compito precipuo dell'arte era quello di interpretare e rendere intelligibile questa realtà latente. La spiritualità permeava ogni cosa, ogni aspetto della vita, era un fatto collettivo e sociale, e scienza, arte e spiritualità non erano in antitesi, bensì intimamente connesse e interdipendenti.
Max Heindel rende molto bene questo concetto ne “La Cosmogonia dei Rosacroce”:
“La vera Religione comprende tanto la scienza che l’arte, poiché essa insegna a trascorrere una vita equilibrata, in armonia con le leggi della Natura. La vera Scienza è artistica e religiosa, nel senso più elevato della parola, perché essa c’insegna a rispettare e ad osservare le leggi che governano il nostro benessere e ci spiega perché la vita religiosa conduca alla salute ed alla bellezza fisica. La vera Arte è educativa quanto la scienza, e la sua influenza è grande, quanto quella della religione. [...] La scultura, la pittura, la musica e la letteratura, c’ispirano il sentimento della bellezza trascendente di Dio, sorgente immutabile e meta di questo meraviglioso Mondo. Nulla, all’infuori di un così universale insegnamento, potrà mai rispondere in maniera permanente ai bisogni dell’umanità. Vi fu un tempo in cui, in Grecia, la Religione, l’Arte e la Scienza erano insegnate congiuntamente nei Templi dei Misteri".
Max Heindel, “La Cosmogonia dei Rosacroce”
La contrapposizione inizia a profilarsi con l'Umanesimo e il Rinascimento, per consolidarsi definitivamente con la nascita della scienza moderna e dell'epistemologia scientifica, in particolare a causa dell'approccio razionalista propugnato da Cartesio, che influenzerà tutto il pensiero scientifico e filosofico fino al XVIII secolo.
Dunque la visione panteistica, olistica ed esoterica propria delle culture antiche è stata soppiantata, dal Rinascimento in poi, da un approccio positivista e materialista, che spesso ha ridotto l'arte a una mera rappresentazione del reale tout court.
A ciò si è aggiunta, soprattutto tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, in seguito alla nascita della psicologia moderna e della psicoanalisi freudiana, una tendenza a focalizzarsi maggiormente sulla soggettività, che ha portato a un solipsismo esagerato nel modo di concepire la spiritualità, conducendo la dimensione intrasoggettiva all'iperbole, a scapito di quella sociale.
Ma il Novecento è anche il secolo delle “sovversioni” artistiche e delle avanguardie (Futurismo, Cubismo, Scuola Metafisica, Surrealismo), della riscoperta di quel senso profondo, arcano ed esoterico che si cela dietro la realtà immanente e apparente, e che l'arte tenta di svelare e scandagliare.
E quale altro colore meglio dell'indaco può incarnare e richiamare il concetto di spiritualtà?
Nelle filosofie tradizionali indiane esso è associato al sesto Chakra (Terzo Occhio di Shiva), che rappresenta l'intuizione, l'elevazione spirituale e la capacità di “vedere oltre”.
Nella simbologia religiosa islamica l'indaco denota prestigio e nobilità.
E indaco sono detti i bambini “eletti”, gli esseri illuminati chiamati a scardinare la struttura del mondo conosciuto per condurre l'umanità a uno stadio di coscienza suprema.
Questa mostra accoglie e raccoglie la sensibilità artistica di quindici artisti italiani (tredici pittori, una poetessa e un fotografo), ognuno con caratteristiche espressive e concettuali squisitamente personali e uniche, ma tutti con un comun denominatore: il desiderio di comunicare, attraverso l'arte, il proprio universo interiore e spirituale, per giungere, come direbbe Giordano Bruno, agli “infiniti universi et mondi”.
Perchè l'artista è un demiurgo (nel senso platonico del termine) che, come affermò Arthur Rimbaud, deve farsi veggente.
“Lo spettatore che accoglie l'euritmia solo come godimento artistico non ha affatto bisogno di conoscerne le leggi, come non è necessario conoscere contrappunto o armonia o altre teorie musicali per godere la musica. Ciò è ovvio per il godimento artistico di ogni arte, poiché è insito nella natura umana che l'uomo sanamente dotato possieda a priori quelle facoltà artistiche necessarie per accogliere l'arte che, in quanto arte, agisce per forza propria.
Chi però, eseguendo l'euritmia, ha il compito di porla dinanzi al mondo, deve penetrarne l'essenza, come il musicista, il pittore e lo scultore devono penetrare nell'essenza della propria arte.”
Rudolf Steiner, prima conferenza sull'euritmia come parola visibile, 24 giugno 1924.

MARE DI PAROLE, OCEANI DI COLORI

2009-07-12T05:24:00.000-07:00

“Ecco, tu sai che la poesia è creazione e ha un significato quanto mai vasto; tutto ciò, infatti, per cui qualcosa passa dal non essere all'essere è poesia, e quindi ogni attività creativa è poesia, e tutti i creatori sono poeti”
Platone, Simposio

“Il mare è un antico idioma che non riesco a decifrare”
Jorges Luis Borges

Un mare.
Mare che si muove articolando sussurri e si intreccia alle sferzate del vento di libeccio.
Mare che nella notte inghiotte e intrappola tra reti di fioche lampare i sogni sospesi nel cielo, e li rigurgita all'alba sull'orlo iridescente della battigia, accoccolati tra le insenature eburnee delle conchiglie.
Sulla sua superficie irrequieta si increspano e incespicano orde di desideri che si accartocciano e si avviluppano tra loro, precipitano affondando tra gli abissi, per poi risalire coperti di salsedine e fradici di azzurro.
Le voci mute dei pesci guardano i pionieri temerari che si avventurano nell'imprevedibile languore del suo mistero come fossero schivi schiavi di romitaggi paradossali senza fine.
Le parole sono come sassi piatti che spezzano la quiete immobile, disegnando anelli concentrici dentro i quali si insinuano gli sguardi obliqui e audaci di segreti che sgranano tra le pupille lapilli di bellezza suadente e silente.
Una mano raccoglie le conchiglie sparse sulla sabbia, le ausculta, le strofina ripulendole dai detriti, le nutre di sole e le ripone dentro uno scrigno sommerso. Lì il tempo le consuma, ne divora l'involucro calcareo, fino a lasciarne intravvedere la loro anima nascosta. Quando la mano apre lo scrigno si sprigionano spirali di colori cangianti e fiumi di parole incandescenti.
Fiumi che portano al mare. Spirali che si arrampicano fino al cielo.

VOYELLES

A nera, E bianca, I rossa, U verde, O blu: vocali!
Un giorno dirò le vostre segrete origini:
A, nero vello sul corpo di mosche splendenti
Che ronzano intorno a crudeli fetori,

Golfi d'ombra; E, candori di vapori e tende,
Lance di fieri ghiacciai, bianchi re, brividi d'umbelle;
I, porpora, rigurgito di sangue, labbra belle
Che ridono di collera, di ebbrezze penitenti;

U, cicli, vibrazioni divine dei verdi mari,
Pace di pascoli d'animali, pace di rughe
Che l'alchimia imprime sulle ampie fronti studiose;

O, suprema Tromba piena di strani stridori,
Silenzi attraversati da Angeli e Mondi:
O, l'Omega, raggio viola dei suoi Occhi!

Arthur Rimbaud

“Mare di parole” è l'ultimo progetto artistico di Ciro Palumbo. Un progetto che mescola risonanze letterarie e metafisica pittorica, creando interessanti e suggestive commistioni concettuali, stilistiche e tecniche.
Le parole, nelle opere di Palumbo, diventano supporto su cui distendere e dipanare la fantasia. Un mare placido e accogliente di segni impalpabili, ricolmi di significati e ammiccamenti. Palumbo prende le parole e le ri-racconta, le ri-combina, rifacendosi a una lunga tradizione artistica che vede nel Novecento il secolo della “poesia visiva”, in cui le parole diventano anche immagini, slittando verso nuovi orizzonti semantici, e vengono arricchite e impreziosite attraverso la pittura, la cinematografia e le arti visive.
Una tradizione che vede il proprio geniale antesignano in Arthur Rimbaud, nella sua poesia veggente, struggente e ruggente, nelle sue vocali che acquistano valenze emozionali e cromatiche. Perchè la letteratura non interessa solo il senso della vista, ma solletica e risveglia anche gli altri sensi.
Il legame tra immagine e parola è atavico e affonda le proprie radici nella culla della civiltà: i geroglifici egizi sono un esempio di come, in molte società antiche, immagine e scrittura fossero intrinsecamente connesse. Il nostro alfabeto occidentale moderno, invece, contiene grafismi che non hanno nessun nesso con le immagini mentali, e il segno è una pura convenzione concettuale e autoreferenziale, che non rimanda a nessun codice visivo noto. Un astrattismo estremo, dunque, che ha creato, nella nostra cultura, un divario enorme tra linguaggio e rappresentazione.
Palumbo prosegue un cammino intrapreso dai futuristi e ricalcato poi dai surrealisti, dai dadaisti e dalla pop art. Riprende l'affascinante tradizione del calligramma, un genere di poesia che risale all'antichità classica (il tecnopegnio di Simmia di Rodi, IV sec. a.C), che si sviluppa nei secoli XV e XVI, con la poesia figurativa umanista, fino ad essere ripreso dalle avanguardie artistiche del novecento, e che trova in G. Apollinaire uno dei suoi più celebri esponenti.
Questo genere letterario coniuga esigenze dialogiche e risonanze figurative, assemblando i significanti in modo da creare architetture grafiche bizzare e bizzose, dando vita a un “versilibrisme” affascinante e paradossale.
Nelle tele di Palumbo non ci sono cannoni che sputano lettere, come in G. Severini, nè vortici di parole, come in F. Depero; la sua poetica si differenzia dal movimento futurista, sia dal punto di vista concettuale, sia dal punto di vista formale, perlustrando diverse sfaccettature del binomio pittura-letteratura.

“Cara immaginazione, quello che più amo in te è che non perdoni.
La sola parola libertà è tutto ciò che ancora mi esalta. La credo atta ad alimentare, indefinitamente, l'antico fanatismo umano. Risponde senza dubbio alla mia sola aspirazione legittima. Tra le tante disgrazie di cui siamo eredi, bisogna riconoscere che ci è lasciata la massima libertà dello spirito. Sta a noi non farne cattivo uso. Ridurre l'immaginazione in schiavitù, fosse anche a costo di ciò che viene sommariamente chiamato felicità, è sottrarsi a quel tanto di giustizia suprema che possiamo trovare in fondo a noi stessi.”

André Breton, Manifesto del Surrealismo

Nelle opere dell'artista torinese la letteratura si veste di un senso mistico e onirico, è un ordito che intesse ancestrali memorie, miti e leggende, è una chiave per aprire le porte socchiuse dell'inconscio e del Sogno. La parola non è esplosione fragorosa, gioco dinamico e concitato, ma diventa simbolo lieve che si affaccia sulla realtà interiore piuttosto che sulla realtà esteriore, è forza centripeta anziché centrifuga, e rappresenta universi metafisici e surreali, che affondano le proprie radici nell'intimità dell'individuo, nel suo mondo segreto e nascosto, in bilico tra inconscio soggettivo e inconscio collettivo.
Letteratura e pittura si intersecano e attingono l'una dall'altra, giocano a rincorrersi, a specchiarsi reciprocamente, a scambiarsi stilemi e paradigmi, e l'intreccio che ne sortisce è un'alchimia suggestiva, evanescente, delicata.
La parola possiede anche una sua estetica visiva e formale, così come l'immagine racchiude in sé sprazzi di poesia e lirismo.

ll viaggio finisce qui:
nelle cure meschine che dividono
l’anima che non sa più dare un grido.
Ora i minuti sono eguali e fissi
come i giri di ruota della pompa.
Un giro: un salir d’acqua che rimbomba.
Un altro, altr’acqua, a tratti un cigolio.
Il viaggio finisce a questa spiaggia
che tentano gli assidui e lenti flussi.
Nulla disvela se non pigri fumi
la marina che tramano di conche
i soffi leni: ed è raro che appaia
nella bonaccia muta
tra l’isole dell’aria migrabonde
la Corsica dorsuta o la Capraia.
Tu chiedi se così tutto vanisce
in questa poca nebbia di memorie;
se nell’ora che torpe o nel sospiro
del frangente si compie ogni destino.
Vorrei dirti che no, che ti s’appressa
l’ora che passerai di là dal tempo;
forse solo chi vuole s’infinita,
e questo tu potrai, chissà, non io.
Penso che per i più non sia salvezza,
ma taluno sovverta ogni disegno,
passi il varco, qual volle si ritrovi.
Vorrei prima di cedere segnarti
codesta via di fuga
labile come nei sommossi campi
del mare spuma o ruga.
Ti dono anche l'avara mia speranza.
A nuovi giorni, stanco, non so crescerla:
l'offro in pegno al tuo fato, che ti scampi.

Il cammino finisce a queste prode
che rode la marea col moto alterno.
Il tuo cuore vicino che non m’ode
salpa già forse per l’eterno.
Eugenio Montale, Ossi di seppia, Meriggi e ombre, Casa sul mare

Il connubio crea equilibrismi arditi, logiche dialogiche, contaminazioni che fondando un linguaggio nuovo, che non è solo sintesi degli elementi, ma qualcosa di più. Il potenziale espressivo non aumenta solo in termini quantitativi, ma anche, e soprattutto, sotto un profilo qualitativo.
L'impiego di collage di pagine di libri sulla tela crea un effetto visivo di stratificazione e sovrapposizione di pensieri, sogni, storie e immagini, che, concettualmente, rimanda a una radice originaria che restituisce senso al presente. E' un modo di raccontare, attraverso il potere evocativo della pittura, ciò che a volte sfugge all'affabulazione pura, di ampliarne l'effetto catartico e proiettivo e di incrementarne la forza narrativa.
Un mare di parole dipinte dove fluttuano i sogni, zattere salvifiche che dispensano riparo dalle tempeste; un mare dove si recupera il filo rosso dell'esistenza, dove lo spettatore può voltarsi e guardare da dove viene e al contempo, proprio in virtù di ciò, può immergersi negli abissi del proprio essere, nel proprio tumultuoso e magmatico oceano, intraprendendo un viaggio infinito e incessante, un'odissea epica, misteriosa e incalzante.
E se si riesce a oltrepassare Scilla e Cariddi significa che l'isola è vicina, che il tempo può essere ingannato, che il canto delle sirene non ha mistificato i desideri e offuscato la rotta.

“[...]
Sul mare salato
si posa la luce e sui campi
d'ogni parte fioriti, e la bella
rugiada discende e le rose
fioriscono e i cerfogli
delicati
e il meliloto spruzzato
di bianco.
[...]
Saffo, poesie d'amore, 96. V.

“Più di quanto sia lecito,
più di quanto sia possibile,
come
un delirio di poeta incombe nel sogno,
enorme si fece il groppo del cuore,
enorme l'amore,
enorme l'odio.”
[...]
Vladimir Vladimirovic Majakovskij

“Chi può capire qualcosa della dolcezza se non ha mai chinato la propria vita, tutta quanta, sulla prima riga della prima pagina di un libro?”
Alessandro Baricco, Castelli di Rabbia

“I nostri sogni e desideri cambiano il mondo”
Karl Popper

“Non esiste vento favorevole per il marinaio che non sa dove andare”
Seneca

La notte impone a noi la sua fatica
magica. Disfare l'universo,
le ramificazioni senza fine
di effetti e di cause ch si perdono
in quell'abisso senza fondo, il tempo.
La notte vuole che stanotte oblii
il tuo nome, i tuoi avi e il tuo sangue,
ogni parola umana e ogni lacrima,
ciò che potè insegnarti la tua veglia,
l'illusorio punto dei geometri,
la linea, il piano, il cubo, la piramide,
il cilindro, la sfera, il mare, le onde,
la guancia sul cuscino, la freschezza
del lenzuolo nuovo...
Gli imperi, i Cesari e Shakespeare
e, ancora più difficile, ciò che ami.
Curiosamente, una pastiglia può
svanire il cosmo e costruire il caos.

Jorges Luis Borges, Il sogno

“LE CINQUE ROSE DI JENNIFER”

2009-02-25T08:17:00.001-08:00

“Le cinque rose di Jennifer”, scritto da Annibale Ruccello, precocemente scomparso all’età di trent’anni, va in scena al Teatro Gobetti di Torino dal 24 febbraio al 1 marzo.
La regia è di Arturo Cirillo, anche interprete dell’opera insieme a Monica Piseddu.
Atto unico estremamente denso di sfaccettature, ombre, pathos e contrasti.
Il piano del reale scivola sui binari di un’improbabilità a tratti illusoria e penosa, a tratti riottosa e cupa.
In una stanza esageratamente posticcia, brulicante di fiori, vestiti e oggetti artefatti e pomposi, canzoni melense di Patty Pravo e Mina, si consuma il dramma di un travestito napoletano, avviluppato tra le ragnatele di una menzogna dolce-amara che accarezza e al contempo schiaffeggia la sua indefinita e nebulosa identità.
L’ambiguità aleggia dall’inizio alla fine dello spettacolo, mescolata sapientemente a una sottile ironia che stempera e attenua il dramma di un’inesorabile solitudine.
L’interpretazione che Cirillo dà dell’opera, accentua da un lato l’aspetto grottesco, e dall’altro l’ambivalenza che avvolge l’intera vicenda.
Jennifer attende inutilmente e disperatamente la telefonata di un amante, che mai giungerà, e, per beffa della sorte, il suo telefono squilla in continuazione, a causa di indesiderate “interferenze”. Il fantomatico amante, nella fantasia di Jennifer, è sempre in procinto di arrivare, e lei deve essere sempre in ordine ed “elegante”, pronta per accoglierlo. Così Jennifer, che ricorda molto la Prinçesa di Fabrizio De Andrè, inganna se stessa costruendo un mondo parallelo, fittizio e illusorio, che la distragga dalla crudezza di una realtà dura e dolorosa, quella della solitudine, appunto. In alcuni momenti l’attesa diventa un gioco, una tensione ammiccante e stuzzicante, in altri momenti, invece, diviene un supplizio snervante.
L’unico vero incontro di Jennifer è con il suo “doppio”: Anna, un altro transessuale. E qui il gioco dell’ambiguità si fa ancora più intrigante ed enigmatico, in virtù della scelta registica di far interpretare Anna a un’attrice e grazie anche a uno scambio di vestito, quasi a voler accentuare l’ambivalenza dell’identità sessuale.
E il tutto viene condito da sordidi delitti compiuti da un misterioso serial killer che, dopo aver massacrato le sue vittime (tutti travestiti!), lascia sui loro corpi, come macabra “firma”, cinque rose rosse.
Cirillo e Piseddu si dimostrano, in questo ruvido e sarcastico dramma, attori di estrema finezza interpretativa, grande espressività e notevole comunicatività.
La regia è accattivante e interessante, e la scenografia riesce a trasmettere alla perfezione quell’atmosfera in bilico tra il losco, il patetico e l’equivoco, che l’autore voleva esprimere.

“MENO MALE” ALLE DONNE!

2009-02-20T02:43:00.000-08:00

ARTE E IMPEGNO CIVILE SI INCONTRANO
AL TEATRO VITTORIA

Mercoledì 4 marzo 2009, alle ore 20.30, presso il Teatro Vittoria di Torino (Via Gramsci, 4), il Telefono Rosa di Torino, in collaborazione con l’atelier d’arte “Bottega Indaco” (http://www.bottegaindaco.blogspot.com/), presenterà una serata artistica di sensibilizzazione contro la violenza sulle donne, organizzata grazie al sostegno della Fondazione CRT e di Farmacuore, e patrocinata dalla Regione Piemonte, dalla Provincia di Torino e dalla Città di Torino.
Telefono Rosa, attivo a Torino da 16 anni, questa volta ha scelto una chiave nuova e originale per affrontare l’ostico e scabroso tema della violenza sulle donne: l’arte.
L’evento prevede una mostra di fotografie e quadri realizzati dagli artisti di “Bottega Indaco” (Ciro Palumbo, Akira Zakamoto, Claudia Giraudo, Laura Giai Baudissard, Cristina Gualmini e Angela Vinci), una performance teatrale della “Bottega dell’attore in viola” (diretta da Marzia Scarteddu), e un concerto di Antonello Aloise (pianoforte) e Linda Murgia (violoncello).
L’idea di organizzare questa serata “multiartistica” nasce dalle riflessioni emerse nel forum che il Telefono Rosa ha creato sul proprio sito in occasione della Giornata Mondiale contro la Violenza sulle Donne (25 novembre 2008).
Da questa iniziativa sono nati interessanti spunti, utilizzati ed elaborati dagli artisti per creare le proprie opere e performance.
Attraverso uno spettacolo che mette in gioco diverse forme ed espressioni artistiche, si cerca, dunque, di denunciare e sottolineare questa tematica purtroppo ancora estremamente attuale, ma il taglio che si intende dare alla serata è propositivo e costruttivo.
Il comune denominatore di tutto lo spettacolo è il desiderio di mettere in luce gli aspetti positivi della femminilità, e non solo le ombre cupe e dolorose della violenza (psicologica e fisica) subita, dando risalto alla forza e alla “Bellezza” che ogni donna possiede, e che le permette di generare, rigenerare e rigenerarsi, per non essere mai sopraffatta e annientata dalla sofferenza e dall’aberrazione.
E auspichiamo un’evoluzione culturale, civile e sociale che porti davvero meno male.
Meno male che le donne racchiudono nella propria anima tanta Bellezza. Una Bellezza ontologica, sostanziale, profonda, tenace e potente, che permette alle donne di “farcela”, di risollevarsi e andare avanti, nonostante tutto.
E meno male che esiste l’arte, che perlustra e svela questa Bellezza, permettendoci di trasformare, creare e ricreare la realtà che ci circonda.

AKIRA ZAKAMOTO ESPONE ALLO SPAZIO 10 DI IVREA BAMBINI INDACO, ANTESIGNANI DEL CAMBIAMENTO UNIVERSALE

2009-01-28T08:38:00.000-08:00

Sabato 13 dicembre 2008, presso il Centro Culturale Multimediale “La Serra” di Ivrea, è stata inaugurata la mostra personale di Akira Zakamoto “Bambini Indaco”, in collaborazione con l’associazione culturale “Spazio10”. In esposizione, fino al 6 gennaio 2009, undici quadri (oli su tela) del pittore torinese.

Durante la serata è stato presentato, da Pietro Abbondanza e Cristina Garavaglia, fondatori della casa editrice “Stazione Celeste”, il libro di Celia Fenn “L’avventura indaco-cristallo: bambini e adulti indaco e cristallo, i pionieri della nuova era”.

Spazio 10 (www.spazio10.it) è una realtà attiva sul territorio di Ivrea da circa cinque anni. Nasce nel giugno 2004 con l'intento di costituire uno spazio artistico polivalente dedicato all'arte contemporanea. I suoi associati, intendono incentivare la ricerca artistica attraverso l'ideazione di progetti che esulino dal circuito commerciale dell'arte istituzionale, per creare invece opportunità di sviluppo di canali alternativi, promuovendo e sostenendo giovani artisti in cerca di occasioni per potersi esprimere e poter comunicare nuove idee.

“Stazione Celeste” (http://www.stazioneceleste.it/) è una casa editrice e insieme uno spazio di incontro che si occupa di tematiche legate alla spiritualità. I libri editi da “Stazione Celeste” sono delle finestre affacciate su mondi sorprendenti e inesplorati; sono viaggi che possono condurre chi li legge a scoprire nuove strade, nuovi modi di vivere, più consapevoli e profondi, che trascendono la mera apparenza e la realtà fenomenica in cui siamo immersi.

In particolare, il libro di Celia Fenn affronta il tema dei bambini indaco e cristallo. Bambini che sono messaggeri di cambiamento, antesignani di una “rivoluzione” spirituale e culturale imminente, presente “in nuce” nel genere umano, ma che ancora non ha trovato gli strumenti e i tempi per realizzarsi appieno. Questi fanciulli “magici” giungono sulla terra come “angeli”, per innescare un processo di consapevolezza che la razza umana non potrà ignorare, e che, inevitabilmente, produrrà un cambiamento “apocalittico” nelle nostre società e nelle nostre culture.

Questo illuminante libro viene “illustrato” da questa mostra grazie ai dipinti dell'artista “Akira Zakamoto”, a cui il tema dei bambini, concepiti come esseri superiori e forieri di una teleologia profonda dell'esistenza, è particolarmente caro e costituisce il fulcro della sua ricerca concettuale e artistica.

Nei quadri di Akira Zakamoto i bambini rappresentano una connessione mistica tra universi tangibili e mondi intrapsichici, perché essi sono in grado di dare un significato diverso ai significanti, ai segni che si presentano ogni giorno sotto i nostri occhi, e che noi non sempre riusciamo a decodificare.

In queste opere assistiamo alla rappresentazione di una poetica che incarna “un'escatologia esoterica” densa di valenze spirituali oltre che artistiche.

E così muta lo sguardo, e muta la prospettiva consueta e desueta, attraverso un gioco di metamorfosi semantiche che lo stesso Zakamoto descrive nella presentazione di questa mostra, e che preannuncia una trasformazione non solo di stilemi linguistici, ma di significati e di concezioni, aprendo la via a strade nuove e imprevedibili dove l'essere umano può ritrovarsi abbandonando sé stesso e le proprie antiche e fallaci credenze. Ironica iperbole, magnifica e paradossale.

“EUFASIA” ARTE COME TRADE D'UNION TRA EUROPA E ASIA

2009-01-28T08:35:00.000-08:00

L'11 gennaio 2009, presso l'elegante ed esclusivo “Port Palace Hotel” di Montecarlo, è stata inaugurata una mostra d'arte originale, raffinata e “multietnica”.

Elisabetta e Paola Fantaccini, anime dell'azienda di comunicazione “Eufasia s.a.r.l” e promotrici dell'evento, hanno dato vita a una kermesse sorprendente ed esplosiva, mirabilmente curata fin nei minimi dettagli. L'allestimento impeccabile, l'attenzione solerte e minuziosa per i particolari e la doviziosa “regia” di tutte le performance artistiche denotano un impianto organizzativo di gran classe e pregio. I bellissimi locali del “Palace Hotel”, sfarzosi ma mai barocchi, con un magnifico e iridescente mare a fare da cornice al tutto, si sono rivelati una location ideale per valorizzare al meglio questo evento.

La serata è stata densa di sorprese e spettacoli, spaziando dalla musica alla cucina, dal Tai Qi alla scultura, dalla pittura alla fotografia. L'esposizione potrà essere visitata fino al 25 gennaio.

Tantissimi gli artisti chiamati ad arricchire, animare e movimentare questo singolare vernissage: Daphnè Du Barry (scultrice), Fabiana D'Amico (scultrice), Lanfranco Lanari (pittore), Akira Zakamoto (pittore), Rafael Pacheco (pittore), Ivana Boris (fotografa), Claudia Albuquerque (fotografa), Yukako Custo (musicista), Yang Er Yue (Tai Qi), Anthony Alberti (bodypainter), solo per citarne alcuni.

Quale modo migliore per comunicare se non l'arte nella sua magnifica e inesauribile versatilità e poliedricità di significati? Questa l'idea che ha spinto le sorelle Fantaccini a organizzare questo ambizioso evento, peraltro perfettamente riuscito.

“Eufasia”, secondo l'etimologia greca del termine, e non a caso, significa “buona comunicazione”. Infatti l'arte rappresenta e incarna sicuramente una modalità comunicativa straordinaria, piena di simboli, suggestioni, contaminazioni e valenze.

L'arte ha anche una funzione unificatrice oltre che comunicativa. Essa è capace di sottolineare le peculiarità e le differenze, ma anche di trasformarsi in terreno comune, sensibilità universale, materia plasmabile che identifica e connota l'anima pur distinguendola come entità magica, unica e irripetibile.

L'arte è spesso in grado di superare le barriere linguistiche, perché non ha bisogno di parole e di codici verbali condivisi. Con l'arte si possono superare i limiti spazio-temporali e culturali, dialogando direttamente con la parte più nascosta e profonda dell'anima umana. Un colore, un suono, un movimento, arrivano a sfiorare direttamente le nostre corde emotive, facendole vibrare e sussultare. Senza bisogno di parole.

Questa è “buona comunicazione”.

ART METER DOVE L'ARTE SI LIBERA DAI VINCOLI

2009-01-28T08:25:00.000-08:00

Art-Meter (http://www.art-meter.it/) è una galleria d'arte on-line che vede la luce nel marzo 2008, grazie a Ilaria Fossi e a suo marito Taka, che si sono ispirati a un'idea della società nipponica “Kayac Inc” (www.art-meter.com). E' uno spazio virtuale (ma anche reale!) in cui gli artisti possono vendere liberamente le proprie opere, e chiunque può acquistarle.

Ilaria Fossi e Taka detengono la concessione del marchio per tutta l'Europa, e uno dei loro prossimi obiettivi è quello di esportare Art-Meter anche all'estero.

Questa iniziativa, unica in Italia, in pochissimo tempo ha avuto un riscontro molto positivo, sia presso il pubblico, sia presso gli artisti. In pochi mesi, infatti, le vendite dei quadri hanno avuto un incremento esponenziale. Basti pensare che da marzo a ottobre sono stati venduti circa 50 quadri, e da ottobre a dicembre circa 160. Un risultato di tutto riguardo, emblematico della crescita e del successo che il progetto sta ottenendo.

La filosofia che sta alla base di questa iniziativa parte dalla considerazione che l'arte debba essere un bene non vincolato da logiche di mercato elitarie. L'arte è un prezioso patrimonio di cui tutti dovrebbero usufruire e godere; è una ricchezza, sia per chi la produce, sia per chi ne fruisce. Una concezione, quindi, non “oligarchica” e settaria, ma “democratica”. Parola d'ordine, dunque: libertà.

Libertà, per l'artista, di poter vendere i propri lavori in modo equo e trasparente; libertà, per il pubblico, di poter acquistare le opere a prezzi accessibili, stabiliti secondo criteri chiari e inequivocabili.

Art-Meter non giudica nessuno e non pone censure, dando a chiunque la possibilità di rendersi visibile e di esprimersi attraverso la propria produzione. Qui sono racchiuse la pregevole peculiarità e la carta vincente di questo progetto. Esiste, dunque, una volontà precisa di connotare la creatività in modo diverso e alternativo, eludendo i canali canonici dell'arte istituzionale e un po' “snob”, che si erge su un piedistallo e promulga arroganza e saccenza.

Con Art-Meter, invece, l'arte si evolve, vola libera, senza costrizioni formali e senza quelle innumerevoli “conditio sine qua non” che fanno dell'arte “ortodossa” un territorio immobile dove la regola regia è un'ottusa e sterile autoreferenzialità, sorretta da onanismi rocamboleschi e grotteschi, e fiumi di autocompiacenza narcisistica.

Un'iniziativa, quella di Ilaria Fossi e Taka, estremamente rivoluzionaria, che apre la strada a un mutamento importante nel modo di concepire la creatività.

Soprattutto in Italia, l'arte è ancora prerogativa di pochi ed è ostaggio di logiche retrive, obnubilate e sterili.

In Italia chi fa arte (il cosiddetto artista, o sedicente tale), o “se lo può permettere”, e si trastulla con la produzione artistica né più, né meno, come potrebbe fare con un giornaletto pornografico o con una partita di squash, oppure si affida alle “briglie d'oro” di qualche illuminato gallerista-mecenate, ma, per quanto dorate, pur sempre di catene e di gabbie si tratta. Senza dimenticare che trovare qualcuno, nel nostro “belpaese”, che non sia legato a un'idea dell'arte “classica” e “manieristica”, che deve obbligatoriamente rispondere a certi schemi estetici e formali (anche nell'ambito della “sovversione”!), è difficile se non impossibile.

Art-Meter invece livella tutti. Ma senza negare dignità e valore, anzi, elargendo a ogni artista la possibilità di esprimere se stesso senza condizionamenti, senza temere i giudizi altrui, e senza il vessillo assillante dell'inadeguatezza. E su Art-Meter, particolare non trascurabile, l'artista può vendere le proprie opere. Perché l'idea romantica e decisamente aberrante dell'arte che esula da qualunque “sporca” compromissione con il vile denaro, è ormai anacronistica e da rifuggire come la peste. Cerchiamo, quindi, di restituire all'arte e all'artista la sua dignità e il suo valore in toto, anche in quanto lavoro grazie al quale potersi garantire una sussistenza, appurato il fatto che di sola aria e idilliaci vaniloqui non si vive.

Un'idea all'avanguardia, dunque, in questo panorama impolverato e austero che ha il sapore più del cimelio che della vera creatività.

Finalmente qualcosa di diverso, che spezza la logica consueta. Stiamo a vedere.

DON CHISCIOTTE, L'ARTE DELL'IMITAZIONE

2009-01-22T04:03:00.000-08:00

Al Teatro Nuovo di Torino è in scena, dal 20 al 25 gennaio, “Don Chisciotte”, diretto e interpretato da Franco Branciaroli e prodotto dal Teatro de Gli Incamminati.
Le luci, bellissime e cangianti, sono di Gigi Saccomandi; la curiosa scenografia, che richiama un ambiente da “bar esclusivo di alto rango”, è di Margherita Palle, e i costumi sobri ed eleganti sono di Caterina Lucchiari.
In questo spettacolo dissacrante e ironico, possiamo ammirare, a 360 gradi, l’estrema versatilità di Franco Branciaroli, grande mattatore camaleontico e istrionico.
In un esilarante ed esplosivo atto unico, Branciaroli si fa abile e raffinato emulatore di due mastodontici “mostri sacri” del teatro italiano e internazionale: Vittorio Gassman e Carmelo Bene, rivisitando il “Don Chisciotte” di Miguel de Cervantes in chiave originale e giocosa.
Come il protagonista del romanzo, appassionato di epopee cavalleresche, si trasforma nel celebre cavaliere errante Don Chisciotte della Mancia, così Branciaroli si trasforma in questi due idoli del palcoscenico, tessendo un mirabile “elogio dell’arte dell’imitazione”.
In bilico tra solennità e facezia, egli rimbalza con sbalorditiva disinvoltura tra un Don Chisciotte-Gassman e un Sancho Panza- Bene, calcando la scena da solo per settantacinque minuti, senza mai un attimo di esitazione o di indecisione, riuscendo a rapire e a divertire la platea per tutta la durata dello spettacolo, e mantenendo sempre un ritmo incalzante e vivace.
Con sarcasmo a tratti provocatorio e canzonatorio, a tratti sottile e tagliente, Branciaroli imita questi due grandi attori destreggiandosi rocambolescamente tra Dante, Beckett e i miti greci, servendosi del capolavoro di Cervantes come pretesto narrativo per creare un’apologia giullaresca e paradossale sul senso del teatro e della letteratura.
Dunque dove sta il limite tra realtà e finzione, chi lo decide e perché? E qual è la funzione dell’imitazione intesa come “tragicommedia” catartica contenente mille imprevedibili matrioske?
L’attore, in fin dei conti, è una persona, nel senso latino del termine, dunque una maschera. Cangiante, potente, poliedrica, immersa in un magmatico gioco di specchi in cui si perde e si ritrova. Sia che stia sulla scena di un teatro, sia che stia sulla scena di un romanzo.
In un finale imprevisto e affascinante Branciaroli ci dimostra che tutto si può modificare, tutto si può ribaltare. E si può anche rinnegare l’inchiostro che scrive il destino di un personaggio.

CIRO PALUMBO E ALFIO PRESOTTO

2009-01-18T13:40:00.000-08:00

LO SCRIGNO DELLA BELLEZZA SPALANCATO SUGLI UNIVERSI RECONDITI DELLA SPIRITUALITA'

La pittura di Ciro Palumbo e Alfio Presotto, densa di simboli e archetipi, rappresenta l'ideale estetico e spirituale del Sogno.
Il Sogno è qualcosa di ben diverso dai sogni, perché ha un cuore stratificato in cui si intessono e si mescolano valenze individuali e valenze collettive. Esso è una matrioska poliedrica che si eleva dal piano immanente a quello trascendente, percorrendo la filogenesi dell'anima umana dagli albori della civiltà al tempo presente. E' una specie di reperto fossile dello spirito che raccoglie, lungo il proprio cammino, frammenti di esperienze, emozioni, desideri e aspirazioni personali e sociali, per divenire “un'antonomasia” che racchiude le radici spirituali e culturali dell'umanità. Un cuore ancestrale e pulsante, una pozione alchemica vibrante, che continuamente si addobba di nuovi colori, nuove sfumature e nuove forme. Un patrimonio di tutti e di ognuno, squisitamente intimo e al contempo universale. Tutto ciò può sembrare un parossismo, eppure l'espressione artistica di questi due pittori ci dimostra che l'antinomia è solo apparente.
Palumbo e Presotto, con la loro pittura, aprono questo sfavillante scrigno e vi rovistano dentro. E come dei “Prometei contemporanei”, “rubano” questo magnifico e magmatico “fuoco” per donarlo agli uomini. La chiave magica che spalanca questa seducente cassaforte blindata è la Bellezza.
I due pittori, distribuiti in esclusiva da “Falpapromozionearte”, riescono a creare un rapporto dialogico con la Bellezza, vestendola di significati che superano la mera piacevolezza sensoriale per spingersi in territori ben più complessi, arcani e intriganti, dove l'interlocutore privilegiato diviene lo spirito. Palumbo e Presotto parlano all'uomo intriso di realtà fenomenica, ma anche e soprattutto all'uomo che ha impresse dentro di sé memorie lontane, che affondano le proprie origini nella notte dei tempi. Le opere di questi due artisti comunicano su due livelli: quello immediato e istintivo, con l'impiego di canoni estetici condivisi e versatili giochi cromatici, e quello inconscio e latente, con l'uso di simbolismi che solo l'anima può decifrare.
La loro “Metafisica”, rompendo le convenzioni, scandaglia un mondo sublime e sotterraneo dove tutto è ribaltato e reinterpretato, e ogni cosa diviene possibile. Solo spezzando gli argini e annullando i limiti imposti si può innalzare il proprio essere.
La Bellezza, dunque, non è autoreferenziale, non è solo virtuosismo che lusinga i sensi e accarezza lo sguardo, bensì è simbolo di valori spirituali elevati e universali. La Bellezza di Palumbo e Presotto ha un rapporto sottile e complesso con la temporalità, perché essa non è mai anacronistica ma neppure contestualizzante: è presente, pur attingendo da ideali estetici, culturali e simbolici del passato, ma il suo collocarsi nel tempo presente in virtù di un'incarnazione precisa non la denota e non la identifica con una particolare componente del mondo reale. E qui sta l'essenza epistemologica ed ermeneutica della “surrealtà” di questi pittori.
La figura femminile, spesso raffigurata nelle opere di Presotto, non rappresenta una donna, ma la donna. E l'analisi va ancora oltre: la donna è un pretesto, uno stratagemma per scrutare la Bellezza, che a sua volta è una chiave d'accesso per addentrarsi nel territorio meraviglioso e sfolgorante della dimensione spirituale.
Così gli eroi, gli dei e le isole di Palumbo: sono, appunto, archetipi universali e simboli di Bellezza che permettono, attraverso la decodifica sensoriale e istintiva di elementi noti, uno spostamento semantico ed emozionale che conduce lo spettatore a scoperchiare il “Vaso di Pandora”, che in questo caso non contiene tutti i mali, ma racchiude i segreti più affascinanti e ammalianti dell'animo umano. Lo “strumento” che mette in atto questo stupefacente processo è l'Inconscio.
Gli artisti hanno l'arduo compito, peraltro perfettamente assolto da Palumbo e Presotto, di trovare “gli appigli cognitivi” adatti a innescare questo fantasmagorico e sorprendente viaggio, generando quel sortilegio unico e irripetibile che solo l'Arte può regalarci.

PROFONDITA’ 45 MICHELANGELO AL LAVORO

2008-12-20T02:45:00.000-08:00

La commistione temeraria e apparentemente paradossale tra arte, tecnologia e industria è la caratteristica peculiare di questo progetto, ideato e curato da Ruggero Maggi e realizzato grazie alla collaborazione della ditta “TCG Ghelco” di Settimo Torinese (che ha sostenuto interamente i costi dell’iniziativa), e alla supervisione generale di Luigi Dorella.

“Profondità 45 Michelangelo al lavoro” si avvale della partecipazione di una sessantina di artisti che hanno accettato questa singolare “sfida”: elaborare un’idea, essere gli artefici di un progetto creativo attuato, concretamente e tecnicamente, dal sistema di aerografia digitale “Michelangelo”, impiegando particolari materiali industriali usati solitamente per scopi vari (arredamento, edilizia etc). Questi materiali sono stati successivamente assemblati in modo volutamente caotico e casuale, al fine di sortire un effetto imprevisto e imprevedibile, un sussulto inatteso di stupore grazie al quale lo spettatore può accedere alle sfaccettature più nascoste e recondite del messaggio che l’opera intende veicolare. La profondità emotiva e la pregnanza comunicativa di questa mostra sono racchiuse proprio nella sottile alchimia tra bellezza, tensione, sovversione ed emozione, in quel quid che scuote l’anima, che rende armoniose le dicotomie attraverso danze di antitesi e parossismi, che scandaglia l’imperscrutabile suscitando sensazioni enigmatiche e ancestrali, dense di significati simbolici immediati ed “epidermici”.

Non c’è esegesi che tenga: alla fine tutto viene ricondotto alla soggettività, e in virtù delle percezioni e interpretazioni individuali ogni opera acquista un senso intelligibile. Questa è la vera epistemologia dell’arte, perché paradigmi e postulati assoluti non ne esistono. L’artista si fa maieuta, aedo, rabdomante, affabulatore ardito che, utilizzando e “umanizzando” il mezzo tecnico, riempie i significanti di significati, e va alla ricerca incessante di segreti sepolti sotto la pelle, custoditi in quel territorio arcano e mistico che è la nostra essenza più profonda, seducente e magmatica.

Il caos indistinto diviene un’ammaliante fucina da cui attingere per creare, manipolare e dare forma a ciò che per natura è indistinto e indifferenziato.

F. Nietzsche affermava che: “bisogna avere ancora del caos dentro di sé per partorire una stella danzante”.

Indubbia l’originalità di questo interessante progetto, pieno di spunti concettuali, artistici e tecnici, che si svilupperà in una mostra itinerante che parte da Torino (Palazzo Atena, 28/11-12/12), per proseguire la propria “odissea” attraverso varie città italiane ed europee.

Il ricavato delle vendite delle opere d’arte verrà devoluto alla LILA (Lega Italiana per la Lotta contro l’Aids), alla Fondazione Piemontese per la Ricerca sul Cancro e alla O.N.A.O.M.A.C (associazione che sostiene e assiste gli orfani dei carabinieri).

Contatti:

Curatore del progetto: Ruggero Maggi - camera312@fastwebnet.it

Coordinatore e responsabile TCG Ghelco: Luigi Dorella – luigi.dorella@ghelco.it

TCG Ghelco – Via Santa Cristina 16/C – Telefono: 011.8950944 - Settimo Torinese (To)

www.tcgcom.net

Un eterno segno grafico serpeggiante che corteggia una spirale

2008-12-13T04:00:00.000-08:00

In una danza obliqua
ingorda di sospensioni
galleggia nell'aria
la corda impiastricciata di miele e spine

Posticcio e inutile
il grillo parlante
che si accucciatra le circonvoluzioni magmatiche del cervello

Trova respiro la temerarietà
in bilico tra l'umano e il divino
quando si scivola al contrario
precipitando verso l'alto
con lo sguardo che circuisce le viscere della terra

Incipiente l'esperienza luciferina
che scolpisce antitesi tra le palpebre socchiuse
della vanità

Tutto ciò che non si può dire e non si può fare
è voluttà appetitosa
che non sa essere pavida

Negletta è l'assennatezza noiosa
foriera di mendaci lusinghe
perchè pulsando
il sangue si rovescia e distilla gocce di follia

LA DANZA DELL'INFERNO

2008-12-12T08:46:00.000-08:00

Al Teatro Alfieri di Torino, dal 9 al 14 dicembre, è di scena “Inferno”, rocambolesco spettacolo di danza ispirato ai canti danteschi della “Divina Commedia”.

Dall'autore di “Nogravity” - Emilio Pellisari - un'affascinante reinterpretazione del viaggio di Dante e Virgilio attraverso cerchi, bolge e gironi infernali, dove predomina il linguaggio del corpo, dell'acrobazia aerea e della coreografia.

Emilio Pellissari, già ideatore di originali performance, profondo conoscitore del teatro fantastico rinascimentale e di incredibili stratagemmi meccanici, questa volta porta in scena uno spettacolo temerario e ardito, denso di sorprese ed effetti sbalorditivi.

Confrontarsi con l'imponente e mastodontica eredità della “Divina Commedia” già è un'impresa ardua, ma renderla attuale, esaltante e coinvolgente senza sminuirla e banalizzarla, è davvero encomiabile.

Lo spettacolo è un vero capolavoro, e niente è lasciato al caso: dalle eccentriche e poliedriche musiche etno-tech e classiche di Giuliano Lombardo e Oscar Monelli, alle luci sapienti che evocano atmosfere oniriche e inquietanti, ai costumi, alle fantasmagoriche coreografie di Noemi Wolfsdorf. Le abilità tecniche ed espressive dei danzatori sono a dir poco eccezionali: mai una sbavatura, mai un movimento incerto, barcollante, impreciso o spurio. E la loro sintonia è ineccepibile, sia nei movimenti dinamici, sia nei passaggi statici. A elargire un ulteriore tocco di prestigio e lustro: la voce recitante di Vittorio Gassman, che accompagna le meravigliose gesta dei ballerini declamando alcuni versi tratti dai più celebri canti dell'”Inferno” dantesco.

Lo spettatore viene inghiottito, fin dall'inizio, da atmosfere oniriche, surreali, cupe, ambivalenti e dense di suggestioni sensoriali.

L'incipit è solenne, carico di pathos e tensione: “Per me si va ne la città dolente, per me si va ne l'etterno dolore, per me si va tra la perduta gente” (Inferno, Canto III) esordisce Gassman. E da qui inizia un viaggio strabiliante che non lascia tregua e respiro, tra angeli, demoni, diavoli, anime dannate che si flettono, si ribaltano, si allungano, si comprimono, si contorcono, immerse in una dimensione senza tempo, in un oceano rarefatto dove i riferimenti spaziali vengono sovvertiti e stravolti. Assistiamo così a mirabilanti e sinuose acrobazie di corpi in bilico su un filo o che strisciano come gechi sui muri scoscesi del dolore e della perdizione. Una schiera di spiriti ubriachi di follia nuota tra limbi oscuri, lattiginosi e infuocati, brancola nel buio, sospesa in un nulla vischioso e acquoso, costretta a pagare il fio dei peccati terreni a causa dell'inappellabile e perentoria legge della nemesi.

E, dopo infinite peregrinazioni, finalmente la scala vivente che conduce alla luce.

ARTE E SPIRITUALITA' A MILANO LA PRIMA COLLETTIVA DI ARTEINDACO

2008-12-12T08:25:00.000-08:00

Giovedì 4 dicembre 2008, presso l'associazione “Energea” di Milano, è stata inaugurata la prima mostra collettiva di “ArteIndaco”, progetto artistico dedicato al rapporto tra arte e spiritualità.

Questa è la prima di una serie di esposizioni che avranno luogo in varie città italiane e coinvolgeranno numerosi artisti.

In mostra, fino al 21 dicembre, le opere di: Ciro Palumbo, Akira Zakamoto, Claudia Giraudo, Ada Muniel, Anna Maria Martini, Marida Maccari, Viviana Ammannato, Alessandra Daya Arnoletti, Maria Elena De Maio Cacciotti, Elena Copetti, Edimar Marcelo Costa, Cristina Gualmini e Manuela Marussi.

Il catalogo della mostra è a cura di Sergio Motolese e Pietro Abbondanza.

“ArteIndaco” (http://www.arteindaco.blogspot.com/) nasce nell'aprile 2008 da un'idea di Luca Motolese (in arte Akira Zakamoto), in collaborazione con “Stazione Celeste” (http://www.stazioneceleste.it/) e Bottega Indaco (http://www.bottegaindaco.blogspot.com/).

Lo scopo di questo progetto è creare una rete di artisti che scandaglino il tema della spiritualità attraverso la ricerca artistica. Un luogo di incontro, dunque, tra persone desiderose di confrontarsi con sensibilità affini, ma anche una fucina di linguaggi facondi, versatili e poliedrici, in divenire continuo, che attingono la propria forza da matrici simili eppure diverse. Non ci sono canoni stabiliti aprioristicamente; esiste solo l'anelito spontaneo e libero di potersi esprimere attraverso il mezzo artistico inteso come strumento ermeneutico che dà forma e intelligibilità alla dimensione interiore, a quella spinta atavica che da sempre l'uomo custodisce dentro di sé: la propria trascendenza, quel quid mistico e misterioso che scavalca l'immanenza per lambire il divino.

Le apparenti aporie qui si smussano e si sciolgono, perché il trade d'union non è una particolare forma di spiritualità o religione, ma la religiosità profonda che alberga nell'essere umano, indipendentemente dalla sembianza e dallo stilema che acquista quando si esteriorizza. La libertà d'espressione, dunque, è la chiave per comprendere il senso di questo progetto. La lettura avviene su metalivelli diversi e a volte apparentemente dissimili, ma, paradossalmente, le differenze esaltano la Bellezza, la incarnano e la valorizzano, elargendo un'armonia eclettica che oltrepassa i paradigmi attesi per addentrasi in un territorio più sottile e intrigante: quello, appunto, della libertà di comunicare ciò che si sente nella maniera a sé più congeniale e consona, senza regole e dogmi.

In “ArteIndaco” gli artisti non solo si incontrano, ma si confrontano e si contaminano, in un percorso scevro da giudizi e pregiudizi. Perché non c'è una “Verità” da svelare, una teleologia da rivendicare, una strada da intraprendere, e neppure alcun intento catechizzante, per fortuna. Esiste solo il piacere di seguire l'impulso che l'anima e l'intuito suggeriscono, senza schemi prefissati né semiologie imposte. La significazione e la comunicazione non seguono strade obbligate. Ognuno può attingere ai propri simboli e al proprio sentire profondo, dando spazio alle proprie ancestrali e intime risonanze. Un simbolismo escatologico sussiste sempre nelle opere di tutti gli artisti di “ArteIndaco”, ma la decifrazione dei simboli sta nell'individualità piuttosto che in una dottrina specifica a cui dover aderire. In questo modo si scongiura il pericolo di creare una setta autoreferenziale dove l'arte diventerebbe mera tautologia prevedibile e scialba, espressione di postulati piuttosto che delle peculiarità di ognuno. La ricerca gnoseologica e artistica non vuole essere di tipo deduttivo, ma piuttosto induttivo, perché solo così è possibile dare respiro all'Arte, concepita come sublimazione estetica dell'universo spirituale di ogni essere umano.

“Bisogna avere ancora del caos dentro di sé per partorire una stella danzante”

F. Nietzsche, “Così parlò Zarathustra”

FIABEPITTURE MOSTRA PERSONALE DI CIRO PALUMBO AVERSA (CE)

2008-12-12T08:23:00.001-08:00

Sabato 20 dicembre 2008, ad Aversa (CE), presso la Struttura Comunale Ex Macello, Sala Caravaggio, avrà luogo l'inaugurazione della mostra personale di Ciro Palumbo “Fiabepitture”.

La mostra, curata da Carlo Roberto Sciascia, è organizzata in collaborazione con l'associazione culturale “Naonisart”, nell'ambito dell'iniziativa “Aperitivi d'arte”. L'associazione, attiva a Porcia, Venezia e Aversa, vanta, per l'anno 2009, un calendario ricco di interessanti eventi di carattere letterario e artistico. Ma il fiore all'occhiello è l'iniziativa prevista per il mese di giugno alla Reggia di Caserta, che rappresenterà una sintesi di tutti gli eventi dell'anno, e a cui parteciperanno numerosi artisti tra cui anche lo stesso Ciro Palumbo.

La mostra “Fiabepitture” scandaglia il tema del Sogno attraverso il racconto per immagini.

In queste opere assistiamo a uno sviluppo “dialogico” della pittura di Palumbo. I simboli, gli stilemi, i colori e la tecnica evocano e richiamano la narrazione in modo originale e diverso rispetto a prima.

La parola scritta non viene più solo intuita e immaginata, ma appare sulle tele, spogliandosi però del suo significato linguistico usuale per diventare un significante ancor più emblematico e pregno di simboli, e si trasforma anche in immagine.

La commistione tra pittura e letteratura affascina e seduce, e le due arti si contaminano in modo biunivoco, attingendo l'una dall'altra, per dare vita a un sortilegio raro e prezioso, giocato su infiniti metalivelli espressivi e comunicativi.

I canali interpretativi dell'ultima produzione di Palumbo, dunque, si arricchiscono e si fanno più complessi, perché il segno non rimanda più a se stesso e ad un preciso universo simbolico. Ora il segno gioca a significare molteplici possibilità, spostandosi sia da un campo semantico a un altro, sia da un terreno artistico all'altro.

Se già prima le opere di Palumbo erano feconde di metafore visive, ora assistiamo all'uso di queste figure retoriche non solo all'interno dello stesso registro artistico, ma addirittura mescolando diversi registri e piani espressivi. E proprio qui sta l'originalità e al contempo la grande sfida: riuscire a creare un'armonia singolare e temeraria, azzardando accostamenti insoliti e compenetrazioni rocambolesche.

Ci addentriamo così nel meta-meta-fisico, su un piano ancora più alto, dove la realtà si flette, si piega e si sgretola sempre più, pur rimanendo un baluardo diafano grazie al quale il Sogno e l'Inconscio trovano ancoraggio e senso. Perché per riuscire a lambire l'onirico, il reale deve esistere, ma non per ciò che è, bensì per ciò che può essere e rappresenta, divenendo, appunto, surreale. La realtà non può e non deve essere annientata, ma trasformata. Il pittore è un artefice di significanti e significati, dotato della capacità di plasmare l'universo fenomenico per forgiare le chiavi che possano aprire le porte di mondi nuovi, nascosti sotto la superficie dell'apparenza. Ed è anche un aedo che canta le gesta della propria trasognante odissea.

Il mito ci guida in questa ancestrale ricerca di noi stessi; è il modello che ci aiuta a interpretare i nostri sogni e la nostra storia.

Potremmo definire Palumbo un “pittore-affabulatore junghiano”, perché attinge agli archetipi universali cogliendone non solo la Bellezza, aspetto imprescindibile per chiunque faccia Arte, ma anche i reconditi significati maieutici che custodiscono.

E' necessario che lo spettatore si specchi in questo universo di simboli senza pregiudizi, remore e costrizioni cognitive, perché solo quando si smette di cercare si trova davvero ciò che è essenziale.

“Io sono semplicemente convinto che qualche parte del Sé o dell'Anima dell'uomo non sia soggetta alle leggi dello spazio e del tempo”

C.G. Jung

“QUI” I CREATORI DI FUTURO I BAMBINI, LUCE DI CAMBIAMENTO CORTE DI CANOBBIO, CORTEMILIA (CN) MOSTRA PERSONALE DI AKIRA ZAKAMOTO

2008-12-12T08:13:00.001-08:00

Sabato 6 dicembre 2008, a Cortemilia (CN), presso la “Corte di Canobbio”, è stata inaugurata la mostra personale di Akira Zakamoto “Qui. I creatori di futuro. I bambini, luce di cambiamento”.

In mostra, fino al 6 gennaio 2009, nei raffinati locali della “Corte di Canobbio”, 13 dipinti che si ispirano all'universo infantile, tema particolarmente amato dall'artista. La “Corte di Canobbio” è uno splendido edificio del 1500, recentemente ristrutturato, che però mantiene intatti fascino ed eleganza. In questa gradevole e suggestiva cornice, oltre ad ammirare la mostra di Akira Zakamoto, si può sorseggiare un ottimo Nebbiolo o degustare la deliziosa pasticceria a base della pregiata nocciola “tonda e gentile delle Langhe”, fiore all'occhiello della produzione dolciaria della zona, che inebria e rapisce irrimediabilmente il gusto e l'olfatto.

Il progetto artistico prende vita da un'idea di Akira Zakamoto (al secolo Luca Motolese) e Paola Canobbio.

Da una piacevole e spensierata giornata ludica in cui vengono coinvolti i bambini di Cortemilia e dei paesi limitrofi, nascono le fotografie che ispirano i quadri. E nei quadri vengono raffigurati bambini “in carne e ossa”, celebrati sia come esseri “hic et nunc”, sia come emblemi del trascendentale.

L'intento è quello di sottolineare “la deità” insita nei fanciulli, icone chiave della poetica di Zakamoto, che, in questa mostra, acquistano ancor più pregnanza, grazie ad un uso più incisivo e potente degli accostamenti cromatici.

Il ritratto, da sempre emblema dell'arte pittorica, si veste, nella pittura di Zakamoto, di significati “antroposofici” e simbolici, pur conservando anche rimandi storico-artistici che ci riportano alla tradizione rinascimentale del ritratto celebrativo e commemorativo. Ma mentre nel XVI secolo l'idealizzazione ritrattistica assume precise funzioni politiche e sociali, qui si caratterizza in particolar modo di valenze spirituali e teleologiche.

Si parte, quindi, dal gioco, inteso come “gioco serio”, che contiene in sé la facezia ma anche il “pathos”, la trascendenza ma anche l'immanenza. Perché il gioco non è solo finzione catartica, ma anche e soprattutto realtà esperita attraverso la manipolazione del mondo circostante, grazie alla quale l'immaginato diviene fenomenico e acquista concretezza e senso. Il gioco è lo strumento principe attraverso il quale il bambino apprende a essere se stesso, misurandosi con il proprio universo intrapsichico e con la dimensione relazionale del proprio Sé. Gli adulti giocano per tornare ad essere ciò che non sono più; i bambini giocano per diventare ciò che saranno. E nel loro essere “in fieri” l'adulto si specchia, sfiorando per un attimo ciò che era, ciò che potrebbe essere e ciò che sarà. Il bambino, nella pittura di Zakamoto, è un simbolo escatologico di fondamentale importanza, perché esprime la forza motrice dell'universo, lo spirito incarnato nel mondo fisico, come direbbe R. Steiner. I suoi fanciulli, dagli sguardi baluginanti ed eterici, sono gli “angeli” che ci prendono per mano e ci conducono verso i sentieri scintillanti e scoscesi del cambiamento, verso un'epopea “apocalittica”, intesa secondo l'accezione etimologica del termine (dal greco apò-kalyptein: rivelare). Nulla di catastrofico, dunque, anzi. I bambini rappresentano il dolce “fiume eracliteo” del divenire, e nei loro occhi brilla l'acqua limpida di un oceano imperscrutabile ma la contempo tangibile: il futuro in nuce dell'umanità, già presente, ma che deve ancora realizzarsi appieno. Nel tempo del “qui”, dunque, possiamo scorgere un'intuizione, un seme. A noi l'immensa responsabilità di cogliere questo seme, curarlo, accudirlo, innaffiarlo, affinché possa nascere un giorno uno splendido fiore.

“Possiamo perdonare un bambino quando ha paura del buio. La vera tragedia della vita è quando un uomo ha paura della luce”.

Platone

Bambina di ieri, bambina di domani

2008-11-05T16:45:00.000-08:00

"La prova del miele", erotismo decadente e inconcludente

2008-10-29T09:41:00.000-07:00

“La prova del miele”, scritto dalla poetessa siriana Salwa Al-Neimi, somiglia più al diario stucchevole, ingenuo e sfilacciato di un'adolescente piuttosto che a un romanzo erotico.

Acclamato ed encomiato in tutto il mondo come il bestseller dell'anno, in realtà questo libro non ha

niente a che vedere con la grande letteratura erotica del Novecento, densa di sensualità, seduzione e spudoratezza, che annovera, tra i suoi più noti esponenti, autori del calibro di Henry Miller, Anais Nin e Dominique Aury, solo per citarne alcuni.

Un romanzo decisamente scialbo e privo di mordente, che non riesce a rapire e a stuzzicare il lettore con il fascino sottile, velato e ammiccante dell'erotismo, ma neppure riesce a “scandalizzarlo” e a scuoterlo con una prosa concitata, esplicita e impudente, come un'onesta e sana opera pornografica esigerebbe. E non è neanche un romanzo d'amore.

La protagonista del libro, una bibliotecaria del dipartimento di Arabistica dell'Università di Parigi, tesse, dalla prima all'ultima pagina, infinite lodi alle gesta erotiche del “Pensatore”, uomo fondamentale per lei, amante- maieuta che la inizia ai misteri e ai piaceri della carne. Il tutto condito con riflessioni sparse e confuse, ricordi vaghi e imprecisi, e riferimenti letterari e linguistici deboli e sfuggenti.

Le premesse sono promettenti, ma poi la prosa diviene scipita, traballante, in certi punti addirittura tediosa.

Ogni tanto si scorge qualche intrigante e appassionante barlume, ma subito la scintilla si spegne.

E' curiosa e originale l'analisi etimologica che l'autrice tenta di compiere citando alcuni stilemi e vocaboli della lingua araba, ma essa è troppo frettolosa. Così come i riferimenti ai testi antichi di letteratura erotica araba, scritti da grandi maestri sùfi: tutti spunti molto interessanti, che però cadono nel vuoto, si disperdono, scivolano via lasciando in bocca un appetito che non trova mai sazietà. Il lettore rimane costantemente in una dimensione di attesa che non viene mai colmata e soddisfatta.

Anche il concetto “tantrico” del piacere carnale come mezzo per raggiungere l'elevazione morale e spirituale è sicuramente degno di nota. Ma pure in questo caso l'analisi risulta essere superficiale, farraginosa, fragile e lacunosa.

Ennesimo tema che avrebbe potuto essere analizzato e sviluppato, e che invece viene solo sfiorato e accennato, è il rapporto tra sessualità e femminilità nella cultura musulmana.

Un romanzo, dunque, pieno di potenzialità, ma che fatica a decollare, che lambisce tutto fugacemente, senza mai andare in profondità, e che lascia nel lettore un senso di insoddisfazione, frustrazione e incompiutezza.

Chiara Manganelli

SACRA ERESIA

2008-10-06T03:33:00.000-07:00

Il sole custodisce l’orizzonte. Lo culla, lo disegna, lo nutre di luce. E lo sposta sempre più in avanti, lo lancia oltre lo sguardo, dove solo l’occhio della mente lo può raggiungere. Noi, delfini umbratili, sacri e sacrileghi, sempre in bilico tra eresia e santità, tra follia e assennatezza, nuotiamo incessantemente tra gli abissi di un oceano bizzoso e impetuoso.
La linea di questo orizzonte sensuale e seducente si flette, si distende, si cancella, appare, riappare, acquista forme deformi e impertinenti, scorre tra le palpebre socchiuse dell’anima, ondeggia e oscilla nei territori incontaminati e incontenibili dell’immaginazione, e risplende come un diadema scintillante, come un crepitio baluginante di un sorriso sperso tra lo spazio obliquo dell’ineffabile.
La fantasia rotola nell’aria come bolla di sapone diafana e iridescente, si posa su frammenti di pensieri sconnessi e imprecisi, sparpagliati tra nuvole eburnee, per stravolgerne il colore e la sembianza, attingendo trascendenza e misticismo dalle viscere attorcigliate dell’inquietudine.
Le labbra mordono e divorano il frutto sconosciuto e inebriante partorito dalla propria raggiante e vorticosa deità, e le mani forgiano figure fantasmagoriche che si abbeverano alla fonte inesauribile di una sapienza profonda e nascosta.
I grumi dei respiri si sciolgono e scorrono lungo lingue fiammeggianti di musiche adornate di orfici misteri. Si dilata il tempo, si dilata lo spazio. Tutto diviene possibile.
Il seme è nella nostra carne, il fiore è amplesso che sgorga dal nostro sguardo audace e vorace, e la chiave che apre lo scrigno dei segreti ancestrali è racchiusa tra le lande di un’isola aspra e austera dove l’anima teme se stessa e incontra ombre fosche e torve di fantasmi che la perseguitano e la flagellano.
Al di là della nebbia, al di là del gorgo della tempesta, il cielo rabbruscato si apre e si spalanca nuovamente alle piogge pulsanti e sferzanti della luce.
E il sedicente dio ultraterreno, inventato e millantato per renderci schiavi scheletrici e smunti, viene schiacciato da un dio terreno, l’unico vero dio che possa davvero esistere, e che abita la dimora del nostro Io supremo, perfetto e impalpabile, attraversando cicli di infinite metempsicosi.

MITRIDATISMO

2008-09-12T06:59:00.000-07:00

Ingurgitando cascate sferzanti di tramontana
l'anima spurga saccenza,
emenda follie,
erutta magmatico fiele sulfureo,
e masticando ruggine amara
si flette sull'adamantina e diafana lucentezza
di un riverbero di quiete,
emigra dentro oceani di cieli audaci
dove lo sguardo viene sbalzato fuori
dal suo nido avvelenato,
e gli occhi riottosi rimbalzano
tra le sinusoidi incostanti dell'infinito.

Il pesce annicchilito e scalpitante,
avviluppato nella rete,
succhia il ferro che rovista il palato,
si dimena convulso e ubriaco d'ira
sulla chiglia che odora di sale e di legno.
All'improvviso guizza come guitto sornione
tra la spuma feroce e fiera,
sciogliendo la rete ruvida del carnefice.

Abbeverandosi alle fonti ingannevoli del veleno,
il veleno diviene miele
e allora ci vuole una rottura,
una variazione di rotta,
un ribaltamento rocambolesco.

Lo sguardo si sposta
repentino e temerario
lungo altre direzioni,
e osservando la trappola
della capziosa apparenza
scivola via la caparbia ostinazione
della mendace presunzione.

Mai stare fermi in un punto,
ma muoversi,
voltarsi,
entrare e uscire da sè,
per vedere la scena,
e schernire ciò che prima era,
perchè ora non è
e domani non sarà

E dunque aborrire il mitridatismo,
aborrire qualsiasi abitudine,
qualsiasi convinzione,
qualsiasi effimera illusione di realtà.

La Verità è un frutto acerbo,
è millanteria tragicomica
vomitata dalle labbra tremanti della Paura.

SIMBOLI SACRI E PROFANI NEL VIAGGIO VERSO L’INFINITO

2008-09-10T15:00:00.000-07:00

Dagli sguardi segreti di un angelo decaduto
che irradiava dardi di luce,
stilla veleno voluttuoso.
Rovinosa e riottosa
è la caduta dal Paradiso all’Inferno.

Anubi, dio sciacallo collerico e torvo,
lo sospinge, attraverso fiamme liquide e deserti metallici,
al cospetto della bilancia
dispensatrice di straziante terrore.

Il cuore è leggero,
ammasso vuoto di carne aggrovigliata e compressa
che pullula di ombre, insidie e languori,
impasto di sangue raggrumato
da oltraggi di superba miseria.

Osiride, ultimo giudice inappellabile,
osserva, impassibile e muto,
la polpa che racchiude la vita
e ne distilla il succo.
Tra le sue mani scarne e affusolate
schiaccia schiere di cuori,
miete incauti dolori ed emenda fragorose cecità.

Suo figlio, il Sole, da un grembo angusto,
divampa e profonde cascate di luce,
e scintillano i segreti granitici
che Iside accarezza e custodisce.

Ogni solstizio è amplesso lugubre,
lotta strenua e mastodontica
tra le forze opposte di sterminate tempeste.

Occhi pavidi e diafani come fondi di bottiglia
si perdono tra arcane disforie impetuose.

Cagliostro insegue
la pietra filosofale,
tortura mistica e magnifica,
oltre il tempo e lo spazio,
e viene inghiottito dalle avide bocche
delle Grotte Alchemiche.

Alla ricerca dell’oro magico
l’anima si arrovella, si perde, si frantuma,
attraversa tumulti turbinosi e fantasmagorici.

E laggiù le colonne d’Ercole attendono
lo sguardo e il passo di chi si appresta a varcare l’Infinito

Chiara Manganelli

LA “RAGIONATA SREGOLATEZZA DI TUTTI I SENSI” COME CONDIZIONE INDISPENSABILE PER AFFERRARE IL SENSO PROFONDO DELL'ARTE E DELLA VITA

2008-09-07T15:00:00.000-07:00

L'INFLUENZA DELLA POESIA DI ARTHUR RIMBAUD SULLE CORRENTI ARTISTICHE DEL XIX E XX SECOLO

“Io dico che bisogna esser veggente, farsi veggente.
Il Poeta si fa veggente mediante una lunga, immensa e ragionata sregolatezza di tutti i sensi. Tutte le forme d'amore, di sofferenza, di pazzia; egli cerca se stesso, esaurisce in sé tutti i veleni, per non conservarne che la quintessenza. Ineffabile tortura nella quale ha bisogno di tutta la fede, di tutta la forza sovrumana, nella quale diventa il grande infermo, il grande criminale, il grande maledetto, - e il sommo Sapiente! - Egli giunge infatti all'ignoto! Poiché ha coltivato la sua anima, già ricca, più di qualsiasi altro! Egli giunge all'ignoto, e quand'anche, smarrito, finisse col perdere l'intelligenza delle proprie visioni, le avrà pur viste!”

Lettera di Arthur Rimbaud a Paul Demeny
Charleville, 15 maggio 1871

Arthur Rimbaud è l'antesignano e l'emblema di una rivoluzione culturale senza precedenti. Egli, sovvertendo i canoni estetici e contenutistici della poesia, rappresenta un fondamentale punto di svolta sia nella storia della letteratura occidentale, sia nella storia dell'arte della seconda metà del XIX e di tutto il XX secolo, che, anche alla luce della sua preziosa eredità, reinventerà i propri parametri espressivi e semantici.
Il geniale e irriverente poeta francese intende rompere ogni schema, creare una frattura netta e insanabile con i paradigmi del passato; la sua poesia scardina tutte le regole fino a quel momento accettate e condivise dall'èlite intellettuale dell'epoca, rinnegando, da un lato, l'epistemologia razionalista propria dell'Illuminismo e del Neoclassicismo, e, dall'altro, distanziandosi anche, in parte, dalla filosofia del Romanticismo.
Rimbaud asserisce che il vero poeta deve farsi veggente, divenire un essere che trascende il proprio sé illusorio e si spinge al di là della vita per poi ritrovarla. Solo così si può giungere a celebrare l'essenza magica e onirica di un'esistenza che ha il sapore di una realtà ben più complessa di quella che siamo abituati a vedere e a percepire. Ci si trasforma in veggenti quando si è disposti ad abbandonare ogni mendace conoscenza a priori del mondo delle forme, ogni pregiudizio, ogni sapere appreso, quando ci si lascia travolgere e avvolgere dall'ignoto, dal sogno, dal mistero seducente e meraviglioso della vita al di là delle apparenze e delle convenzioni.
Attraverso il sacrificio della propria riottosa e ottusa razionalità, si riesce ad approdare tra le sinuosità strabilianti di territori mistici e incontaminati, affascinanti e spaventosi; si arriva ad afferrare “l'alchimia del verbo”, a misurarsi con la vera materia dell'arte e della poesia: l'ineffabile. Ma bisogna rinunciare a quell'Io imperante e minaccioso che ci impone di seguire i sentieri triti e tranquillizzanti della realtà transeunte e immanente. Dobbiamo spogliarci degli orpelli opprimenti della paura e tuffarci dentro mari sconosciuti, deliranti e temerari, i cui abissi possono custodire scintillanti e languidi deliqui, ma anche terribili incubi e devastanti sofferenze. Bisogna essere disposti a correre il rischio. Perché quando si rinnegano salde, posticce e tenaci certezze, ci si può anche perdere e disgregare in mezzo ai turbinii impetuosi e tumultuosi di oceani in rivolta.
Dunque è necessario superare la realtà fenomenica, ammutinarsi, abiurare, andare oltre, altrove, essere surreali. Ma per andare dove? Qual è la meta del viaggio? Forse il viaggio stesso, forse l'anarchia dello spirito. L'ineffabile, appunto. Ciò che si può percepire ma non si può spiegare.
A. Breton affermò che Rimbaud fu surrealista nella pratica della vita prima ancora che nella pratica della poesia. E' indispensabile immergersi nel proprio universo onirico e allucinatorio, e attingere da esso suggestioni, folgorazioni e frammenti di sogno per poter elargire all'arte qualcosa di veramente unico, illuminante e prezioso.
Se l'arte si limita a riprodurre e descrivere la realtà che è sotto gli occhi di tutti, qual è il suo senso ultimo? Un bell'esercizio di virtuosismo e tecnicismo?
Molti artisti, dal XIX secolo in poi (ma non solo) si trovano stretti e limitati da questa visione assai depauperante e svilente, e sentono la necessità di rompere le righe in modo violento e provocatorio, tentando strade sfrontate e audaci, e ridefinendo “un'escatologia dell'arte” che ne metta in discussione non solo i canoni estetici, ma anche i canoni gnoseologici.
Nascono così correnti culturali e artistiche quali il Simbolismo, il Surrealismo, la Metafisica, il Dadaismo, il Fauvisme, e molte altre ancora, diverse tra loro, ma aventi tutte in comune un desiderio di andare oltre l'universo empirico e manifesto, per carpire un'essenza che trascenda la superficie del mondo tangibile.
A influenzare notevolmente il clima culturale tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, si aggiunge la nascita della psicoanalisi. S. Freud, con la scoperta dell'Inconscio, fornirà una base teoretica fondamentale a cui attingere in questo contesto artistico già pregno di fermenti e trasformazioni.
In un'epoca in cui la rivoluzione industriale crea mutamenti sociali irreversibili, improntati su una visione positivista e scientista, portando in auge concezioni quali il liberismo economico di A. Smith e l'utilitarismo di J.Bentham, e gettando le fondamenta per lo sviluppo del sistema capitalistico moderno, la controtendenza artistica e culturale è invece quella di ricondurre l'uomo e la realtà al proprio nucleo magmatico, arcano e simbolico, lontano dal determinismo e dal materialismo imperanti, per recuperare un senso più profondo e sottile dell'esistenza umana.
Rimbaud individua in C. Baudelaire il “principe del sogno”, il precursore raffinato e arguto di quella “veggenza” irrinunciabile a cui l'artista deve ricorrere per farsi aedo, affabulatore, creatore di significati, significanti e nessi reconditi. E Baudelaire, con la sua strenua e incessante ricerca di una bellezza che non sia solo un ideale assoluto e astratto, ma che si coniughi con la “rugosa realtà” e con la compassione, dona alla poesia una dignità stilistica e formale che non ha eguali, e che tocca l'apoteosi nei “Fleurs du Mal”. Rimbaud si spinge ancora oltre. Per Rimbaud la poesia si intreccia con la vita, è la vita stessa: ecco l'enorme insegnamento che ci offre e ci lascia in eredità questo eccezionale poeta visionario, inquieto, poliedrico e ribelle.
La sua tormentata e irrequieta vita, dalle prime fughe dell'adolescenza, all'esperienza politica nella Comune di Parigi, al rapporto ambivalente e travagliato con P. Verlaine, alle numerose peregrinazioni per l'Europa e l'Oriente, fino all'esodo finale, quello in Africa, che ha più il gusto amaro della rinuncia piuttosto che la trepidazione e la sete di scoperta e conoscenza di un viaggio, dimostra che egli ha sempre tentato di fondere la vita con l'arte, inseguendo spasmodicamente l'essenza ultima delle esperienze umane, e diventandone cantore e vate.
Alcuni grandi movimenti artistici, come ad esempio il Surrealismo, hanno raccolto il messaggio di Rimbaud, ne hanno compreso l'immensa portata e l'hanno ampiamente e sapientemente sviluppato.
Basti pensare a pittori quali S. Dalì, R. Magritte e G. De Chirico, che nelle proprie tele rappresentano il sortilegio ammaliante e sconvolgente di realtà denudate del loro senso abituale e convenzionale, per imprimere agli oggetti e alle interazioni tra di essi significati ben più controversi e affascinanti.
Assistiamo quasi a una rivoluzione copernicana dell'arte: per essere artisti è necessario infrangere tutte le regole, diventare anarchici e rinunciare a “capire”, per affidarsi solo al “sentire”.
Bisogna dunque assaporare la vita, morderne intensamente la polpa, scendere negli inferi dannati e incantati del proprio inconscio, e guardare le cose non con gli occhi della ragione, ma con gli occhi della sensazione pura, accogliendo in sé tutto e il contrario di tutto; farsi creature plasmabili e modellabili, sempre in divenire e in movimento, assorbire l'esistenza, lasciarsi guidare dai sensi, senza però mai annullarsi e perdersi in questa pericolosa e rocambolesca ricerca, perché abbandonarsi alla sensazione, fino al punto di diventare la sensazione stessa, è un rischio mastodontico e incalcolabile, è una corsa cieca e convulsa sul filo di un rasoio, che può condurre alla follia e alla perdita della propria identità. “L'ora nuova è severissima” come Rimbaud stesso afferma in “Une Saison à l'enfer”. Ma ci sono cose che non hanno prezzo.

Chiara Manganelli

VOYELLES

A nera, E bianca, I rossa, U verde, O blu: vocali!
Un giorno dirò le vostre segrete origini:
A, nero vello sul corpo di mosche splendenti
Che ronzano intorno a crudeli fetori,

Golfi d'ombra; E, candori di vapori e tende,
Lance di fieri ghiacciai, bianchi re, brividi d'umbelle;
I, porpora, rigurgito di sangue, labbra belle
Che ridono di collera, di ebbrezze penitenti;

U, cicli, vibrazioni divine dei verdi mari,
Pace di pascoli d'animali, pace di rughe
Che l'alchimia imprime sulle ampie fronti studiose;

O, suprema Tromba piena di strani stridori,
Silenzi attraversati da Angeli e Mondi:
O, l'Omega, raggio viola dei suoi Occhi!

Arthur Rimbaud

L’IMMAGINE DIACRONICA E SINCRONICA COME SEMIOTICA CHE CONFERISCE INTELLIGIBILITA’ AL SOGNO

2008-07-24T01:54:00.000-07:00

“Il soggetto del gran sogno della vita
è in un certo senso uno soltanto:
la volontà di vivere”

A. Schopenhauer,
Il mondo come volontà e rappresentazione

Il 30 agosto 2008, presso l'ex Chiesa Anglicana di Alassio (SV), l’atelier “Bottega Indaco” di Torino inaugurerà una mostra collettiva di pittura dal titolo “Il volto come incarnazione del sogno”.
In esposizione, fino al 28 settembre, le opere di C. Palumbo, A. Zakamoto, C. Giraudo, L. Giai Baudissard e L. Bardella.
Ad accompagnare il vernissage una performance teatrale e la proiezione di un video.
La performance e il video sottolineano l’importanza estetica ed esegetica dell’immagine (eidos) - già evidente nelle scelte stilistiche e contenutistiche operate dagli artisti - e ribadiscono la sua funzione formale e comunicativa in relazione all’obiettivo che tale esposizione si prefigge: l’indagine del volto in quanto significante per decifrare gli enigmi del Sogno.
Ma per comprendere fino in fondo il percorso artistico e gnoseologico di questa mostra è necessario distanziarsi dalla credenza comune che concepisce la forma in contrapposizione alla sostanza, relegandola a un rango inferiore rispetto a quest’ultima e caricandola di valenze effimere, dispregiative e denigratorie. Qui diventa indispensabile ribaltare questa concezione travisata e distorta, per ripartire dall’assioma secondo il quale forma e sostanza non sono elementi antitetici e dicotomici, bensì concetti embricati e speculari. La forma dunque non è disgiunta dal suo contenuto, ma è un principio attivo di distinzione dell’essenza, “è la causa per cui un ente possiede una certa proprietà” (Aristotele).
Lo spettatore viene rapito e ammaliato da vortici di immagini che, pur correlandosi in modi differenti con la dimensione spazio-temporale, rimarcano l’enorme potere evocativo ed emotivo racchiuso in esse.
E così ha inizio un viaggio attraverso immagini che intrappolano tra le fibre di una tela giochi cromatici di un tempo soggettivo e ipotetico, per poi percorrere immagini che fissano, attraverso la fotopittura, un tempo reale che diviene irreale e relativo, approdando infine su territori pieni di fascinazione dove il tempo delle immagini è dialogico perché non viene fermato in un punto, ma scorre e fluisce, e in un caso risuona in sincronia con il vissuto dello spettatore nel tempo presente, nell’altro, invece, il tempo è una seduzione diacronica e differita, che lo spettatore, grazie al suo illimitato potere creativo e percettivo, può traslare dal tempo passato al tempo presente, rivivificandolo.
Il video “Il volto, incarnazione del sogno” (formato “dv CAM”, durata 4’), diretto da Luca Motolese e Ciro Palumbo, interpretato da Maria Mancini e musicato da Antonello Aloise, si ispira alla tradizione del cinema muto francese degli anni ’30, in particolare alla prima avanguardia cinematografica che vede in Fernand Léger uno dei suoi massimi esponenti. Questo video è una radiografia che scandaglia i segreti e le emozioni di un volto umano. Attraverso effetti digitali di viraggio del colore, dapprima ci si avvicina al volto osservandolo da diverse prospettive e angolazioni, esplorandone ogni recesso, ogni pertugio, ogni lieve sfumatura emozionale, e successivamente ci si addentra nel Sogno, perlustrandone le sue suggestioni più profonde e ancestrali.
Il video ci conduce dentro un’affascinante e ambivalente doppia mediazione sensoriale. La macchina da presa è un occhio nell’occhio, e crea nello spettatore – che diviene il terzo occhio - un particolare effetto percettivo di “distante vicinanza”, ed è proprio in virtù di questo ossimoro che l’occhio umano, paradossalmente, può arrivare a spingersi in territori dove, senza la mediazione dell’ “occhio tecnologico”, non potrebbe forse mai giungere. La macchina da presa, col suo sguardo quasi voyeuristico, permette di cogliere particolari minuscoli, impercettibili e nascosti, servendosi di un gioco ambiguo, illusorio e sottile di cui spesso ci dimentichiamo: non siamo mai noi che guardiamo ciò che desideriamo e scegliamo di vedere; noi possiamo guardare solo attraverso lo sguardo di chi dirige la macchina da presa, e dunque la realtà che osserviamo non sarà mai né la nostra, né tantomeno la realtà oggettiva, ma la realtà di un altro essere umano. E con questo sguardo dobbiamo identificarci e fonderci, perché solo così ci è concesso di poter vedere.
La performance “S-mascheramento di sprazzi di Sogno”, diretta da Marzia Scarteddu e interpretata da Franca Patrucco, Luisa Dante e Aldo Maggiolo (compagnia teatrale “La Bottega dell’Attore”), con musiche di Antonello Aloise, intende dare risalto, attraverso un intreccio di metamorfosi emozionali, alla versatilità e alla potenza espressiva del volto. E dalla vis delle emozioni si confluisce nell’oceano meraviglioso e turbolento del Sogno.
Come i pupi siciliani si muovono e si dimenano in virtù di fili invisibili manovrati da mani misteriose, così in questo spettacolo sarà uno degli attori a “manovrare” gli altri, fornendo l’incipit alle variazioni interpretative messe in scena. Con questa scelta registica si vuole sottolineare l’elemento relazionale e interpersonale che sottende inevitabilmente ogni emozione umana: il pathos emotivo che il volto incarna e comunica ha il sapore del gioco del “domino”, perché le emozioni, come scintille e riflessi di specchi baluginanti, irradiano da un’anima, penetrano in un’altra e rimbalzano su un’altra ancora, all’infinito. Esse dunque si propagano quasi per osmosi da un essere all’altro, vengono assorbite, inghiottite, indossate, e, infine, relativizzate da ognuno di noi, generando un binomio unico e irripetibile, dove insieme a peculiarità squisitamente individuali e personali coesistono caratteristiche universali che permettono, in ogni contesto storico e culturale, di riconoscere e attribuire un significato univoco e inequivocabile alle loro manifestazioni somatiche.

Chiara Manganelli

TESTO CRITICO DEL CATALOGO DELLA MOSTRA "IL VOLTO INCARNAZIONE DEL SOGNO"

2008-07-16T08:47:00.000-07:00

A Luca, Ciro, Claudia, Laura e Luisella

che hanno donato linfa, fuoco e ricchezza ai miei Sogni,
aperto nuove porte alla mia anima e al mio cuore,
e senza i quali non sarebbero mai esistiti
né questo testo, né la persona che l’ha scritto

Con l’augurio che possano sempre avere la forza e la tenacia per dare consistenza e forma ai loro Sogni

“Non si vede bene che con il cuore,
l’essenziale è invisibile agli occhi”

Il Piccolo Principe, A. de Saint-Exupery

UN VIAGGIO
DALL’ILLUSIONE DELLA REALTA’
ALLA REALTA’ DEL SOGNO

Mi aggiro, come profugo in cerca di companatico, tra gli anfratti scivolosi e impervi di un universo ambivalente e cangiante. Sono in viaggio, ma ho perso la bussola. La mia nave è governata da venti veementi e disforici. Il mio mare è in rivolta, sconquassato dalle tempeste, e si aggroviglia su se stesso rimescolando i desideri, confondendo le emozioni e occultando i tesori custoditi dagli abissi. Scorgo – o sogno? - la dolcezza di un’Itaca accogliente abbarbicata tra le luci soffuse dell’orizzonte, ma non distinguo più l’illusione dalla realtà.
Dopo un tempo indefinibile e indefinito approdo su una terra sconosciuta e straniera: un’isola dai profumi di spezie, dalla luminosità intensa e sfolgorante, che culla le pupille tra le sinuosità dei suoi misteri ammalianti e imperscrutabili. E’ la mia agognata Itaca oppure è un territorio ostile e insidioso, abitato da una Circe conturbante e ingannevole?

Inizia così il mio esodo dal mondo materiale delle illusioni alle suggestioni raffinate di queste due mostre che vogliono celebrare il Sogno in tutte le sue sfaccettature e incarnazioni.
S. Freud riteneva che l’artista fosse in grado di attingere ai moti più segreti dell’anima, sublimando i propri desideri reconditi e le proprie pulsioni nascoste. E’ indubbio che la pittura possegga valenze euristiche, esegetiche ed evocative sconfinate. Nessun’altra forma d’arte riesce a mettere in luce in modo altrettanto pregnante e potente il magma incandescente dell’inconscio.
Il Sogno qui viene assurto quasi ad archetipo universale, ed è un mezzo per accedere sia al proprio inconscio individuale, sia a quella dimensione psichica, comune a tutti gli esseri umani, che G. Jung chiamò inconscio collettivo.
La personale di Ciro Palumbo accoglie le risonanze del Sogno e le trasla sulla tela conferendo ad esse molteplici sembianze, mentre l’esposizione collettiva (C. Palumbo, A. Zakamoto, C. Giraudo, L. Giai Baudissard e L. Bardella) esplora il volto umano in quanto elemento ermeneutico per comprendere il Sogno, che ci conduce ad esso attraverso una sorta di processo epagogico denso di caratteristiche metacomunicative.
Il mio è un viaggio emozionale all’interno di questo percorso artistico, che oscilla tra vari ruoli e identità. E’ un bizzarro gioco teatrale di metamorfosi e sdoppiamenti.
E, come un benevolo Caronte, cercherò di traghettare le anime dalla sponda del mondo conosciuto alle rive di universi stupefacenti e seducenti, dal mondo limitato e circoscritto della realtà spuria e immanente al mondo sterminato e sconfinato del Sogno.

Vedo in lontananza viaggiatori intrepidi e impavidi che si inerpicano lungo sentieri incantati e frastagliati. Mi avvicino lentamente a loro, di soppiatto, acquattandomi e nascondendomi in mezzo alla fitta vegetazione, come inspiegabilmente attirata dall’irresistibilità gravitazionale di un magnete. Portano con sé bisacce ricolme di misteri. Il loro bagaglio è leggero, il loro passo sicuro e veloce. Sembra sappiano dove dirigersi.
Li guardo, osservo i loro occhi, che paiono diamanti opalescenti, gocce di densa rugiada che brillano alla luce dell’alba. Il loro sguardo è una sferzata languida che scintilla lungo i cunicoli di un labirinto arcano e sdrucciolevole. Dove vanno quegli uomini e quelle donne? Qual è la loro meta ultima?
Mi guardano e mi sorridono, come se mi aspettassero da sempre. Mi avvicino ancor più, con circospezione e prudenza.
“Vieni con noi” mi sussurrano con voce armoniosa che pare una musica inebriante. Mi prendono per mano e mi portano via.

Con le opere di Ciro Palumbo “entriamo nel Sogno” in modo sconcertante e visionario, percorriamo il fascino di miti e leggende dell’antichità, ci troviamo attorniati da simbolismi, contrasti, parossismi e giochi cromatici che ci ricordano i grandi mostri sacri della Scuola Metafisica e del Surrealismo (G. De Chirico, A. Savinio, R. Magritte, S. Dalì), ma Palumbo reinventa e reinterpreta la tradizione formale di queste due grandi correnti artistiche per approdare a una pittura del tutto personale e originale.
Affondo nelle poliedriche sfumature oniriche che popolano le sue opere, rovisto oltre la superficie per scoprire il significato ultimo che esse intendono esprimere. Mi sento un giullare ramingo, un viandante smanioso, un Orfeo irrequieto che contravviene agli ammonimenti di Plutone e si volta indietro per cercare l’Amore.
Mi perdo tra i suoi palcoscenici gremiti da dei, semidei, eroi e chimere, teatri dove la commedia umana, tra mito, sogno e realtà, si consuma e si perpetra dalla notte dei tempi, sempre uguale ma sempre diversa. Vago come un naufrago tra eterei oceani interiori; incespico come un giullare da avanspettacolo tra frammenti di giochi circensi. Balzo come un funambolo da un’isola all’altra, cercando spasmodicamente salvezza e riparo dalle tempeste dell’anima. E la Bellezza esteriore e interiore è un baluardo inoppugnabile, è il “filo di Arianna” che ci guida lungo i sentieri seducenti di questa peregrinazione incessante.
Spesso ci si fonde con l’oggetto osservato, soprattutto se esso racconta una storia ed evoca emozioni ancestrali impresse nella memoria biologica e psicologica della nostra specie.
Riprendo il mio cammino, avventurandomi alla scoperta di questi ed altri Sogni…

Da un viaggio incerto e confuso, intrapreso per caso, eccomi immersa in un viaggio cosmico, lungo spirali vorticose che trascendono il tempo e lo spazio.
Questi uomini e queste donne, adornati da sogni sgargianti, mi conducono tra le pieghe morbide e voluttuose di sarabande fiammeggianti e respiri infiniti, accesi da colori ruggenti e mondi avvolgenti.
Palpita la mia carne, e il mio sangue pulsa nuovamente di un rosso cremisi che screzia l’anima di vita e passione.

La strada che porta al Sogno, dunque, è lunga, piena di sorprese, folgorazioni e imprevisti. E sul cammino incontro altri arditi cantastorie che aprono le porte dei loro mondi allo spettatore che voglia scoprire i segreti racchiusi nelle loro opere.
Il Sogno si trasforma, si scinde in infinite possibilità, perlustra miriadi di identità e prospettive. E dalle affabulazioni di Palumbo entriamo nel “futurismo” di Akira Zakamoto, che, attraverso impasti cromatici potenti e accesi, annuncia un futuro “in nuce”, che è, sarà ed è già avvenuto, perché nel suo Sogno la linearità del tempo perde di pregnanza e rilevanza, e la convenzionalità spazio-temporale a cui il mondo contingente ci avvezza viene trascesa e superata. Il Sogno, nella pittura di Zakamoto, assume un significato escatologico, e si abbarbica tra gli sfavillanti sguardi vaticinanti di esseri puri e profetici. Bambini avvolti dall’indaco detengono la chiave che apre la via al cambiamento universale e ne preconizzano la realizzazione sospingendo il genere umano verso un’evoluzione naturale e necessaria che ha valenze endogene prima ancora che collettive. I suoi mondi esplodono, si disgregano e si destrutturano non per nichilismo e disfattismo, bensì per seguire e assecondare le correnti di un flusso inesorabile che si tinge di luce e positività. Ogni fine preannuncia sempre un inizio. Questo processo è scevro da scotomizzazioni e separazioni: è una confluenza. Le dicotomie non sono dolorose lacerazioni, ma diversi aspetti di un'unica dimensione olistica e “panica” che contiene e armonizza anche le apparenti contrapposizioni. La deflagrazione del vecchio non intende essere una frattura conflittuale, insanabile e traumatica, ma rappresenta una continuità evolutiva connotata da fiducia e autoconsapevolezza. Come affermava Eraclito, non ci si può immergere due volte nello stesso fiume, perché “panta rei”. Il viaggio di Zakamoto è ascendente, mai discendente, ed è prima di tutto un viaggio spirituale e interiore.

I due uomini e le tre donne si muovono con passo eterico ed evanescente. I loro sogni hanno trame e storie diverse, eppure si intrecciano come un ordito tessuto dalle dita affusolate e sapienti di un dio irriverente e giocoso.
Questi esseri si abbeverano di desideri tenaci e sfrontati, e si sfamano dei loro munifici sogni per regalare al mondo delle forme immanenti cascate di colori caleidoscopici e iridescenti.

E in questo viaggio esorbitante che non ha mai fine, vedo occhi simili ai miei, fieri e limpidi, di lunari creature femminee che dispensano linfa vitale all’arte, perpetrano la propria forza sotterranea e affermano la propria divina e orfica identità.
Le elaborazioni fotografiche di Laura Giai Baudissard ci portano alla radice filogenetica del nostro essere, esprimendo l’anelito a un ricongiungimento con la sacralità della natura intesa come “physis”, forza generatrice e propulsiva che profonde vita, amore, interezza e movimento all’essere umano, elargendo un senso profondo alla sua esistenza. Ma prima ancora di recuperare un contatto con la terra e la natura, l’uomo deve riconnettersi con il proprio inconscio, dunque con la propria natura primordiale. Perché solo ritrovando l’armonia interiore è possibile raggiungere un’armonia con ciò che ci circonda. Giai Baudissard ci comunica che viviamo in un mondo di illusioni sistematiche, endogene ed esogene, che ci sviano costantemente dalla strada che ci dovrebbe riportare a raggiungere noi stessi. Ed è necessario superare il frastuono fragoroso che ogni giorno ci disorienta e ci inganna per tornare a immergerci dentro la nostra essenza autentica, in sintonia con il Tutto.

Questi rabdomanti scavano nei recessi delle loro anime con l’ingenuità lieve di bambini rapiti dall’enfasi di una Bellezza assoluta, che risucchia chiunque la sfiori dentro i suoi maliardi vortici di irruente eternità.
Si specchiano dentro laghi lattiginosi di dolce ambrosia che accarezza i sensi e si espande tra i sentieri scoscesi del piacere. Non si compiacciono della propria bellezza come stolti Narcisi smembrati e trasformati in petali caduchi, bensì cantano, come aedi che oscillino attraverso il tempo e lo spazio, la Bellezza di universi assopiti tra le radure dell’anima umana, e la cecità diviene sguardo sapiente che si spinge oltre le frontiere della consuetudine. La loro voce è il pennello, e volteggiano tra bianche tele su cui riversano mestiche di mistici colori che risuonano come profetiche melopee intonate da vibranti e magnifiche cetre.

Da sinuosi tentacoli d’edera avvoltolati attorno a sguardi scintillanti, sprofondo in nuvole vermiglie che celano un sorriso ammiccante e lucente. La pittura di Claudia Giraudo si snoda lungo palcoscenici calcati dal passo nobile ed elegante di attori senza tempo, avviluppati da broccati preziosi e
monili pregiati. Questi personaggi sono avulsi da qualsiasi contesto storico e spazio-temporale, perché simboleggiano l’inesauribile gamma delle possibili identità dell’essere umano. Essi giocano sulle tele, si trastullano con i colori e gli oggetti, ma Giraudo non intende rappresentare dei guitti sornioni e grotteschi che si burlano di se stessi e degli altri, bensì figure altere e perfette che inventano e plasmano infinite maschere, in quanto individui liberi di essere chiunque pur mantenendo la propria identità ontologica più intima e profonda. Attraverso questo gioco faceto e ironico di seducenti metamorfosi, Giraudo vuole encomiare ed esaltare la bellezza dell’individuo nel momento in cui si spoglia delle sue fattezze e vestigia abituali, esce dalle prigioni dell’immobilità e della prevedibilità, supera gli schemi, le aspettative, lo stigma della categorizzazione che la società e il Super Io gli impongono, per lambire la libertà di essere se stesso fino in fondo. Un Sogno, dunque, che ha il vago sapore di un paradosso, perché, attraverso l’incarnazione di personaggi (maschere) diversi da sé, si realizza la personificazione della propria eterna e assoluta bellezza, ed è proprio in virtù di questo meccanismo che ci si emancipa dalla propria persona (intesa come maschera, secondo l’accezione latina del termine).

Questi cantori, oracolanti acrobati a caccia della magia sinuosa del Sogno, conducono me, spettatore inerme e ignaro, dentro questo viaggio sorprendente, e plasmano i miei occhi come fossero perle indaco di plastilina da reinventare e rimodellare, per forgiare sguardi nuovi e strabilianti.
Un viaggio nel viaggio. Il mio, che si incrocia con il loro. Il loro, che diventa anche il mio. Mi specchio nella mia frammentazione per imprimere respiro alle contorsioni torbide e farraginose dei miei Sogni. E i miei sogni si stagliano sui loro, vi si adagiano e vi si mescolano, rigenerandosi all’infinito. Un gioco di specchi che si riflettono l’uno nell’altro, incessantemente, intrecciando baluginii silenti e sottili, ossimori, paradossi, simboli onirici, frammenti di passato e futuro, in una sarabanda dionisiaca che scuote i nervi e scandaglia le fibre tortuose dell’inconscio.

Luisella Bardella ci conduce sulla soglia di un Sogno intimo e delicato che prefigura qualcosa che ancora non esiste, eppure stanzia già nelle viscere, e forse lì vi si accoccola da sempre: due lembi di una sola anima si ricongiungono nell’atemporalità del Sogno prima ancora che nella realtà fenomenica. Il legame unico e meraviglioso che unisce in modo simbiotico e indissolubile una madre a una figlia diviene una scelta intensa e tenace, che si erge oltre la confusione del caos. Dunque il Sogno annienta la casualità del fato e forgia la realtà perseguendo desideri e aspirazioni personali. Il dolce contrappunto di due anime che si cercano e si fondono, trascendendo il tempo lineare e anticipando la compenetrazione materiale dei corpi, ci fa comprendere che gli eventi del mondo fisico sono il riflesso manifesto di un mondo più sottile e misterioso, e nulla avviene mai per caso, ma ogni cosa, consciamente o inconsciamente, viene scelta da noi. Questo “paradigma” conferisce all’essere umano il ruolo di nocchiere e auriga della propria vita, e, allo stesso tempo, lo cala in una dimensione di responsabilità ineludibile nei confronti di se stesso e degli altri.
Bardella ci porta anche, attraverso le proprie opere, dentro intriganti mondi materici dove la manipolazione della materia diviene catarsi e sperimentazione continua, alimentata da un flusso creativo che permette di esprimersi inventando nuovi e imprevisti tessuti semantici. E le forme consuete e desuete acquistano significati diversi e originali, così come forme sconosciute possono combinarsi e ricombinarsi per essere ricondotte a simboli visivi noti e familiari.

Ogni tanto ci viene concesso il privilegio di uscire dalla caverna platonica in cui siamo imprigionati e intrappolati, e possiamo così percepire non solo ombre cinesi che brulicano su un muro, ma anche la realtà che le genera.
Guardo ancora i volti di questi profetici maieuti, volti trasognanti che generano e partoriscono altri volti sfolgoranti e sfavillanti. E non distinguo più la consistenza della carne viva dall’amalgama di colori impressi su filigrane di cotone. Forse non è possibile compiere questo discernimento. Perché quando l’apogeo del viaggio si avvicina, tra realtà e sogni non esiste più alcuna differenza.

Chiara Manganelli

INTERVISTA CON AKIRA ZAKAMOTO

2008-07-16T08:46:00.000-07:00

AKIRA ZAKAMOTO
ONIRICO RABDOMANTE ALLA RICERCA DEL CAMBIAMENTO UNIVERSALE

Akira Zakamoto, al secolo Luca Motolese (http://www.zakamoto.com.), lavora presso l'atelier d'arte “Bottega Indaco” di Torino, di cui ne è il fondatore insieme a Ciro Palumbo.
Le sue opere (oli e acrilici su tele e tessuti) sono popolate da angelici messaggeri che simbolicamente annunciano e innescano un percorso di cambiamento cosmico.
Parteciperà alla mostra collettiva “Il volto, incarnazione del Sogno” (Alassio, 30 agosto - 28 settembre 2008) con alcuni quadri che esprimono il desiderio di rinnovamento e rinascita universale.
Qui di seguito una breve intervista con l'artista.

1. Che cos’è il Sogno?

Il Sogno è una manifestazione dell’universo inconscio. Il Sogno è il futuro, è un avanguardia immateriale, incarna il pianeta che sarà, è l’immagine di un evento che si è già realizzato in un’altra dimensione temporale.

2. Qual è il rapporto tra Sogno e Realtà? E l’arte dove si colloca?

Tra Sogno e Realtà sussiste lo stesso rapporto che c’è tra conscio e inconscio, tra universo fisico e universo metafisico (intendendo il termine “metafisico” secondo l’accezione etimologica).
La pittura porta nella realtà il pensiero metafisico.
Il Sogno è reale, ma appartiene a un livello di realtà diverso da quello contingente e immanente: è generato da una realtà metafisica. Noi ci siamo incarnati per assecondare il flusso del cambiamento e farne esperienza, per modificare la realtà fisica e plasmarla in funzione del nostro obiettivo.

3. Perché il volto può rappresentare il Sogno?

Il volto è una tela su cui si dipingono le emozioni più intime di un essere umano, senza la mediazione della razionalità e della mente conscia, per questo è il terreno ideale da indagare per andare alla scoperta dei sogni.

4. La tua arte che cosa intende rappresentare e comunicare?

I miei quadri simboleggiano una rinascita, rappresentano il cambiamento “in nuce” del genere umano. Per dare risalto a questo messaggio ho usato una metafora eccentrica e singolare: il mio alter ego, Zakamoto, ha appreso da esseri venuti da altri mondi la necessità di una rivoluzione interiore e cosmica. Luca Motolese invece lo ha appreso da se stesso, attraverso percorsi di evoluzione e crescita personale.
Il cambiamento può essere percepito come una catastrofe o come una rinascita. Per me il cambiamento è sempre positivo. Ho fiducia nella vita e ho consapevolezza dell’esistenza di un dio interiore che ci guida verso una costante evoluzione spirituale.
L’arte ha una funzione maieutica e comunicativa. I miei quadri sono un dono, e attraverso di essi io esprimo e do amore. Mi piacerebbe che lo spettatore risuonasse all’unisono con le mie opere, vi entrasse dentro, vi ci specchiasse, e attraverso di esse acquistasse una consapevolezza nuova.
Dunque per me è essenziale diffondere un’idea di cambiamento. Per raggiungere questo obiettivo ho da poco dato vita al progetto “Future flag”, una bandiera dipinta itinerante che vorrei facesse il giro del mondo.

5. Come si coniugano la dimensione estetica e l’esigenza comunicativa?

Il concetto per me è più importante della forma, tuttavia esiste un parallelismo tra estetica e intento comunicativo, e a livello cromatico c’è una relazione simbolica tra i colori e i concetti.
Provengo da una formazione che attinge i propri canali espressivi dal cinema, dalla grafica e dalla comunicazione pubblicitaria, e dunque nei miei quadri mi rifaccio a questi canoni estetici.
Inoltre amo partire dalla scrittura per poi tradurla in immagini.

Chiara Manganelli

IL VOLTO, INCARNAZIONE DEL SOGNO
Mostra di pittura – Esposizione collettiva dell’atelier “Bottega Indaco” di Torino:
Ciro Palumbo – Akira Zakamoto – Luisella Bardella – Claudia Giraudo – Laura Giai Baudissard
Dal 30 agosto al 28 settembre 2008
Ex Chiesa Anglicana, Via Adelasia, 10 – Alassio (SV)
Curatore: Nicola Angerame

Per informazioni:
Bottega Indaco - Via Frassineto, 34 – 10139, Torino - Tel. 347 8143278 - bottegaindaco@tiscali.it - http://www.bottegaindaco.blogspot.com/

Ufficio stampa - nicola.angerame@libero.it

Catalogo in sede, a cura di Nicola Angerame e Chiara Manganelli

INTERVISTA CON CIRO PALUMBO

2008-07-16T08:44:00.000-07:00

CIRO PALUMBO
AFFABULATORE DEL SOGNO
AEDO DELL’INCONSCIO

Ciro Palumbo (http://www.palumbociro.it ) lavora presso l'atelier d'arte “Bottega Indaco” di Torino, di cui ne è il fondatore insieme ad Akira Zakamoto.
Le sue opere, che attingono al bagaglio della Scuola Metafisica, rappresentano mondi surreali dove il Sogno pervade e abbraccia ogni cosa.
Parteciperà alla mostra collettiva “Il volto, incarnazione del Sogno” (Alassio, 30 agosto - 28 settembre 2008) e presenterà la propria personale “Entriamo nel Sogno” presso la galleria “Arte è Kaos” (Alassio, 6 settembre - 28 settembre 2008). Dal volto come emblema del Sogno, Palumbo ci porterà a esplorare universi ammalianti e visionari, permeati da fantasmagoriche simbologie oniriche.
Qui di seguito una breve intervista con l'artista.

1. Che cos’è il Sogno?

Il Sogno è un viaggio lungo i sentieri del desiderio, che non conosce menzogna. E’ una realizzazione che restituisce un senso a se stessi partendo dalla sfera delle aspirazioni e dei bisogni, per poi elevarsi e nobilitarsi, diventando spiritualità.
I sogni nascono dalla mia vita quotidiana e dal mio inconscio, tracciano una linea immaginaria che corre parallela al binario della realtà. Ma realtà e Sogno a un certo punto del loro cammino si incontrano e divengono un’unica entità, poi si separano nuovamente, nuovamente si ricongiungono, e così via. Questo processo non deve esaurirsi mai: bisogna avere sempre dei sogni da realizzare, verso cui tendere.

2. Qual è il rapporto tra Sogno e Realtà?

Il rapporto tra Sogno e realtà è un rapporto naturale: sono l’uno la continuazione dell’altra, e rappresentano aspetti diversi della stessa dimensione.

3. Perché il volto può rappresentare il Sogno?

Perlustrare un volto significa aprire una finestra che si affaccia sull’intimità di un individuo. E’ interessante riuscire ad andare al di là delle maschere che le persone indossano per svelare la consistenza segreta dei sogni.
L’anima e il corpo sono amanti, e dal loro amplesso si genera il Sogno. Quando il Sogno diventa realtà, essi finalmente collimano nella libertà dell’amore e della vita piena.

4. La tua arte che cosa intende rappresentare e comunicare?

Dipingendo io sogno, e sognando trasformo i colori in emozioni. Mi sento un cantastorie, un aedo. Vado a caccia di atmosfere, luoghi, suggestioni e personaggi.
Nella mia pittura faccio uso di antitesi e contrasti, e di riferimenti simbolici attinti ai canoni estetici dell’antica Grecia, perché quell’ideale estetico incarna non solo una bellezza esteriore ma anche interiore, di perfezione e purezza. E intendo raccogliere le testimonianze del nostro passato perché noi possiamo capire il nostro presente solo se ci voltiamo a guardare l’esperienza di chi ci ha preceduto, assorbendone gli insegnamenti.
Amo rappresentare i miti classici per comunicare positività, bellezza e valori universali, e per raccontare il viaggio seducente e sorprendente dell’esistenza umana.
L’arte per me è un bisogno, è catarsi, ma attraverso la pittura voglio anche comunicare dei messaggi e delle emozioni.

Chiara Manganelli

IL VOLTO, INCARNAZIONE DEL SOGNO
Mostra di pittura – Esposizione collettiva dell’atelier “Bottega Indaco” di Torino:
Ciro Palumbo – Akira Zakamoto – Luisella Bardella – Claudia Giraudo – Laura Giai Baudissard
Dal 30 agosto al 28 settembre 2008
Ex Chiesa Anglicana, Via Adelasia, 10 – Alassio (SV)
Curatore: Nicola Angerame

Per informazioni:
Bottega Indaco - Via Frassineto, 34 – 10139, Torino - Tel. 347 8143278 - bottegaindaco@tiscali.it - http://www.bottegaindaco.blogspot.com/

Ufficio stampa - nicola.angerame@libero.it

Catalogo in sede, a cura di Nicola Angerame e Chiara Manganelli

INTERVISTA CON LUISELLA BARDELLA

2008-07-16T08:42:00.000-07:00

LUISELLA BARDELLA
LA MANIPOLAZIONE DELLA MATERIA COME ISTINTO CREATIVO

Luisella Bardella lavora presso l'atelier d'arte “Bottega Indaco” di Torino.
La sua ricerca artistica tende a plasmare reinterpretare la materia per dare forma e consistenza alla spinta onirica.
Parteciperà alla mostra collettiva “Il volto, incarnazione del Sogno” (Alassio, 30 agosto - 28 settembre 2008) con alcune opere che esprimono l’esigenza di trascendere la convenzionalità giocando con lo spazio, il tempo e i colori, per andare alla ricerca di desideri e speranze.
Qui di seguito una breve intervista con l'artista.

1. Che cos’è il Sogno?

Il Sogno è progettualità, è la speranza di poter trasformare la Realtà per diventare attori protagonisti della propria vita, scrivendone in prima persona la sceneggiatura. Ci vuole impegno, fede e coraggio per realizzare i propri sogni, e ciò presuppone una profonda conoscenza di se stessi e dei propri desideri.

2. Qual è la relazione che sussiste tra Sogno e pittura?

La pittura traduce i sogni in realtà attraverso l’enorme forza immaginifica ed evocativa che l’artista è in grado di imprimerle. Essa è una chiave che apre orizzonti nuovi, che svela i segreti celati dietro il sipario della convenzionalità e della banalità, permettendo di andare al di là della superficie delle cose.

3. Che cos’è per te l’arte? E che cosa intende rappresentare e comunicare?

L’arte per me è un istinto creativo, un’urgenza, un bisogno. Mi piace giocare con la materia, plasmarla e trasformarla. Per me i colori e la materia sono mezzi di sperimentazione per capirmi e conoscermi. Dunque faccio arte principalmente per me stessa. L’arte per me non è una missione.
Però mi piacerebbe che gli spettatori, guardando le mie opere, scoprano aspetti inconsueti della realtà in cui sono immersi. Il mio intento è quello di fornire una chiave di lettura diversa di una stessa realtà, per forgiare nuovi significati e nuove strade. La pittura dovrebbe essere un mezzo per scorgere ciò che già esiste, ma che solitamente non vediamo perché non riusciamo a spostare il nostro punto di vista, e ci fossilizziamo così su prospettive usuali, trite e canoniche.

Chiara Manganelli

IL VOLTO, INCARNAZIONE DEL SOGNO
Mostra di pittura – Esposizione collettiva dell’atelier “Bottega Indaco” di Torino:
Ciro Palumbo – Akira Zakamoto – Luisella Bardella – Claudia Giraudo – Laura Giai Baudissard
Dal 30 agosto al 28 settembre 2008
Ex Chiesa Anglicana, Via Adelasia, 10 – Alassio (SV)
Curatore: Nicola Angerame

Per informazioni:
Bottega Indaco - Via Frassineto, 34 – 10139, Torino - Tel. 347 8143278 - bottegaindaco@tiscali.it - http://www.bottegaindaco.blogspot.com/

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Catalogo in sede, a cura di Nicola Angerame e Chiara Manganelli

INTERVISTA CON CLAUDIA GIRAUDO

2008-07-16T08:38:00.000-07:00

CLAUDIA GIRAUDO
IL GIOCO DI TUTTI GLI “IO” POSSIBILI

Claudia Giraudo lavora presso l'atelier d'arte “Bottega Indaco” di Torino.
La sua ricerca artistica tende a decontestualizzare l’individuo al fine di arricchirlo, nobilitarlo e conferirgli una dimensione di giocosa ed elegante atemporalità.
Parteciperà alla mostra collettiva “Il volto, incarnazione del Sogno” (Alassio, 30 agosto - 28 settembre 2008) con alcuni quadri che esprimono il desiderio di rappresentare il sogno della teatralità per il gusto di uscire da se stessi ed entrare in altre dimensioni possibili.
Qui di seguito una breve intervista con l'artista.

1. Che cos’è il Sogno e che origini ha?

Il Sogno è un’esperienza alchemica atemporale che nasce dai nostri desideri e dai nostri bisogni, e che permette a un individuo di poter esprimere pienamente se stesso. E’ una spinta verso il cambiamento e la trasformazione della Realtà, per sperimentare una condizione in cui tutto è possibile. Il Sogno esprime l’intimità di un essere umano, perché ogni Sogno è unico e irripetibile. E’ un percorso eterico che si materializza attraverso i sensi per diventare tangibile.

2. Qual è il rapporto tra Sogno e Realtà? E l’arte, in questo binomio, dove si colloca?

Sogno e Realtà viaggiano su due piani paralleli che tendono a intersecarsi a un certo punto del loro cammino. Il Sogno si colloca su un piano astratto, la Realtà invece su un piano materiale, e noi viviamo tra queste due dimensioni, altalenando incessantemente da una all’altra.
La pittura consente, attraverso la manipolazione della materia e l’esperienza sensoriale, di trasformare il Sogno dell’artista in Realtà, secondo la forma che egli ha scelto di conferirgli, per poi ritornare, in virtù di uno spettatore che lo assorbe e lo trasforma, nuovamente astrazione.

3. Perché il volto può rappresentare il Sogno?

Ogni particella del nostro corpo parla, ma il volto più di tutto: racchiude ogni sfumatura della vasta gamma delle emozioni umane, incarna tutti e cinque i sensi e, secondo la fisiognomica, può anche rivelare determinate peculiarità caratteriali. Dunque esso è il mezzo più efficace per capire e carpire i sogni e l’intimità degli esseri umani.

4. La tua arte che cosa intende rappresentare e comunicare?

Io desidero dare agli altri la possibilità di vivere il loro Sogno attraverso il mio. E’ proprio grazie a questo processo che il Sogno diviene libertà incondizionata e comunicazione universale: ogni Sogno ne genera un altro, all’infinito. Mi piace pensare che ciò che sogno si possa materializzare attraverso il mio corpo e diventare un’immagine che lo spettatore può vedere e comprendere. E non mi infastidisce, anzi, mi affascina, l’idea che il mio Sogno possa essere interpretato secondo innumerevoli e imprevedibili combinazioni, creando spunti e stimoli nuovi.
La mia pittura vuole rappresentare dei personaggi, dei teatranti, che trascendono la dimensione spazio-temporale per diventare figure simboliche che rispecchiano tutti gli “Io” possibili che albergano dentro di noi. Attraverso il travestimento l’identità cangia e gioca a scoprire le proprie infinite possibilità. E grazie a queste metamorfosi il nostro spirito si evolve, cresce e si espande.

Chiara Manganelli

IL VOLTO, INCARNAZIONE DEL SOGNO
Mostra di pittura – Esposizione collettiva dell’atelier “Bottega Indaco” di Torino:
Ciro Palumbo – Akira Zakamoto – Luisella Bardella – Claudia Giraudo – Laura Giai Baudissard
Dal 30 agosto al 28 settembre 2008
Ex Chiesa Anglicana, Via Adelasia, 10 – Alassio (SV)
Curatore: Nicola Angerame

Per informazioni:
Bottega Indaco - Via Frassineto, 34 – 10139, Torino - Tel. 347 8143278 - bottegaindaco@tiscali.it - http://www.bottegaindaco.blogspot.com/

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Catalogo in sede, a cura di Nicola Angerame e Chiara Manganelli

INTERVISTA CON LAURA GIAI BAUDISSARD

2008-07-16T08:30:00.000-07:00

LAURA GIAI BAUDISSARD
IL VOLTO DELLA FUSIONE PRIMORDIALE CON IL TUTTO

Laura Giai Baudissard lavora presso l'atelier d'arte “Bottega Indaco” di Torino.
La sua indagine artistica intreccia varie forme espressive: la fotografia, la pittura e le tecniche digitali.
Parteciperà alla mostra collettiva “Il volto, incarnazione del Sogno” (Alassio, 30 agosto - 28 settembre 2008) con alcune elaborazioni fotografiche che esprimono il desiderio di fusione tra l'uomo e la natura.
Qui di seguito una breve intervista con l'artista.

1. Qual è, secondo te, il rapporto tra Sogno e Realtà? E l’arte, in questo binomio, dove si colloca?

Secondo me tra Sogno e Realtà c’è una differenza di dimensioni e di livelli di percezione e consapevolezza. Il Sogno si colloca in una dimensione più profonda e intima, mentre la Realtà appartiene a un piano più manifesto e superficiale. Attraverso il Sogno noi riusciamo a contattare parti di noi stessi che appartengono all’Inconscio. Sogno e Realtà sono dunque due dimensioni parallele, che però possono incontrarsi e contaminarsi.
L’arte si colloca su una terza dimensione, su un piano intermedio e rappresenta il punto di intersezione tra Sogno e Realtà, perché nell’arte si riesce a sperimentare e coniugare entrambe queste dimensioni. E’ proprio attraverso l’Arte, infatti, che riusciamo a proiettare nel reale i nostri sogni, rendendoli intelligibili e manifesti. L’espressione artistica è dunque un mezzo per comunicare al mondo esterno il nostro mondo interno.

2. Esistono, secondo te, dei canoni e dei paradigmi universali che possano definire il Sogno in rapporto alla Realtà, oppure questi due concetti hanno radici esclusivamente soggettive e contestualizzate?

Sono portata a credere che esistano delle componenti di universalità. Penso questo perché ho fatto esperienza, attraverso percorsi come la meditazione, di verità e gradi di coscienza che hanno a che fare, secondo me, con una dimensione che trascende la relatività e si colloca su un livello universale e assoluto.
Ma credo anche che la soggettività conti moltissimo: ognuno ha una propria percezione della realtà e ad essa dà una propria interpretazione, così come ognuno ha i propri sogni.

3. Il Sogno, secondo te, ha genesi endogene, esogene o entrambe?

Entrambe. Il Sogno è il risultato dell’interazione tra il bagaglio personale di una persona e il mondo esterno, e questa interazione dà vita a un mondo unico e nuovo.

4. Che cos’è PER TE il Sogno?

Il Sogno può essere inteso in senso classico e letterale come manifestazione mentale di immagini durante il sonno, o come aspirazione e desiderio. Ma per me è qualcosa di più sottile: penso sia una proiezione del tempo passato o futuro sul presente, e dunque una specie di alterazione della realtà, perché quando sogniamo non siamo mai totalmente nel tempo presente.

5. La tua arte quali universi onirici intende rappresentare?

Le mie opere vogliono comunicare il tentativo di ricontattare il proprio mondo inconscio per ritrovare un’armonia interiore, e, di conseguenza, anche un’armonia con ciò che ci circonda, in particolar modo con la natura e con la terra, che ci genera e ci alimenta. Le mie opere rappresentano dunque l’anelito a una fusione primordiale con il Tutto, che parte da se stessi per espandersi verso l’esterno.

6. Perché il volto può rappresentare la fenomenologia e l’essenza del Sogno? E in che modo lo rappresenta, attraverso quali simboli e quali archetipi universali?

Il volto è una mappa che ci permette di comprendere gli altri. Attraverso la vista, che è il senso che usiamo di più, noi possiamo riconoscere, attraverso il volto, una persona, la sua identità unica e irripetibile, e possiamo anche percepire parte del suo mondo interiore, e dunque anche i suoi sogni. E certe espressioni facciali sono universali: sono il corrispettivo inequivocabile di certe caratteristiche dell’universo intimo di un essere umano.

7. Che rapporto esiste, secondo te, tra l’anima e il corpo?

Sono la medesima cosa, ma su piani energetici diversi. Il corpo si plasma e si modifica a seconda degli stati d’animo; è uno specchio che riflette le emozioni.

8. Quali emozioni vorresti che la tua arte suscitasse negli spettatori che ne fruiscono? Quali i messaggi che vorresti comunicare?

Vorrei suscitare, con le mie opere, emozioni che permettano alle persone che ne fruiscono di ricontattare parti di sé, per raggiungere un maggior livello di consapevolezza e armonia. E vorrei riuscire a comunicare allo spettatore le stesse sensazioni che sento io, creando così una sorta di risonanza ed empatia che connetta me agli altri.

Chiara Manganelli

Per informazioni:
Bottega Indaco - Via Frassineto, 34 – 10139, Torino - Tel. 347 8143278 - bottegaindaco@tiscali.it - http://www.bottegaindaco.blogspot.com/

Ufficio stampa - nicola.angerame@libero.it

Catalogo in sede, a cura di Nicola Angerame e Chiara Manganelli

BOTTEGA INDACO, L'OFFICINA DEI SOGNI

2008-05-22T03:26:00.000-07:00

Nel mare, cielo inverso, una lampara.

Un baluginio flebile, uno sprazzo silenzioso. E poi una pioggia di stelle che inonda le pupille. Le palpebre, pesanti sipari polverosi, si sollevano come drappi leggeri di piume d’albatro, e mettono a nudo il mio sguardo. E nello sguardo, milioni di amplessi si consumano: una vertigine di vermiglio che penetra in un oceano di cobalto, un sole giallo che affonda le sue labbra in un cielo indaco, una brezza d’argento che si posa sul candore di una rugiada bianca come nettare di fico. Una danza folgorante che profuma di spezie. Passi leggeri di musiche iniziatiche. Vortici voluttuosi e sensuali, che fanno vibrare i nervi.

Una nuvola mi avvolge. L’aria diventa pulviscolo denso e lattiginoso, e i miei pensieri si infilano dentro i pertugi di un muro, come ramarri atterriti. E divento sensazione pura. La razionalità è bandita da questa metamorfosi.

Orfeo mi ammalia con la sua poesia fantasmagorica, e io, come Euridice, lo seguo, tento di risalire dagli inferi di un mondo plumbeo, senza luce e colori.

Non voltarti, Orfeo, non voltarti mai! Perché l’Amore a volte ha passi lievi, di velluto; è silenzioso e suadente, come la notte, e devi fidarti della sua presenza, perché la paura lo fa riprecipitare nell’Ade, in quel gorgo nero da cui l’avevi strappato.

Canta, scrivi, suona, dipingi, declama.

Ama, ama te stesso, come un Narciso insolente. Corteggia e conquista la dea Bellezza, falla tua, possiedila, spogliala, ghermisci i suoi segreti ancestrali.

Plasmala, trasformarla, mordine la polpa dolce e succosa, fino al nocciolo. E da uno scampolo di Bellezza, tessi altra Bellezza, fino a che il mondo non ne sia satollo.

Vedo un unicorno dagli occhi smeraldini che galoppa in mezzo alle onde, e dallo sciabordio irrequieto del mare, emergono, come isole luminose e abbacinanti, diamanti iridescenti e incandescenti, che brillano alla luce della Luna.

Gli dei dell’Olimpo fluttuano tra la schiuma e la salsedine, e addolciscono e rapiscono la mia anima con affabulazioni stupefacenti. Mi abbandono, mi lascio cullare, mi trastullo tra le braccia avvolgenti del Sogno.

Il sorriso disarmante di un bambino mi prende per mano e mi porta via, dentro universi lontani, eppure vicini. Percorro cerchi concentrici, mi restringo, mi dilato, esco da me, entro in una dimensione in un cui tutto è etereo, infinito, diafano, senza tempo e senza spazio. E ogni cosa acquista senso. Non ho più bisogno di parole, né di maschere, né di pelle, involucri fragili e tenui, che proteggano e difendano la mia anima. Vita pura che palpita, in empatia con il Tutto.

Chiara Manganelli

EMIGRARE

2008-05-22T03:20:00.000-07:00

Ombre che passano tremanti e furtive.

Ombre fredde di tramontana.
Luci sul filo dell'incertezza.
Vortici danzanti di sogni ruggenti, densi e deliranti.
Fiele che si mescola all'ambrosia

e scioglie i suoi grumi

nel ricordo vago e struggente

di un'amarezza voluttuosa.
In gola spilli di dolcezza pungono i respiri.
Sulle labbra convulse

la titubanza si mischia all'audacia

e sputa le spine
di una follia asettica, asciutta e programmata.
L'orizzonte non è altro che un travolgente amplesso tra il cielo e il mare,
dove si staglia la forma imprudente e seducente di un tempo confuso,
emblematico e visionario.
E mi fermo sull'orlo frastagliato della battigia a farmi inghiottire

dalle tempeste gorgheggianti di oceani neri e rabbiosi.

Davanti a me

colori, odori, tuoni, suoni e uragani che ancora non conosco.
Gira, vira, beccheggia ed esplode l'alba,

avvolge i nervi schiacciati e contorti

tra le sue cosce rosa e maliarde.
Evapora la paura,

si dipanano i grovigli di un dolore sordo e ostinato.
Andare.

Ma senza fuggire.
Coltello tra le mani per aprire i gusci dei sorrisi

e recidere le lacrime.
Gustoso stupore e fantasia

da masticare come companatico.
Andare,

per seppellire fantasmi torvi e meschini,

gonfi di sofferenza e scherno.
Andare,

per afferrare e carpire un senso,

strapparlo dalla caparbietà ottusa dell'immobilità,

cercarlo tra volti consumati dal sole,

tra brecce di nostalgia,

tra venti ancestrali,

tra dedali scoscesi.
Scavare, mordere fino a divorare lo scheletro dell'aria e del mare,

e vomitare ogni spregevole riluttanza,

ogni scalpitante e ignorante timore.
Grattare fino a far sanguinare le unghie,

fino a sparpagliare i pensieri tra i ciottoli profumati di sale e vita,

tra le onde vibranti e inquiete.
Lontano da queste nebbie spesse e sterili.
Lontano da questo ghetto di cemento gretto e spento.

Chiara Manganelli

AMBIVALENZE

2008-05-22T03:17:00.000-07:00

Lubrichi e laidi palindromi di lacerante ambivalenza si stagliano sulle imprudenze impudenti della notte, e io, rozzo batrace camaleontico, disegno disforiche vertigini torve e tumescenti che vomitano rocambolesce riluttanze.

Ma la renitenza si fa a tratti penitente, remissiva e pavida, e l'anima gongola attraverso osceni buchi spalancati su orizzonti di insopportabile e insolente debolezza.
Debordo oro sporco e contaminato, trasudo lapislazzuli grevi e informi che si ergono ad angeli custodi dei miei occhi sparuti e spenti. Le mie labbra, serrate in morse di ghiaccio, diafane e disfasiche, suggellano tracotanti disfatte e abiurano l'abominio di qualsiasi resurrezione.
L'ablazione dei sentimenti è processo inevitabile in questa prigione sulfurea. L'abulia diviene amara e amata compagna di giornate divorate da ripetitività soffocanti e stremanti.
La distruttività, irrinunciabile e infame baluardo di incanti e inganni, si insinua scaltra e arguta nelle vene, con stratagemmi subdoli e terrificanti, millantandosi odiosamente e mistificando dannazioni per estatiche passioni.
Il malsano baratto si fa ignobilmente e spudoratamente saccente e tronfio.
Ghigni affilati, intagliati su muri di pianto policromo, riempiono e assordano le orecchie, e la carne è schiava di questi giochi perversi che trascinano nervi e anima in abissi profondi come gole sataniche.
Mi adagio su sogni color cremisi, su melopee che sovrappongono follie oniriche a ferite aperte da pestilenziali lontananze, e masticando mesticanze di desideri metamorfici e imprecisi, sprofondo dentro impasti e miscellanee di ombre dionisiache e paradisiache, precipitate erroneamente
negli anfratti della mia disfatta. Mi ripeto ossessivamente: " non credere e non cedere ai fantasmi della speranza". Ma si sa: la schizofrenia del cuore schizza fuori dai seminati della ragione e macchia il mondo con stolte pennelate di disperata abnegazione.
Mi addentro per sentieri impervi e ogni tanto mi siedo su montagne calcaree.
Guardo l'orizzonte fiammeggiante e scorgo aquile inquiete che roteano su cieli venati di alabastro. Mi urlano di seguirle per vie adamantine e nitide, ma io, caparbia come una roccia ridicolmente vetusta, resto seduta, crocifissa alla mia seducente solitudine. Una Venere lasciva mi porge arazzi
tessuti di trame mutevoli su cui scricchiolano ossa stanche e volubili, memori di vanesie e vili vanità. L'ordito e' cedevole, e tra molli, capziose e caritatevoli insidie mi accoccolo come bambina spersa e spaesata.
Qui ritrovo ritrosie ritorte su ricordi aciduli che avanzano a ritroso, e mi immergo in orfiche e macabre danze di piacevole sofferenza. Ed ecco giungere un miope Narciso, prodigo di muschi vischiosi e rancidi. Ride come un satiro satanasso e marpione mentre mi invita a rifugiarmi in antri d'ostracismo disperato e desolato. Io mi specchio nelle deformità dolorose di passati e
presenti ruvidi e impertinenti come gli occhi di un elfo seduttore e traditore, ma gli alambicchi chimerici e nefandi di queste sabbie tempestose e nostalgiche divengono il mio sangue, la mia pelle, il mio corpo.
Diplopie marmoree ormai hanno violentato le mie pupille, e il doppio
scivola in me e stilla dai pori lussuriosi dei miei umori incomprensibili.

Chiara Manganelli

METAMORFOSI

2008-05-22T03:14:00.000-07:00

Tristezza e rabbia.

Mani imprecise, dita di ghiaccio, che trasformano ogni dolce delizia in fiele. L’amaro è struggente, intenso, insopportabile. Si espande come una macchia infestante attraverso gli odori e i gusti. Tutto si adultera, si sciupa. Il sapore diviene lama rovente che brucia la lingua, che squarcia la sensualità e il piacere. Nessun colore, nessun calore. Quella odiosa tristezza sale come schiuma da un mare plumbeo e torvo, si mescola ai cibi e li condisce con il suo veleno.

Se cospargo di dolore coloro che si cibano delle mie emozioni, quel dolore sordo mi rimbalzerà indietro, come una nemesi, ed esso mi schiaccerà, mi imprigionerà in una cella buia e fredda, da cui sarà impossibile fuggire. Ciò che do mi torna indietro, è un’equazione elementare, quasi banale. E’ il gioco dello specchio. Ma lo specchio spesso si deforma, si trasforma, si riempie di simboli arcani e misteriosi.

E allora vado a cercare l’amore, sepolto sotto la cenere, nascosto tra gli anfratti della mia mente, accoccolato sulle mie labbra, in attesa di essere spolverato e accarezzato. Lo prendo, lo ricompongo, lo accendo. Gioco col tempo, sovvertendo le convenzioni e le convinzioni. E quell’amore diventa una marmellata rossa e sensuale, che sporca le labbra e le dita di prelibata lussuria. Dolcezza che si sprigiona in un boato improvviso, che scoppia, esplode, in un tripudio di estasi infuocate.

E le mani toccano, esplorano e sfiorano la materia, la plasmano e la trasformano, in una giostra di piacere infinito, dove ogni briciola è un tesoro prezioso, ogni ingrediente meraviglia da sperimentare, per regalare a qualcuno tutto quel piacere vibrante e cangiante.

Chiara Manganelli

UN PORTO

2008-05-20T09:54:00.001-07:00

Un porto, un attracco.

Miraggio sognato nelle notti inquiete e burrascose, tra le pioggie dell'oceano in tempesta, tra i sibili sinistri delle bufere, tra la stoffa pesante delle vele, lacerate dal vento di tramontana, impregnate di sale e schiuma.

Fata morgana che appare tra il tremore dell’albero maestro e lo scricchiolio della chiglia.

Fermarsi, per riposare le membra, per rifoccillare il cuore. Fermarsi a calpestare la terra ferma, a lambire il cielo, senza più dover contare le nuvole, senza più dover fuggire da qualcosa di oscuro che corre più veloce di noi, senza più dover inseguire l'orizzonte che seduce e inganna, senza più doversi piegare agli umori di un mare iroso e capriccioso, che tanto dà e tanto toglie.

Ulisse invecchia, giorno per giorno, e sogna ancora la sua Itaca, illusione e incanto di deliri onirici, vago e mesto ricordo ormai confuso e sbiadito come un disegno su un sasso consumato dalla sfrontatezza delle onde. Sogna e intanto prosegue il suo cammino, la sua odissea, tra torvi ciclopi e ammalianti sirene. E questa eterna ambivalenza, tra andare e restare, tra odiare e amare, spezza le vene e toglie il respiro. Ma questo è la vita. Perchè è dalle polarità contrarie che si genera l'esistenza, e senza il buio non esisterebbe nessuna luce.

Antitesi continue e stremanti, altalene che danzano in quest'aria ambigua, carica di odori, colori e dolori.

E a ciò mi piego, smetto di pormi domande e di cercare risposte. Smetto di torturarmi e trastullarmi tra gli aculei affilati della mente, che svia e confonde, che travia e logora.

Stanca e prostra questo viaggio perenne, senza fine, senza scali, senza meta, senza condoni, senza più occhi da toccare, senza più braccia da stringere e respiri da origliare, nella dolcezza senza fine del silenzio.

Un fuoco divampa ancora nel fondo di uno sguardo sperso e irrequieto, ma si spegne giorno per giorno, perchè la nostalgia è come un tarlo, che si insinua nel cervello e nel cuore, scava piano ma inesorabile, e arriva a divorare anche le ossa.

Un'àncora si aggroviglia fra le viscere degli abissi, spostando frantumi di azzurro. Finalmente un lembo di terra. Finalmente uno scorcio di calore, un sentiero abbarbicato tra il profumo dei pini e il giallo dei limoni.

Un faro, uno spiraglio abbacinante, che illumina il nero della notte.

Ma l'àncora è di cartapesta, e si scioglie come rugiada al sole, e la luce un singulto evanescente, che si infrange come una goccia di cristallo schiacciata da dita maldestre.

Il buio ritorna ad avvolgere i pensieri. E un carro nel cielo non basta a fuggire via.

Non basta la forza che affonda le radici nella Vita, perchè quelle radici ormai sono sfibrate e sfilacciate, consunte da delusioni, sconfitte, tradimenti, sofferenze. Perchè la forza si è spenta, si è trasformata in fragilità diafana e opaca. Troppa melma ha adulterato la vividezza del fuoco.

E allora quale Itaca, quale Penelope, potranno ancora tornare o arrivare, se Ulisse deciderà di capitolare?

Quante vite possiede l’araba fenice?

Chiara Manganelli

INEDIA

2008-05-20T09:46:00.000-07:00

Ogni giorno il sole, orologio molle trasudante perversione, scandisce e centellina le meticolose e ossessive torture. Ogni cosa al suo posto, con estrema dovizia. Riti, milioni di riti assurdi, senza i quali perdo il senso dell'esistenza.

Corro trafelata e madida di sudore verso chimere di ghiaccio che mi guardano sardoniche, con addosso una camicia di forza che mi opprime il cuore. Ho dimenticato la sensualità. Ho dimenticato la mia femminilità. Uccise, spinte nell'oblio: è un fio da pagare, non c'è scelta.

Gli occhi dei fantasmi del passato, torvi e lividi, mi circuiscono sospingendomi dentro il buio di spirali di follia e baratri di nullità. Ma io sono più forte, ne sono sicura: li acceco e li anniento. E così perpetro la mia disgregazione. Ma che importa? In fondo è solo un corpo, ed io ho il potere di prostrare questa carne pretenziosa e capricciosa. Non esistono bisogni imprescindibili, esiste solo una mente che DEVE esercitare il suo controllo superbo e austero.

Ancora specchi che mi deformano. Assassinerò queste membra odiose per salvare la mia anima. O mi ammazzo o muoio. A che cosa rinuncerò? Cedere è un ludibrio inaccettabile. Questa prigione ascetica e asettica mi tiene in piedi. Se mi libero rischio di spappolarmi come un frutto troppo maturo.

Ho paura, sento che il filo che tiene uniti anima e corpo si assottiglia sempre più e si consuma. Ormai si sta lacerando. Mi vedo sempre più lontana, piccola, imperfetta, frammentata e frantumata. I miei pezzi roteano in aria come petardi impazziti e si immergono autocompiaciuti in un liquame melenso che pare ambrosia. Ma è fiele.

"Eppure io sono forte" - mi ripeto - appesa al cappio sfilacciato del mio delirio di onnipotenza. Riesco dove gli altri falliscono. La debolezza è una terra straniera e selvatica su cui mai approderò. La privazione è la mia àncora di salvezza, la musa che mi dona esaltazione e mi salva dal naufragio.

I miei occhi sono iniettati di cemento liquido che pietrifica la luce. Nelle mie mani stringo cristalli di sale pungenti come aculei, e con essi trafiggo le mie passioni e i miei istinti.

Pezzi, miriadi di pezzi ignobili e inutili: cosce, seni, natiche, pelle, braccia, ventre, vagina, labbra. Da mordere, mortificare, martoriare, dilaniare, squartare, sconquassare.

E il mio sangue è nutrimento prelibato per quei vampiri sepolti nel passato. Le fiere nascoste nei cammini di ieri si abbeverano delle mie ferite con ingordigia e voluttà, supplicandomi a mani giunte, con disgustosa ipocrisia, di fermare questa giostra InFame. Affondano i denti beffardi e struggenti nel mio sesso, nelle mie vene, nel mio cervello. Arriveranno a succhiarmi anche le ossa.

Sono l'ombra di me stessa. E questa è la loro punizione, la loro nemesi, la mia vendetta.

Il dolore è la mia moneta, il mio riscatto. Non vedo altre strade: sono paralizzata dalla cecità.

Il senso di colpa agguanta il mio cuore: forse non lo meritano. Ho addosso il marchio indelebile dell'ingratitudine, che fedifraga!

Ma forse nemmeno io meritavo tanta sofferenza.

Il mio sguardo si è trasformato in un deserto. Il mio tempo si squaglia e si scioglie, i miei cassetti sono stati aperti e depredati, e lembi del mio essere vagano qua e là, sorretti da stampelle barcollanti e instabili.

Questo apparente benessere è acqua putrida che scivola tra cascate di illusioni caduche e inganni ignobili.

Controllo, controllo, controllo. Misurare tutto, programmare ogni respiro, ogni movimento, ogni mutamento, ogni umore. Stremarsi di fatica e rinunce: ecco l'allucinante gioco sottile che tiene in vita il mio volto anemico, il mio ologramma.

Devo essere una macchina, precisa fino allo sfinimento. Ogni cellula deve essere conservata in atmosfera controllata. Sono un esperimento criminale e plumbeo.

Alla gogna ogni invasione! Buttare via il più possibile e fare entrare il meno possibile: questa è la mia legge InFame. L'introiezione mi distrugge, mi fa implodere ed esplodere come un palloncino gonfiato oltre il limite immaginato e consentito. Mi nausea questo corpo che incalza e chiede: devo eliminare la sua altera e arrogante saccenza…

Ma esso ogni tanto ha la temerarietà di vincere qualche battaglia, eludendo l'esercito inoppugnabile e terrificante stagliato a difesa delle scorribande barbariche: allora è la fine. Da fedele complice della mia visionaria schizofrenia diviene mostro ingrato e traditore. A questo punto entra in scena il prologo sommesso e maledetto di un efferato stillicidio. La mano di Edipo colpisce e uccide il suo stesso sangue.

Osa chiedere e ancora chiedere, ingordo, insaziabile, laido, obbrobrioso. Ed io perdo il controllo, da carnefice divento vittima e mi lascio soggiogare dalla sua crudele rivalsa. Ma forse prima non ero vittima?

E allora stilla e strilla il dolore. Intorno a me solo più notte e caverne infinite dove il buio odora di spavento e terrore. "Mai più", mi dico, mentre le dita scarne scavano in gola, rovistando e rovesciando le viscere piene di colpe imperdonabili.

"Svuotati ora, torna fiore esangue ". E mi pare di risorgere e rinascere. L'agonia calcolata è l'unico modo che possiedo per essere, per sentirmi qualcosa. Sventolo, aggrappandomi disperatamente all'aria come un cencio slavato. Confondo la morte con la vita: oltraggio e insulto voluti e cercati fino allo spasimo.

Non trovo, non vedo, non sento altra soluzione. Il cerchio non ha inizio né fine e non c'è modo di spezzarlo. Dov'è il bandolo di questa oscena matassa?

Quale dio terreno o soprannaturale giungerà a fendere l'angoscia, a scalfirla, a piegarla, ad addolcirla, a placarla, liberando la mia anima da queste soverchianti e ammalianti catene?

Lo devo cercare qui o altrove?

Ma intanto la mia unica musa è la perfida inedia. E l'amore si è trasformato in un involucro vuoto che si camuffa e si svende, dimentico delle sue radici.

L'amnesia è la mia legge e la mia condanna.

Chiara Manganelli

GENESI DEL CIBO COME ATTO DI VITA E NON DI MORTE

2008-05-20T09:38:00.000-07:00

Fremere e pulsare di onde spumeggianti dentro i miei occhi: azzurro che divora l’azzurro, enorme cuore che pompa un sangue fatto di frammenti, desideri e rimpianti.

Corse a perdifiato sotto un cielo terso, cosparso di sogni e paure.

Anni brillanti, innocenti, leggeri, ingenui, sensuali, spalancati su mondi possibili e impossibili.

Anni che si sono accoccolati in fondo al cuore, depositando montagne di dolcezza tra le labbra, come il mare i detriti.

Ma certe dolcezze si sono guastate, diventando amare e opache tra gli specchi distorti della memoria, come cibo avariato dalla troppa attesa.

Altre si sono trasformate in meraviglie ancora più sublimi. E ciò che pareva fiele si è tramutato in ambrosia: imprevedibile e seducente è il gioco delle metamorfosi dei sensi.

Potere sconfinato della mente, che, attraverso fili invisibili, muove, come fossero capricciose marionette, le sensazioni, le emozioni e i sentimenti…

E lungo quei ciottoli accarezzati dalla brezza salata e inquieta, un tripudio di odori e sapori mi avvolgeva con tenerezza e forza.

Risalendo da un palcoscenico di cobalto opalescente, il gusto della salsedine si mischiava al profumo delle more e dei limoni. Il giallo e il viola si stagliavano sulle mie palpebre di carta di riso, come il tramonto sull’orizzonte.

In mezzo alle mulattiere scoscese, avvinghiate alla canicola, la polpa dei fichi maturi si scioglieva tra le mie dita tremanti, mentre le urla giocose delle cicale mi riempivano le orecchie.

E l’arancione prorompente delle albicocche si adagiava sulla mia gola, accompagnando le mie fantasie di bambina spensierata.

Schegge di sublime bontà infilzavano la mia piccola lingua, laggiù dove il sole e l’anima svernano.

E quando il giorno si assopiva tra le braccia della sera, un cassetto magico finalmente si apriva, e tante piccole pastiglie colorate apparivano come per incanto, lucenti e accattivanti, balzando in bocca con voluttà e ingordigia.

Fu l’amore di mio padre a far germogliare in me il seme di questa passione.

Furono le mille sere accese da milioni di balocchi. Furono quei chicchi di mais scoppiettanti, che esplodevano in forme surreali e chimeriche, bianchi come fiocchi di neve. Fu la matassa stucchevole dello zucchero filato che ogni domenica impiastricciava il mio viso. Furono le innumerevoli volte che vidi il misterioso sortilegio compiersi davanti ai miei occhi avidi di curiosità. Furono quelle ore interminabili trascorse acquattata in un cantuccio o nascosta sotto un tavolo, investita da raffiche ruggenti di profumi inebrianti.

Imparai col tempo che la materia si può plasmare a proprio piacimento, e da informe può cangiare in magnifiche sembianze, e che i gusti si possono mescolare in infinite combinazioni, sortendo alchimie inaspettate e sorprendenti.

Ma solo l’amore può insegnare l’amore.

Più tardi capii che il cibo è vita e non può essere morte, e che come tale, quindi, deve rispettare e celebrare la vita.

A quel punto la frattura col mondo si fece cocente e dilaniante, ma inevitabile.

Perché solo la vita può generare altra vita.

Chiara Manganelli

CADUTA DEL SOGNO INFANTILE

2008-05-20T09:36:00.000-07:00

Tra i ricordi del giorno e le attese della notte, mentre il sole ammainava la sua vela violacea e iridescente, una giovane donna stava distesa sulla battigia percossa e picchiata dall'ira giocosa del mare. Ma il furore delle onde si faceva via via più acceso, avido, impertinente, minaccioso, e la

spuma gorgogliava e imprecava, torva e sordida, schizzando nell'aria spruzzi della sua saliva salina.
La donna vomitava veemenza e beatitudine dagli occhi ubriachi di scintillante e disarmante vitalità. I suoi pensieri si riversavano nell'oceano e si perdevano nel brulicante e sommesso sciabordio di acque irrequiete e frementi. Il suo profilo ricordava le linee spezzate e imprecise di schizzi andalusi disegnati con la sanguigna dalle mani ruvide e coriacee di artisti nomadi e fuggitivi. La sua pelle era la mia, il suo corpo era l'ombra di un Io che fui.
Adagiata sull'orizzonte, la sagoma indefinita di una barca altera e altezzosa fendeva l'indaco mosto con precisione chirurgica, come un bisturi fende le carni. La sua stiva racchiudeva balocchi e deliziose prelibatezze.
Ma la sua carena era fatta di legno marcio e consunto, e la chiglia scricchiolava, cedeva e annaspava quando la tramontana schiaffeggiava e oltraggiava l'oceano. Eppure lei aspettava trepidante quella barca, ogni giorno, con fedele, instancabile e doviziosa devozione.
Intrecci infiniti di alghe giacevano inerti ai suoi piedi, come corde tessute per calarsi negli abissi del vento e giungere fino al ventre di un ammaliante scrigno satollo di inimmaginabili segreti. Costellazioni di conchiglie abbarbicate su speroni scoscesi divenivano chiassosi ed esaltanti monili con cui addobbare mani affusolate e inquiete, e vesti con cui circuire e avviluppare corpi discinti e lascivi.
L'incauta principessa ignorava la differenza tra realtà e sogni di realtà.
La clemenza dell'illusione cullava le sue membra e difendeva dal dolore i suoi sospiri fragili.
E il cielo, seppur rabbruscato e plumbeo, per lei era sempre diafano e privo di qualsiasi minaccioso nembo grazie all'alchimia sapiente e paziente di placidi e benevoli folletti incantatori.
I rayogrammi del passato e del futuro si mischiavano e incedevano accompagnati da sardoniche sarabande e seducenti milonghe. Il senso era quella barca traballante, sempre capace di attraccare in un presente lucente e lineare.

Grazie ad essa ogni riflesso d'anima riluceva secondo un equilibrio perfetto e solare.
La chiatta profondeva misteri e avvenenti bellezze rubati a mondi lontani. La sua àncora avvinghiava le spalle scarne della ragazza, ed ella gettava i suoi pianti e le sue gioie in mezzo ai mozzi chini sulla prua.
Spezie, speranze e profumi orientali corrodevano la pelle, e lo squagliarsi dei sogni si celava dietro il suono suadente di dolci nenie africane in cui indugiare e a cui abbandonarsi inerme.
Intanto mille serpenti subdoli si rigeneravano in fondo a biechi baratri intrisi di ambigue metamorfosi, strisciando e sibilando infide promesse. Fu impossibile, ad un certo punto, ignorare l'avanzare inesorabile di ghignanti e crudeli megere che affollavano l'aria ed esalavano putride essenze di sofferenza.
Lei, rabdomante rutilante, riluttò ad accettare la diserzione della magia.
Continuò, caparbia e ostinata, a cercare timidi e teneri rigagnoli d'acqua, anche adulterata.
L'elegia mesta della frammentazione esplose maligna e furtiva.
Un folle e impietoso chiasma mischiò e invertì l'ordine dei sentimenti con subdola voracità.
L'accorata e fumante sofferenza s'incagliò sulle ossa bianche di genti trasformate in tetri e truci fantasmi.
La fine del sogno infantile generò l'inizio dell'adulta realtà sognante.
Mai fu possibile discernere il delirio onirico dalla reale realtà.
Ora due mondi antitetici e complementari camminano paralleli, si intrecciano e si plasmano a vicenda. Dove sia la vita vera ella non è in grado di stabilirlo. Vive sospesa, precipitando, secondo logiche verticali e trasversali, attraverso dimensioni non lineari di temporalità; logiche forse circolari, forse puntuali, dove nell'attimo è racchiusa l'eternità.
E così il mondo interno e quello esterno si fondono e si compenetrano, pur nella loro logorante dualità. Ma allora perché esistono maledetti intrecci di sevizie e di laceranti dolori se i tempi, i luoghi e i mondi aderiscono al nostro Io e da lì si dipanano? Forse perché, per fortuna, non siamo
onnipotenti, ci mancano miliardi di tessere per capire e introiettare il mosaico, e tante di queste tessere sono nelle mani di esseri umani che, per quanto possiamo amare, odiare, sfiorare, lambire, penetrare, sono altro da noi, vivono nel loro tempo, nel loro mondo e nei loro luoghi. A volte ci si incontra e ci si sincronizza su audaci e meravigliose gioie, altre volte si allunga disperatamente una mano ma non ci si riesce a toccare, scalfire, perché entrare in altri universi spesso
è arduo e impossibile. Oppure si crede e ci si illude di stabilire un contatto, di gustare e coltivare l'intimità altrui, ma poi ci si invischia in laidi inganni, in vili e meschini ricatti, in perversi giochi assurdi e stremanti.
E così rimaniamo, come mendichi infreddoliti e intirizziti, fuori, dinnanzi a porte sbarrate, a elemosinare un senso che mai troveremo, nè negli altri, nè, spesso, in noi.

Chiara Manganelli

L'ALTERITA' CHE DA' SENSO AI SENSI

2008-05-20T09:34:00.000-07:00

Incontro, denso di tenerezza, come la polpa di un frutto maturo che accarezzi il palato e imbratti le le mani. Odore di dolcezza d'anima che si espande nella bocca, come un'esplosione di profumi ruggenti e sapori sapienti. Incontro di una mano incerta con il manto tenero e caldo di un corpo. Incontro di occhi, diversi nei destini, uguali nelle origini. Incontro di cammini che si intersecano nelle viscere fino a confluire in un unico punto. Due orme sul sentiero dell'arroganza, quattro su quello della bellezza. Perchè Il tempo ha incrinato e distorto gli specchi, ha adulterato il senso.

Mi vedo in quegli esseri, scorgo ancora un brandello logoro del mio passato, e in quegli sguardi c'è tutto quello che non voglio capire del mio presente.

Osservo quelle vite in fermento nella trasognanza inquieta di chi sente senza comprendere e sa che comprendere non è più necessario, e non è necessario spiegare. Mi nutro della loro sublime arte del dare senza chiedere, e da loro la imparo.

Noi, che deprediamo e rubiamo la vita per illuderci di poter vivere, paghiamo ogni giorno un fio salatissimo per la nostra saccente sfrontatezza. I gorghi bui della prepotenza ci divorano, fino a farci diventare carnefici di noi stessi.

Ciò che è importante è tutto lì, nell'intensità sottesa e velata di un attimo impalpabile, dove la realtà si trasfigura e il cuore penetra altrove, in uno spazio che non ha più bisogno di parole, ma solo di gesti abbozzati dall'intenzione e generati dalla passione e dall'istinto.

La comunicazione si ribalta: parte da lontano per andare ancora più lontano, e si acquatta lieve in spirali di confortante vicinanza. Le labbra non devono più muoversi per articolare l'indecifrabile, ma solo per percepire il gusto frizzante e sferzante del vento, della pelle, della materia, perchè le emozioni si riversano come ambrosia nel calice della vita, e tutti vi si possono abbeverare. Le dita intrecciano i nervi, il cui bandolo introvabile appare ora evidente.

In questi esseri trovo le radici mie e della mia balzana specie, e trovo tutto ciò che non ho mai osato cercare.

A che cosa mi servono le dita, le labbra, il naso, la vista, le orecchie? Sono solo pezzi inutili di un corpo stolto plasmato da un dio capriccioso che gioca schernendosi delle proprie chimere? O forse la carne parla, non con la parola ma con il sangue che vi scorre dentro e percuote le vene?

E se davanti a me non vi fosse nessuno, solo buio, desolazione e deserto, che cosa me ne farei di questi sensi?

Ciò che percepisco è vita, una vita altra che palpita fuori e dentro di me, all'unisono con la mia.

Ogni creatura, umana o non umana, è una mappa dove io mi ritrovo, dove io mi decifro e mi rifletto. Ma solo oltrepassando l'inganno della razionalità e della superbia potrò addentrarmi davvero nei misteri della vita.

Chiara Manganelli

GRAMMATICA D'AMORE

2008-05-20T09:29:00.000-07:00

Occhi cosparsi di parole seducenti e intensità rutilanti.

Bocca che stringe il suggello di mondi arditi e arcani.

Ogni giaciglio gioca a domino

con le pedine della prudenza e dell'attesa,

ogni amplesso lacera il dolore.

Le carezze,

schiaffi di lucente dolcezza,

accendono lampi di sonorità sfacciate

su una pelle sorda e analfabeta.

E il sangue ritrova il sentiero smarrito che conduce al sole.

Chiara Manganelli

VIVISEZIONE

2008-05-20T03:55:00.000-07:00

Liberami dal furore della rabbia

e dal ferro della gabbia.

Rimescola il poco sangue che mi è rimasto nelle vene.

Salva la mia carne martoriata

da saccenti menzogne

e da deliri di visionaria onnipotenza.

Un giorno la compassione

fenderà il loro cielo,

e lacrime di acrimonia

corroderanno la loro vile arroganza,

come il magma corrode la roccia.

Chiara Manganelli

LE CITTA' DEGLI ANGELI

2008-05-18T12:15:00.000-07:00

Racconto breve scritto nel maggio 2008 per la rivista “Miele”

Un tiepido vento d'estate leniva la canicola che divampava da un cuore di cemento. Scolpisco, con un battito d'ali, ricordi di grattacieli infiniti, così alti che non ne vedevo la fine, e gli occhi si perdevano nel cobalto.

Un tempo ero una piccola creatura inghiottita da un universo incomprensibile che si attorcigliava intorno ai miei respiri. Rumori, trambusti, sussulti, clamore insopportabile. Ed io, naufrago aggrappato a zattere di nuvole e cielo, sognavo di volare via da quella prigione di lucida follia.

Una mano grande e calda mi trascinava lungo sentieri indecifrabili fatti di metallo e pietra rovente, mentre un brulichio sommesso e incessante mi rimbombava nelle orecchie.

Che cosa c'è in questi dedali plumbei e convulsi? Pezzi di uomini che si dimenano, si scompongono e si ricompongono in una giostra sconcertante e misteriosa.

Sono tutte uguali le necropoli degli esseri umani, qui come in qualsiasi altro agglomerato di artificialità. Tutte uguali le facce, tutte uguali le illusioni. Le solitudini sono appiccicate insieme con calce e malta, per creare una somma incontenibile e mastodontica di solitudini ancora più insanabili, perchè essere circondati da occhi trasparenti e consistenze inconsistenti è ancor più lacerante che trincerarsi dentro il proprio guscio di cristallo infrangibile.

Un giorno, finalmente, volai via. Come una foglia leggera alla prima brezza d'autunno, come lieve foglio di carta strappato da un libro per andare a comporre e inventare un'altra storia, un'altra vita possibile al di là della vita stessa. Divenni evanescente, come sguardo che si perda dentro laghi di leggerezza, eppure più reale di prima.

Ciò che un tempo mi tramortiva e mi sovrastava, ora è nelle mie mani, e posso plasmarlo e trasformarlo a mio piacimento. Non per farmene beffe, non per usarlo come superfluo gingillo alla mercè di un capriccio, ma per cospargerlo di sogni e di luce.

Le mie ali si dispiegano sopra minuscole distese di grigiore, e da esse un pulviscolo di sfavillanti colori si sprigiona e avvolge quei parallelepipedi regolari, come danza di pioggia. E dal silenzio del rumore: un tripudio di musica. Dalle buie maree di torbide solitudini: un fragore assordante di gioia e magia.

Chiara Manganelli

CHI NON HA IL SUO MINOTAURO?

2008-05-18T12:13:00.001-07:00

PROLOGO

Terribile chimera, mostro nato da un ventre ubriaco per scherno e punizione degli dei, chi sei veramente? Che cosa vuoi da me?

Come per nemesi infinita, mi condanni a vagare tra i respiri asfittici di un sole nero. Ti rinchiudo fra gli abissi tortuosi del mio labirinto, dove io stessa mi perdo, ti ricaccio giù, nel fondo del fondo, nello spazio obliquo e instabile dove l'anima annega e si contorce.

Ti relego nel regno delle ombre, ma tu, beffardo, ti cibi di esse, le plasmi e le trasformi, conferendo loro sembianze di ammalianti e seducenti sirene, e me le porgi millantandole per splendidi doni. Timeo danaos et dona ferentes.

Così io ti rifuggo, velenoso mistificatore, rabbioso e deforme fantasma che popola le mie notti inquiete.

La mano del tuo stesso padre ti ha ingannato e intrappolato, e per un perverso gioco del fato, la vittima si è tramutata in carnefice.

Quanto sangue ancora, di teneri fanciulli sacrificali, desideri venga versato, prima che la tua incessante sete di vendetta sia placata?

Le Erinni scagliano i loro dardi infuocati su quest'isola tetra, e io assisto inerme alla disfatta, davanti a un cielo livido che annuncia tempeste tumultuose.

Emblema di segreti inconfessabili, di tranelli e illusioni, pagherò questo fio salato fino al giorno in cui non ti vedrò capitolare.

Ma volgi lontano da me il tuo sguardo e trema, poiché dal mare giungerà la salvezza. Intravedo già una vela bianca che porta la luce.

Chi può essere l'impavida creatura che ci affrancherà da questo vorticoso gorgo di ossessioni?

Lui intanto è ancora lì, il mio dolce e terribile Minotauro, a trastullarsi tra le pieghe frastagliate della mia anima. Si attorciglia a ogni umore, si infila in ogni pertugio della mia mente.

Talvolta si assopisce e tace, ma il suo silenzio rimbomba come eco minacciosa e torva, ancor più del suo fragore.

EPILOGO

Il mostro è stato ucciso. Il filo è dipanato. Teseo è stato liberato dalla ragnatela di impervi cunicoli e antri oscuri. Ma chi detiene il bandolo della matassa?

Le gesta di un eroe fedifrago si spengono repentinamente come lingue di fuoco nell'oceano.

Ha giocato a scacchi con la vita, il saccente Teseo, e ha confuso il re bianco con il re nero, così il mare si è tinto del suo stesso sangue.

Ancora una volta le Erinni tendono l'arco e non falliscono il tiro.

Libertà, finalmente, da ogni Minotauro, da ogni Teseo, da ogni Minosse.

E' mio il bandolo della matassa. Quest'isola meravigliosa, cosparsa di luce e lambita da onde danzanti, ora mi appartiene. E’ la mia agognata Itaca, morbido approdo di sublimi sogni e rilucenti desideri.

Qualsiasi prigione può trasformarsi in languido e sfavillante paradiso. Ogni mostro può essere sospinto nel baratro dell'Ade, perché la mano che lo crea, lo può anche distruggere.

Chiara Manganelli

UN’AMICIZIA INSCINDIBILE ED ETERNA

2008-05-18T11:59:00.000-07:00

“La vera bontà dell’uomo si può manifestare in tutta purezza e libertà solo nei confronti di chi non rappresenta alcuna forza. Il vero esame morale dell’umanità, l’esame fondamentale (posto così in profondità da sfuggire al nostro sguardo) è il rapporto con coloro che sono alla sua mercè: gli animali. E qui sta il fondamentale fallimento dell’uomo, tanto fondamentale che da esso derivano tutti gli altri.”

Milan Kundera

Era una tiepida giornata di inizio ottobre. L’estate indugiava ad emigrare lontano, attardandosi lungo i giorni, come un ragazzino che rimanga in strada a vociare e giocare oltre il tempo a lui concesso, ignorando i ripetuti richiami materni.

Passeggiavo da adolescente accanto al mio mondo di bambina, fiancheggiando quell’edificio rosso ancora pieno di fiabe, disegni e grembiuli macchiati da arcobaleni di pastelli e marmellata, quando ad un certo punto una voce di donna attirò la mia distratta attenzione.

Ricordavo vagamente quella signora possente e arcigna. E come sempre accade quando si registrano cose e persone nell’età dell’infanzia che poi si rincontrano una volta diventati adulti, ella mi apparve molto meno imponente e minacciosa di quanto serbassi nel ricordo. La memoria, si sa, è come una pelle che si adatta al nostro mutevole corpo, e, come una pellicola sensibilissima, imprime su di sé emozioni e umori, per poi miscelare, in un impasto rarefatto e a volte ingannevole, le sensazioni passate e quelle presenti, sortendo una rievocazione che quasi mai corrisponde alla realtà pura dei fatti. Forse perché essa non esiste, in fin dei conti.

Mi avvicinai a quella figura famigliare che sbraitava dietro la lunga cancellata, attirata dai ricordi e da quei minuscoli batuffoli che si dimenavano sul prato. Spezzai il ritmo concitato del mio passo e mi soffermai per un istante che a me parve impercettibile, ma che ella evidentemente percepì benissimo.

Mi si rivolse in modo burbero: “ Ti piacciono?”

“Certo che mi piacciono!” risposi con un sorriso a metà tra l’ebete e il trasognato.

“Ne vuoi uno?”

Un guizzo repentino di stupore inatteso misto a desiderio si accese nel mio sguardo. E la matrona sicuramente lo colse: “Dai, prendine uno!” incalzò.

“Non posso proprio” risposi con rammarico.

Ma sappiamo bene quanto a volte sia pregnante e lampante il linguaggio non verbale, e quanto spesso il corpo smascheri ciò che le parole nascondono…

Il languore stucchevole dei miei occhi svelò palesemente le mie reali velleità, nonostante i deboli e traballanti tentativi di resistere dinanzi alla sua insistenza.

“Entra, dai, guarda come sono belli”.

Ovviamente entrai. Ed erano davvero belli. Due tenere e piccole palle di pelo, una nera e l’altra marrone.

La donna, per convincermi, cominciò a narrarmi una lunga e svenevole storia strappalacrime sulla sorte delle due piccole creature. Non seppi mai se mi raccontò la verità o se si inventò quell’aneddoto al solo scopo di estorcermi il fatidico “sì, ne prendo uno”. Sta di fatto che il fatidico “sì, ne prendo uno” fu ben presto profferito dalle mie labbra. E probabilmente (ma questo ella non poteva saperlo) non sarebbe neppure occorsa quella vivida e rocambolesca affabulazione!

“ Nero o marrone? Femmina o maschio?”

“La femmina” risposi quasi d’istinto. Mi accorsi che lo dissi perché affiorò alla mia mente, repentina come un lampo, una frase impressa nella mia memoria: “Le femmine sono più affettuose”. Era la voce di mio padre acquattata in chissà quale recesso della mia infanzia.

“Si chiama Luna” mi disse porgendomela con la delicatezza e la dolcezza di chi maneggi un oggetto immensamente prezioso e terribilmente fragile.

Presto fatto: senza quasi accorgermene mi ritrovai tra le braccia quel meraviglioso satellite della Terra.

Avvertii il suo calore che si espanse, attraverso il suo piccolo corpo, fin dentro il mio, come una dolce osmosi di liquido benefico e corroborante che scaldi il sangue.

Mi persi nei suoi occhi, scuri come baratri il cui fondo sia coperto di velluto morbido che accarezza lo sguardo, ne attutisce la caduta e ne placa l’irrequietezza.

Quella creatura pavida e tremante mi guardò, mi scrutò, mi scandagliò.

E mi scelse, pur senza apparente possibilità di discernimento. Chissà che cosa vide in quella fugace radiografia. Forse ossa scomposte da mille fratture.

La chiamano empatia, ma nessuna parola può rendere la complessità di quell’intima complicità, della reciproca comprensione e della profonda affinità che due esseri senzienti, a volte, riescono a stabilire fra loro. E l’empatia si beffa del tempo e sovverte le normali regole relazionali, giacché essa può non crearsi mai, neppure dopo anni e anni di conoscenza e convivenza, mentre può scaturire dopo pochissimi attimi o brevi periodi di frequentazione.

Luna. Ma la sua luce fu potente, folgorante e accecante come quella di un sole, e illuminò i miei giorni per dieci lunghi anni.

Quel giorno, tornando a casa col mio fagotto inerme stretto al petto, ebbi la netta la sensazione che la mia esistenza non sarebbe più stata quella di prima, che qualcosa di inesorabile si era compiuto. Quell’incontro fu un seme. Fu una matrioska che col tempo avrebbe partorito altre centinaia di bamboline, una dentro l’altra. Guardando a ritroso il film della mia vita, mi rendo conto che quell’evento fu l’antesignano di una sequela di altri eventi e mutamenti concatenati, destinati a mutare in modo piuttosto radicale la mia concezione del mondo.

Far sì che il nuovo ospite fosse accettato all’interno della famiglia fu più facile del previsto. Dopo brevi e flebili resistenze, Luna fu accolta e amata da tutti.

Ricordo ancora la prima notte con lei, trascorsa insonne a tentare di abituarla, fin da subito, a dormire nel suo confortevole e caldo cantuccio.

Dopo poche ore di inflessibile opposizione ai suoi caparbi pianti e latrati, l’irreprensibile intento di porre qualche regola educativa e comportamentale capitolò, un po’ per lo sfinimento fisico, e un po’ per la mia fisiologica incapacità di esercitare durezza e rigore con qualsiasi creatura debole e indifesa. Così Luna divenne, quella notte e tutte le altre successive della sua vita, parte integrante della coperta e del letto. E del mio instabile e tormentato sonno.

All’inizio i disastri e i danneggiamenti che ella provocò in casa furono incalcolabili. Ciò causò ire funeste e torve minacce da parte dei miei genitori, ma è fin troppo noto che chi tanto abbaia generalmente quasi mai morde. Così Luna passò del tutto indenne attraverso le innumerevoli catastrofi casalinghe innescate da quel meraviglioso e luminoso istinto di giocosa, leggera e incosciente gioia che solo i cuccioli degli animali e degli uomini possiedono.

Crescendo, la naturale inclinazione al “danno”, peraltro avulsa, in questa fase dell’esistenza, da qualsiasi sentimento di astio, rivalsa o vendetta, ma esclusivamente funzionale alla conoscenza del mondo circostante, si mitigò e infine cessò. Ma a differenza degli uomini, gli animali conservano sempre, anche da adulti, una purezza e una trasparenza di sentimenti e di atteggiamenti che permettono a noi umani di instaurare con essi un rapporto unico e ineguagliabile, che scava alla radice della filogenesi e fa emergere in noi sensibilità, capacità comunicative e intuitività quasi dimenticate, sepolte nella lontana memoria delle nostre origini.

Luna percepiva ogni sfumatura dei miei umori e ogni sottile variazione dei miei stati d’animo. E comprendeva altresì le complesse dinamiche della famiglia, le alleanze, i dissapori, i conflitti espliciti e latenti.

Era un catalizzatore verso il quale convogliavano le emozioni positive, e aveva la capacità di creare attorno a sé una zona franca grazie alla quale si placavano le dissonanze e le controversie. Con la sua presenza riusciva a modificare i tumultuosi rapporti interpersonali, spesso a vantaggio di una diminuzione delle tensioni. E come uno specchio, tutto l’amore che riceveva lo rifletteva indietro, cosicché esso non si esaurisse mai e continuasse ad alimentarsi attraverso quel precario e variabile scambio che tiene in equilibrio il dare e l’avere; e se è vero che tale scambio non è e non dev’essere un’eguaglianza matematica, è anche vero che una relazione non può sopravvivere se esso è fortemente sbilanciato da una parte o dall’altra, oppure sopravvive trasformandosi in un gioco di potere malsano e perverso, fatto di dipendenze e ricatti.

Luna fu al mio fianco sempre, tra le alternanze altalenanti di oscurità e luce, paradigma incarnato della fiducia incontrovertibile, scevra da qualsiasi fine sotterraneo e nascosto. La lealtà per antonomasia, lontana anni luce da quel tripudio di dinamiche spurie, meschine e abiette che imperversano nell’universo umano.

Fu al mio fianco nei giorni felici e abbacinanti, nei giorni bui e amari, nelle notti cosparse di dolcezza e speranza, e in quelle popolate da incubi, angosce e deliri. Fu al mio fianco nella fatica immane e titanica che comporta l’inesorabile e ineluttabile passaggio dall’adolescenza all’età adulta, e fu grazie a lei se il disincanto e le numerose disillusioni non riuscirono a cancellare in me quel magico e sublime slancio che consente di rimanere sempre un po’ bambini, conservando il gusto per il gioco, il sogno, la fantasia, il paradosso, l’ingenuità e l’immediatezza.

Per capirsi non erano necessarie le parole, bensì bastava l’eloquenza degli occhi e del corpo, e l’accendersi di sensibilità sottili e arcane.

Talvolta ci è concesso di uscire dalla “caverna platonica” per arrivare a percepire non solo ombre, ma anche la realtà che le genera: sono circostanze preziose, che capitano raramente.

In quei dieci anni di convivenza si stabilirono tra noi un’intesa e una complicità salde e incrollabili. Condividevamo tutto. Non potevo neppure immaginare la mia vita senza la sua presenza, senza il calore splendente dei suoi occhi.

Eppure un giorno infame e tetro, dopo un periodo di malattia, Luna se ne andò.

Se ne andò perché decisi di risparmiarle una fine dolorosa. L’ultimo atto d’amore che potevo compiere per lei era regalarle una morte dignitosa e serena, e dispensarla da tremende agonie. E così feci. Fu una delle decisioni più difficili e laceranti della mia esistenza. Ma agire diversamente, prolungando la sua sofferenza, avrebbe significato dar ascolto al mio arido egoismo anziché all’amore e alla compassione. Perché amare davvero significa volere il bene dell’altro, anteponendolo al proprio.

Sapevo che quel maledetto giorno sarebbe prima o poi sopraggiunto, ma come sempre avviene per le cose scomode, terribili e sgradevoli, si cerca di allontanarne e procrastinarne il pensiero, fino a che la durezza velenosa e dilaniante dell’evidenza ci colpisce e ci tramortisce, come un pugno sferrato dritto alla bocca dello stomaco, ed allora diviene impossibile sfuggire ancora alla crudezza agghiacciante della realtà.

Se da una parte ella restò accucciata tra i miei respiri e avvinghiata tenacemente alla mia anima, dall’altra volò via come un gabbiano, e con lei una parte di me. Coloro che amiamo profondamente, andandosene, ci lasciano sempre un marchio indelebile del loro passaggio, ma al contempo si portano con sé miriadi di brandelli e frammenti di noi. E noi che rimaniamo qui, reduci allampanati e smunti, schiacciati e paralizzati dal gelo, vediamo e sentiamo solo inferno, rabbia e sofferenza. E la ricchezza impareggiabile che un amore intimo e intenso elargisce sembra non riuscire ad esautorare l’atroce crudeltà della perdita. Ci sentiamo soli, indifesi, feriti; piccoli esseri barcollanti e incespicanti alla mercé delle bufere vorticose e dei capricci del destino. In quei momenti esistono solo il vuoto e un dolore sordo e intollerabile che rimbomba fragorosamente dentro le tempie, e che sembra spezzare irrimediabilmente le vene e i nervi.

La mia piccola bambina si abbandonò e poi si addormentò fra le mie braccia, come un guerriero spossato ed esangue che abbia troppo a lungo combattuto in

territori stranieri per espugnare roccaforti e torrioni, con la terra natia dentro il cuore. Si assopì come un marinaio che abbia affrontato mille tormente e naufragi, con l’oceano e il vento dentro lo sguardo. Morì con la dolcezza serafica e lieve di chi non abbia più conti in sospeso, ma solo crediti, con l’esistenza. E più di lei morirono coloro che la amarono, con addosso il rancore di chi acclami la vendetta per estinguere l’ingiustizia.

Non c’è nulla che ripaghi, che lenisca, che consoli, che conforti. E quando persino le lacrime esauriscono il loro copioso flusso, gli occhi rimangono asciutti come deserti immobili, come lividi e foschi crateri, privi di fulgore e vividezza. E la luce e i colori sembrano immensamente distanti, destinati a non fare più ritorno.

Restituii il suo corpo alla terra e al mare.

E ora su quel lembo di terra prospiciente il mare vi è un magnifico e rigoglioso albero di fiori colorati e lucenti. E ogni volta che guardo quella vita generata da un’altra vita, penso che forse non esistiamo invano, e gli occhi di Luna riappaiono limpidi, fulgidi e brillanti in mezzo ai teneri petali e alle fronde di quel bellissimo e timido albero…

Chiara Manganelli

POLLI D'ALLEVAMENTO

2008-05-18T11:55:00.000-07:00

“Polli d'allevamento”, scritto nel 1978, è uno degli spettacoli più intensi e polemici del “teatro canzone” di Giorgio Gaber.

Quest'opera, interpretata magnificamente da Giulio Casale, che rassomiglia a Gaber in modo sconcertante (nella mimica, nei gesti, persino nel timbro della voce), viene riproposta del tutto fedelmente, con arrangiamenti musicali di Franco Battiato e Giusto Pio.

Le disillusioni e i dubbi già presenti in “Libertà obbligatoria” qui si acuiscono e diventano rabbiosa certezza e sarcastico pessimismo. Le istanze rivoluzionarie del '68 si sono ormai spente. Ogni velleità di trasformazione politica e sociale si è svilita e appiattita. Gaber, con lucidità, intelligenza e ironia, dà sfogo a un'invettiva rassegnata e dolorosa in merito al degrado ideologico che permea quegli anni. Nelle sue parole si sente il sapore di un'amarezza livida e di un'impotenza estenuante, le cui uniche vie d'uscita sembrano essere l'isolamento e il disincantato distacco da ogni fugace moda.

L'anticonformismo a tutti i costi diviene una forma di conformismo al rovescio, e l'istrionico e sagace artista pone sullo stesso livello quella generazione di sedicenti giovani rivoluzionari e la borghesia reazionaria, ottusa e conservatrice contro cui quegli stessi giovani dovrebbero e vorrebbero lottare per rinnovarne i valori e fondarne di nuovi. Ma questi nuovi valori in realtà sono solo una posa, una patetica millanteria dietro cui si nasconde un terribile vuoto. La delusione è cocente. Il fermento, lo slancio e gli aneliti del sessantotto si sono tramutati in stridente qualunquismo a buon mercato. Non esiste più alcun sentimento di appartenenza, alcuna autentica manifestazione di partecipazione collettiva; ci si sente smarriti e irrimediabilmente soli. “Sono diverso e certamente solo” declama Gaber, con rammarico e orgoglio, in “Quando è moda è moda”, la canzone certamente più provocatoria e violenta di tutto lo spettacolo.

“Polli d'allevamento”, dunque, sancisce la presa di coscienza del fallimento di un sogno. Come il cantautore affermerà molti anni più tardi, riferendosi a un altro grande fallimento storico e politico: “ci si sente come in due, da una parte l'uomo inserito, che attraversa ossequiosamente lo squallore della propria sopravvivenza quotidiana, e dall'altra il gabbiano, senza più neanche l'intenzione del volo, perchè ormai il sogno si è rattrappito. Due miserie in un corpo solo”.

E, a trent'anni esatti di distanza, “Polli d'allevamento” è ancora estremamente attuale. Qui sta la grandezza di questo eccezionale artista: non ci si stanca mai di ascoltarlo. Le sue analisi sociali sono sottili, profonde, illuminanti e dotate di un acume impareggiabile. Egli riesce a scavare nell'animo umano e nella cultura di un'epoca con una vis intellettuale sorprendente, e, allo stesso tempo, con ironia, autoironia, vivacità e giocosità, senza mai scivolare nella retorica, nella demagogia e nella banalità.

Chiara Manganelli

LA SOLITUDINE DEI NUMERI PRIMI

2008-05-18T11:52:00.000-07:00

La solitudine dei numeri primi”, opera prima del giovane scrittore emergente Paolo Giordano, cattura e ammalia per la sua prosa pregnante e vivida, ma al contempo languida e delicata, profonda e intima, a tratti lucida, concitata e cruda.

La narrazione si snoda attraversando le vite dei due protagonisti, Alice e Mattia, entrambi segnati dalla ferita indelebile di un trauma vissuto nell’infanzia. La cicatrice di questo dolore permane inesorabilmente lungo il sentiero delle loro esistenze, si attacca alle ossa, si imprime nelle loro anime e nei loro corpi, condannandoli a girovagare nella propria rassegnata e mesta solitudine, cercando invano di colmare il vuoto vertiginoso che alberga nei loro destini.

Alice e Mattia sono come dei numeri primi gemelli: in matematica vengono definiti in tal modo coppie di numeri che si trovano vicini, fra i quali vi è sempre un numero pari, cosicché essi giacciono attigui, ma mai abbastanza per sfiorarsi e compenetrarsi davvero.

I due ragazzi si inseguono disperatamente per tutta la vita, senza riuscire mai a lambirsi e a stringersi, perchè “le scelte si fanno in pochi secondi e si scontano per il tempo restante”, e le loro strade, proprio nel momento in cui stanno per intersecarsi, si dividono. Basta un attimo di esitazione e titubanza, una frase abbozzata, l'aferesi di un'intenzione, un afflato di desiderio che rimane sospeso nell'aria, e la scelta è compiuta, e porta due anime a ruzzolare agli estremi opposti di una linea sottile tracciata nel tempo e nello spazio. Eppure tra i due giovani esiste un filo persistente e invisibile, teso su un terreno di attrazione ambivalente e instabile, che, pur sfilacciandosi, non si spezza mai.

Mattia, affondato nel suo agghiacciante isolamento, rifugge qualsiasi forma di piacere. Pare un essere assolutamente incapace di lasciarsi trascinare da guizzi di gioia e di aprirsi alle relazioni umane. Chiuso ermeticamente nel suo guscio di vetro infrangibile e immerso in un involucro di autodistruzione, egli si rifugia nello studio della matematica, sua unica compagna di vita, e per difendersi dalla paura dell'amore si esilia all'estero.

Alice, fragile creatura claudicante, consuma se stessa nel baratro dell'anoressia, e per dimenticare la caparbia inafferrabilità di Mattia, si abbandona all'illusione di un amore che si scioglie come neve al sole, lasciandole addosso l'amarezza di un ennesimo fallimento.

Dunque l’autore ci regala una storia affascinante e struggente di intrecci imperfetti, di coincidenze mancate, di convergenze e divergenze, di fugaci istanti che determinano il corso di una vita intera.

Perchè a volte la nostra esistenza è appesa a incomprensibili distorsioni, e imboccare la via dove ristagnano i nostri fantasmi e le nostre paure è un attimo: il tempo di un lampo.

Chiara Manganelli